„Das Montreux Jazz Festival ist das beste Festival der Welt. Da ich seit 1971 dort spiele, kann ich das gut beurteilen. Die Nacht des 11. Juni 2022 war eine besondere, und wir Musiker haben unser Bestes gegeben, um sie unvergesslich zu machen. Von all meinen Auftritten hat dieser besonders herausgestochen. Es war ein Abend voller Spaß, Kunst und Freude.“ - John McLaughlin
 

John McLaughlin, der vom Rolling Stone zu den 100 besten Gitarristen aller Zeiten gezählt wird, kehrt 2025 mit »Live at Montreux Jazz Festival 2022« in Bestform zurück.

Diese atemberaubende Performance wurde auf einer der berühmtesten Musikbühnen der Welt aufgenommen. Als Pionier, der durch seine Arbeit mit Miles Davis, dem Mahavishnu Orchestra und Shakti die Jazz-Fusion neu gestaltet hat, bringt McLaughlin mehr als fünf Jahrzehnte Innovation in dieses elektrisierende 90-minütige Set ein. Unterstützt von seiner langjährigen Band The 4th Dimension und mit der preisgekrönten kubanischen Pianistin Jany McPherson als besonderem Gast, ist diese Veröffentlichung eine Meisterklasse in genreübergreifender Musikalität.

Die Setlist schöpft aus jeder Ecke von McLaughlins weitreichender musikalischer Reise, darunter Fan-Favoriten wie »New Blues Old Bruise« und »El Hombre Que Sabia« - eine von Herzen kommende Hommage an seinen Freund und die Flamenco-Legende Paco De Lucia. Die Band liefert auch inspirierte Interpretationen von Pharoah Sanders' spirituellem Jazz-Epos »The Creator Has a Master Plan« und Piero Piccionis cineastischem Juwel »The Light at the Edge of the World«. Aufgenommen mit modernster mobiler Technologie und abgemischt von George Murphy (Shakti, Mumford & Sons, Ellie Goulding) in den Eastcote Studios in London, ist Live at Montreux Jazz Festival 2022 mehr als ein Konzert - es ist ein eindringliches Erlebnis, das die Seele, das Können und die Spontaneität einer Gitarrenlegende einfängt, die von Jeff Beck als »der größte lebende Gitarrist« bezeichnet wurde.

Formate

Blu-ray+CD Digipak
2 LP (Schwarz) Gatefold
Digital

Tracklisting (alle Formate):

A:

1. Introduction (Blu-ray only)

2. Kiki

3. Lock Down Blues

4. The Creator Has a Master Plan

B:

5. Hijacked

6. Gaza City

7. Mr. DC

8. Abbaji

C:

9. New Blues Old Bruise

10. Here Come the Jiis

11. The Light at the Edge of the World

D:

12. Echoes From Then

13. El Hombre Que Sabia

14. Outro (Blu-ray only)

pics: copyright earMUSIC_credit Lionel Flusin

Title: Trovoada
Artist: O Gajo
Label: Lusitanian  Vertrieb: Broken Silence      Cat nº: LUS050
Release Date: May 30, 2025
João Morais started to play guitar when he was 25 years old, participating in several bands with the punk rock scene. In 2016, João started his solo project O GAJO (that means “THE DUDE”, in portuguese), which is inspired by his world music references. His latest album “Subterrâneos” (2021), has the featuring of Carlos Barretto and José Salgueiro, two renowned portuguese musicians. O GAJO had already crossed borders, participating in a few international events, such as EUROSONIC, REEPERBAHN, IMATERIAL Festival and WOMEX 2021, which shows that his music is absolutely international and surprising.

O GAJO's journey continues with a fifth album in an extended format, expanding his sonic horizons and affirming his adventurous spirit.
The Viola Campaniça is now joined by the Accordions, the Cavaquinho, the Bagpipes, the Adufe and a luxurious rhythm section that together, thicken the musical atmospheres and bring with them a large dose of contagious groove and for the first time, text is added by the voice of O GAJO. The word thus becomes another tool always at hand to embody and narrate the stories that populate the project's universe.
It is in March 2025 that “Trovoada” arrives, an album that was born from the turbulence of a world in constant conflict at the hands of a restless musician who likes to experiment with new formulas.
This is a more mature, rhythmic work, and an affirmation of a project that no longer remains indifferent in the national music scene, recently awarded at the Iberian Festival Awards 2024 by the INATEL Foundation, for its role in innovating popular music.
O Gajo grows, to the rhythm of his traditional-inspired contemporary music, ready to conquer more and bigger stages.

Tracks:
Side A:
01 - Baile de Búfalos - 2m10s
02 - Pedra sobre Pedra - 3m6s
03 - Filhos do Vendaval - 2m52s
04 - Flores Silvestres - 3m42s
05 - Marabunta - 2m43s
06 - Piratas do Tietê - 3m30s
Side B:
07 - Mar de Gente - 3m31
08 - Povo da Fenda - 3m25s
09 - Barca do inferno - 3m26s
10 - Carregando a Cruz - 3m16s
11 - Velho Tocador - 3m27s

João Morais (O Gajo) - Viola Campaniça, Bouzouki and vocals
Isaac Achega - Percussion
Francesco Valente - Bass
João Martins - Sanfona, Cavaquinho, Flute and Choir
Diana Ferreira - Adufe, Bagpipes and Choir
Digital Distribution: Mermaids & Albatrosses

Artikelnummer:12264043

UPC/EAN:   4031103004271

Formate: CD | Vinyl | digital

WWW.JOHNHELLIWELL.COM

 John Helliwell:

"It is such a great pleasure for me to play these great tunes (that I have been involved with for over 50 years) with amazingly talented  musicians.

JOHN HELLIWELL’S *SUPER BIG TRAMP BAND
Die Idee einer Big Band, die die Musik von Supertramp spielt und in der John der Hauptsolist ist, entstand 2013 als Projekt von Mike Hall, dem damaligen Leiter der Jazz-Studiengänge am Royal Northern College Of Music in Manchester, Großbritannien. Das daraus resultierende Konzert mit der Studentenband war ein Erfolg. In den folgenden Jahren ermutigte Rob Buckland, heute Professor für Saxophon am RNCM, John immer wieder, die Idee mit professionellen Musikern fortzuführen - was John schließlich auch tat, zunächst mit mehreren Konzerten und anschließend mit der Aufnahme der Band im Jahr 2021. Rob ist jetzt der Bandleader. Die Arrangements der Supertramp-Songs stammen von Mitgliedern der Band und wurden im Juli 2021 in Manchester aufgenommen.

Tracklist:

1. Bloody Well Right   04:55 -   Arranged by Clark Rundell
2. Breakfast In America   05:07 - Arranged by Rob Buckland
3. Crazy / Waiting So Long / Don‘t Leave Me Now   07:35 - Medley arranged by Rob Buckland
4. Dreamer   03:31 - Arranged by Andy Scott
5. Ain‘t Nobody But Me / You Win I Lose / From Now On / Land Ho   07:24 - Medley arranged by Andy Scott
6. If Everyone Was Listening   05:38 - Arranged by Mike Hall
7. Cannonball   05:26 - Arranged by Rob Buckland
8. Crime Of The Century   06:25 - Arranged by Rob Buckland
9. The Logical Song   04:05 - Arranged by Rob Buckland
10. Gone Hollywood   07:08 - Arranged by Mike Hall

SUPER BIG TRAMP BAND
John Helliwell Saxophones, Clarinet, Melodica, Whistle, etc.
Rob Buckland Leader, Alto Saxophone, Clarinet, Arranger
Amy Roberts Alto Saxophone
Mike Hall Tenor Saxophone, Arranger
Andy Scott Tenor Saxophone, Arranger
Carl Raven Baritone Saxophone
John Barber Trombone
Carol Jarvis Trombone
Ellie Smith Trombone
Mark Frost Bass Trombone
Ryan Quigley Trumpet
Russell Bennett Trumpet
Steve Waterman Trumpet, Flugelhorn
Richard Iles Trumpet, Flugelhorn
Martin France Drums
Billy Buckley Electric Guitar
Ollie Collins Bass
Paul Kilvington Piano, Electric Piano, Keyboards
Josh Savage Percussion

Publisher: Universal Music Publishing

Label: EarlyBird Records GmbH

Producer: John Helliwell and Rob Buckland

Co-Producer: Raimondo Meli Lupi

Cover-Artwork: Lea Westphal

DOWNLOAD COVER SUPERbigTRAMPband

Candice Night kündigt mit „Sea Glass“ ihr erstes Soloalbum seit einem Jahrzehnt an 

Candice Night – die musikalische und unverwechselbare Stimme von Blackmore’s Night – meldet sich mit ihrem neuen Soloalbum „Sea Glass“ nach über einem Jahrzehnt zurück.

Ihr neues Soloalbum erscheint am 25. April 2025 bei earMUSIC als limitierte LP, CD-Digipak und digital.

Mit „Sea Glass“ erklimmt Candice Night einen neuen kreativen Gipfel. Inspiriert von musikalischen Abenteuern und den magischen Momenten des Familienlebens, fängt das Album das Leben ein – wie ein Kaleidoskop aus schimmernden Meerglasfarben, von denen jede ihren eigenen Zauber entfaltet. Mit scheinbarer Leichtigkeit verwebt Candice ihre Einflüsse und Erlebnisse zu einer Musik, die zugleich modern und zeitlos klingt.

Linernotes by Candice

In some of my darkest days, I take to the ocean and walk the sand...The healing

powers of the sea air and the sound of the waves were enough to soothe any soul.

Yet, over the last few years, I had noticed as I walked along the shore, very small

fragments of beautiful color amongst the beige sand and grey rocks. Almost invisible

upon first glance, I'd find a small piece of brilliant green or blue, or sometimes amber

browns only noticeable when held up to be illuminated by the sun. I felt as if I was on

a secret treasure hunt....gifts left by the ocean for only me to find if I looked hard

enough. The process took much time and a lot of walking and searching. Needles in

a haystack. Yet, it was so rewarding to find these jewels that the searching became

almost addictive. It was then I realized, these slivers of hope were actually just pieces

of broken glass, sea glass, that had been tossed away, shattered, smoothed by the

rapture of the waves, and returned back to the land, as gems, to be found with great

joy by someone like me. Delving deeper, I began to feel a deep kinship to the

process that lead these pieces here. We go through so much in life, we break, we

shatter, our pieces tossed and tumbled by forces all around us, smoothing our edges,

teaching us lessons. And though some pieces may be lost, most return to be

changed, different, worn by time, and yet...brilliant treasures in who we have become

for those who take the time to look and really see us. No longer lost upon the

sand...”Sea Glass” is for you to treasure...

Das Album vereint Rock- und Country-Elemente in Tracks wie der ersten Single ‚Angel and Jezebel‘ (auf dem Album in zwei Versionen enthalten) sowie feinfühligen akustischen Pop mit ‚Unsung Hero (She’ll Never Tell)‘.

Thematisch behandelt „Sea Glass“ Motive wie Verlust und Liebe (‚The Last Goodbye‘ – mit Ritchie Blackmore an der Gitarre) sowie die Bindung zwischen Eltern und Kindern und ihre Wünsche und Träume für die Zukunft (‚Promise Me‘, das passend von Candices Sohn und Tochter mitgestaltet wurde).

Webseite: Candice Night

Artist Collective re-interpreting the works of José Afonso for the 21st Century.

Wanderer Songs ist ein internationales Künstlerkollektiv, das sich im April 2024 auf den Azoren zusammenfand, um eine besondere Show zum 50. Jahrestag der portugiesischen Revolution vorzubereiten und die erste vollständige Veröffentlichung des Live-Konzerts des verstorbenen großen José Afonso im Lissabonner Coliseu von 1983 zu feiern. Mit Künstler:innen und Musiker:innen aus Portugal, Angola/Belgien, Asturien, Valencia und Mosambik feiert dieses einzigartige Konzert das Leben und die Zeit eines der größten portugiesischen Künstler des 20. Jahrhunderts, José 'Zeca' Afonso (1929-1987).

Tiago Correia-Paulo (musikalischer Leiter und Gitarrist) wird auf der Bühne von dem azorianischen Neo-Folk-Songwriter PS Lucas, dem Folk-Duo Lavoisier, der Sängerin Selma Uamusse, dem Singer-Songwriter Nacho Vegas sowie der Rhythmusgruppe von Augusto Macedo und Diogo Sousa begleitet.

Nástio Mosquito, der künstlerische Leiter, steuert außerdem eine Spoken-Word-Performance bei, bei der er seine Version von José Afonsos „Utopia“ vorträgt.
Die 14-tägige künstlerische Residenz gipfelte in dieser Performance, die von Nelson Canoa aufgenommen und abgemischt und über die Plattenfirma Mais 5 veröffentlicht wird, das gegründet wurde, um José Afonsos aufgenommene und verwandte Werke zu veröffentlichen.

Musical Director/ Arrangeur: Tiago Correia-Paulo

Creative Director: Nástio Mosquito

Musiker:innen:

!!! CD Bezug über seine Webseite   !!!

Coco Schumann (1924-2018) war Mitglied der “Ghettoswingers” im KZ Thersienstadt, der erste deutsche E-Gitarrist, an den ersten deutschen Modern Jazzaufnahmen beteiligt und stand mit den großen Stars, wie Marlene Dietrich und Louis Armstrong auf der Bühne.
Schumanns Geschichte ist vielen bekannt, seine Musik leider etwas in Vergessenheit geraten.Der Hamburger Gitarrist Alexander Kranich hat viele seiner Kompositionen rekonstruiert und mit seiner Band in Düsseldorf unter der Produktion von Karsten Wegner anlässlich von Cocos 100. Geburtstag auf Cocos Original Gitarre eingespielt. Mit dabei sind schöne Balladen, wie “Au Revoir Mon Amour” und das für die damalige Zeit verblüffend modern “Westwind”.

Mit “Helmy’s Bebop Nr. 1” findet sich die erste deutsche Modernjazz Komposition auf diesem Album, ebenso  “Das ist die Musik voin heute” aus dem Heinz Erhardt Film “Witwer mit 5 Töchtern”.

Coco Schumann (1924-2018) war als Jude Überlebender des Holocaust und bis zu seinem Tod als Zeitzeuge aktiv. Er spielte bei den „Ghetto Swingers“ im KZ Theresienstadt und wirkte mit ihnen 1944 am NS Propaganda Film „Ein Dokumentarfilm aus dem jüdischen Siedlungsgebiet“ mit. Es folgten Deportationen nach Auschwitz und Dachau. Auch hier war Coco als Musiker aktiv. 1945 wurde er auf einem Todesmarsch befreit.
Nach dem Krieg kehrte er nach Berlin zurück und baute sich aus alten Wehrmachtsfunkgeräten den ersten Tonabnehmer an seine Gitarre. Er war somit der erste deutsche E-Gitarrist.

Mit Helmut Zacharias machte er 1947 die ersten deutschen Bebop Aufnahmen. Er begleitete viele damalige Größen von Louis Armstrong bis Marlene Dietrich auf Konzerten in der ganzen Welt. Erst in den 1990er Jahren begann er über seine Zeit im KZ zu sprechen. Bis 2015 blieb Coco musikalisch und als Zeitzeuge aktiv.
2013 lernten sich Alexander Kranich und Coco Schumann auf dem evangelischen Kirchentag in Hamburg kennen, wo Coco als Zeitzeuge von seiner Zeit im KZ berichtete und im Anschluss ein Konzert gab. Sie blieben bis zu seinem Tod in Kontakt.

 
Band:
Alexander Kranich: Gitarre
Samantha Wright: Klarinette
Axel Reichard: Klavier, Orgel, Gesang auf “Das ist die Musik von heute”
Max Jalaly: Kontrabass, Bassgitarre, Rezitation auf “Das ist die Musik von heute”
Andy Smyrek: Schlagzeug

Zwanzig Jahre nach der Aufnahme endlich als CD & LP auf Lusitanian: Einziges Album des kurzlebigen Bandprojektes aus Portugal!

Die Musiker hinter O Castelo sind keine Unbekannten in der portugiesischen Szene und ihre Musik erinnert an eine portugiesische Version der Tindersticks, die im Land äußerst populär sind. Pedro Oliveira, Gründungsmitglied der Kult-Wave-Band Sétima Legião, José Sousa und Luis Aires, bekannt von Rodrigo Leão. Bereits 2006 nahmen sie das Album O Castelo auf und erklärten José Sousas Haus kurzerhand zu ihrem »Schloss« – inspiriert vom Roman Das Schloss von Franz Kafka, der sowohl Namensgeber als auch Leitmotiv für die Band wurde. Hier entstanden die ersten Akkorde und Aufnahmen in intensiver gemeinsamer Zeit. In einer zweiten Phase verfeinerten sie die Arrangements in einem Raum der Lissaboner Bar Frágil, die als Probe- und Aufnahmelocation diente.
Das Album ruhte viele Jahre im privaten Archiv der Band und wird 2024 erstmals auf CD & Vinyl veröffentlicht. Ein Werk, das es wert ist, entdeckt zu werden.

musikreviews.de/ Thoralf Koß: "Was mit dem „Schloss“ von FRANZ KAFKA begann, endet auf zutiefst beeindruckende musikalisch-literarische Weise mit „O Castelo“ der gleichnamigen portugiesischen Band. O CASTELO entdeckten ein Album, das bereits vor 18 Jahren entstand, aber bis heute nie veröffentlicht wurde, wieder und entschieden, dass es endlich allerhöchste Zeit ist, diesem (für alle Freunde kammermusikalischen Indie-Pops im Kafka-Gewand) anno 2024 erneut ein musikalisches wie literarisches Gesicht auf Basis des unvollendeten Kafka-Romans „Das Schloss“ zu verleihen, das eine riesige Ausstrahlung besitzt. Eigentlich ein echtes Meisterwerk – das schon seit fast 20 Jahren als Meisterwerk gelten sollte."

timeless classic of Portuguese alt-pop

alternative songwriting at its best.

Besetzung:

Pedro Oliveira- Vocals, Guitar

José Sousa- Guitar

Luis Aires- Bass

“ You are a surveyor and you don’t have any surveying work! (...)

Franz Kafka, “The Castle"

 Was mit dem „Schloss“ von FRANZ KAFKA begann, endet auf zutiefst beeindruckende musikalisch-literarische Weise mit „O Castelo“ der gleichnamigen portugiesischen Band. O CASTELO entdeckten ein Album, das bereits vor 18 Jahren entstand, aber bis heute nie veröffentlicht wurde, wieder und entschieden, dass es endlich allerhöchste Zeit ist, diesem (für alle Freunde kammermusikalischen Indie-Pops im Kafka-Gewand) anno 2024 erneut ein musikalisches wie literarisches Gesicht auf Basis des unvollendeten Kafka-Romans „Das Schloss“ zu verleihen, das eine riesige Ausstrahlung besitzt. Eigentlich ein echtes Meisterwerk – das schon seit fast 20 Jahren als Meisterwerk gelten sollte.  Quelle: musikreviews.de/ Thoralf Koß

LONDONS „FIRST LADY OF SOUL“ PRÄSENTIERT NEUES LIVE-ALBUM
„LIVE IN LIVERPOOL”
AUFGENOMMEN WÄHREND IHRER 2019er UK-TOUR
Formate:    Black 2LP, CD Digipak      Streaming & Digital Download

P.P. Arnolds Lebenslauf als Künstlerin ist schlichtweg bemerkenswert: Die Sängerin unterstützte unter anderem Ike & Tina Turner als Teil des Gesangstrios „The Ikettes“, nahm mit Mick Jagger, The Small Faces, Rod Stewart, Eric Clapton, Barry Gibb und Primal Scream auf und steuerte ihren unverwechselbaren Backgroundgesang für Billy Ocean, Peter Gabriel, The KLF, Paul Weller und Roger Waters bei. Das sind doch mal Namen, die mit der Zunge schnalzen lassen und dennoch muss sie sich wahrlich nicht hinter diesen Referenzen verstecken, wie vorliegendes Live-Album aus dem Jahre 2019 eindrücklich beweist!
2019 war ein herausragendes Jahr für die gefeierte Soul-Sängerin, denn Londons „First Lady Of Soul“ veröffentlichte „The New Adventures of... P.P. Arnold“, ihr erstes Studioalbum seit den frühen 1970er Jahren und mit Beiträgen von Paul Weller, Steve Cradock von Ocean Colour Scene, The Specials und P.P.s Sohn, Kojo Samuel. Zusammen mit einer neunköpfigen Band begab sich Arnold im gleichen Jahr auf eine Tournee durch Großbritannien.

„Live In Liverpool“, aufgenommen am 18. Oktober 2019 in der Grand Central Hall in Liverpool, portraitiert das Finale ihrer gefeierten UK-Tour. Zu hören sind P.P. Arnold-Klassiker wie „The First Cut Is The Deepest“ und „Angel Of The Morning“, besondere Live-Versionen der Songs aus „The New Adventures of... P.P. Arnold“, wie z.B. „I Believe“ und „Hold On To Your Dreams“ oder Paul Wellers „Shoot The Dove“, sowie eine Coverversion von dem The Beatles #1-Hit „Eleanor Rigby“ und Steve Cradocks „The Magic Hour“.
„Das Konzert in der Grand Central Hall war genauso magisch wie die schöne Architektur des Gebäudes“, erinnert sich P. P. Arnold, wenn sie auf diese besondere Nacht in Liverpool zurückblickt. „Ich war überglücklich, wie gut das Konzert lief. Steve Cradock hatte den Traum wahr gemacht, das Album live aufzuführen und es dabei so nah an der Originalaufnahme klingen zu lassen. Die Band war brillant, die Mädels klangen wie Engel, und ich fühlte mich so gut, so froh, dass alles so gut geklappt hatte.“

line-up
P.P. Arnold - lead vocals
Steve Cradock - guitars, musical director
Andy Flynn - bass guitars, guitar
Tony Coote - drums
Justin Dodsworth - piano, organ and mellotron strings
Sam Smith - trombone
Steve Trigg - trumpet
Connie McCall - vocals
Keisha Smith - vocals

„Ich musste mir meinen Weg aus dem Grab erst mal wieder freischaufeln, um endlich frei atmen zu können – und auch darüber singen zu können, wer ich wirklich bin. Das hier, das bin einfach ich: absolut frei, ich akzeptiere mich selbst, ich mache niemandem etwas vor. Und ich glaube, das ist etwas, mit dem sich viele Menschen identifizieren können – schließlich sind wir Menschen doch alle auf der Suche nach uns selbst. Wir alle wollen doch die Fäden selbst in der Hand haben, wollen wieder an den Punkt gelangen, an dem wir einfach nur das ausstrahlen, was wir wirklich sind, ohne uns dafür entschuldigen zu müssen.“  Lady Blackbird 2024

Lady Blackbirds Debütalbum Black Acid Soul sollte 2022 nicht nur in Deutschland einen mehr als respektablen Platz 11 in den Albumcharts erreichen -von Platz eins der Jazzcharts mal abgesehen- , sondern der US-Sängerin auch rund um den Globus euphorische Kritiken bescheren. Während das Debut auch hierzulande reihenweise zum „Album der Woche“ gekürt wurde und selbst gestandene Kritiker*innen um Worte rangen, vergaben bekannt knauserige britische Medien zuweilen sogar fünf Sterne für Black Acid Soul, das sie wenig später unter anderem im Vorprogramm von Gregory Porter sowie beim Montreux Jazz Festival live präsentierte.
Nachdem Marley Siti Munroe- so ihr eigentlicher Name- bei den Jazz FM Awards als „International Artist Of The Year“ ausgezeichnet wurde, veranlasste ihr Auftritt in der britischen Graham Norton Show  (ab der 46.Minute) selbst Super Superstar Taylor Swift zu mehr als kollegial-freundlichen amazing- Gratulationen.
In erneuter Zusammenarbeit mit dem Black Acid Soul-Produzenten Chris Seefried entstand ein zweites Album, das nicht nur den typischen Lady Blackbird-Sound verkörpert, sondern auch zutiefst verletzliche Texte enthält, die vom schwierigen Aufstieg der Sängerin berichten.

DOWNLOAD PRESSEFOTOS (Credit: BMG / Christine Schwan)

Al Di Meola: Eine musikalische Reise "Twentyfour"

In „Twentyfour“ nimmt uns der legendäre Gitarrist und Komponist Al Di Meola mit auf eine fesselnde musikalische Reise. Geboren und aufgewachsen in New Jersey, begann Al Di Meolas musikalische Laufbahn in jungen Jahren, als er zum ersten Mal die Gitarre in die Hand nahm. Sein unvergleichliches Talent erregte schnell Aufmerksamkeit und führte ihn zum Studium am renommierten Berklee College of Music.

Im Laufe seiner jahrzehntelangen Karriere hat sich Di Meola durch seine innovative Fusion von Jazz, Rock und Weltmusik einen weltberühmten Namen gemacht und erntet dafür Lob von Kritiker:innen sowie eine treue Fangemeinde. Als Gewinner des Grammy Awards 1975 und Pionier auf dem Gebiet der Jazz-Fusion übt Al Di Meola einen grossen Einfluss auf die zeitgenössische Musik aus.

Das Album ist „ein gigantischer Sprung in meiner Entwicklung“, so Di Meola und reflektiert dabei über die Transformation von den akustischen Ursprüngen des Werks zu einer vollwertigen Produktion mit orchestralen Arrangements, E-Gitarren und seinen Kompositionen. „Durch die Pandemie bin ich noch tiefer eingetaucht als jemals zuvor mit meinem normalen Zeitplan möglich gewesen wäre“, fügt er hinzu und betont damit die einzigartigen Umstände, die seine kreative Exploration während dieser Zeit der Isolation antrieben.

„Wenn ich Musik schreibe, verschwindet alles um mich herum“, sagt Di Meola und spricht damit über die immersive und zutiefst persönliche Natur seines Songwriting-Prozesses. Es ist diese intensive Konzentration und Hingabe, die jeden Track auf „Twentyfour“ durchdringt und die Hörenden in eine Welt aus komplexen Melodien und dynamischen Rhythmen zieht.

„Ich habe auf diesem Album Dinge getan, die nicht viele Menschen können“, verkündet Di Meola stolz und referiert damit auf sein unvergleichliches handwerkliches Geschick und die Innovation, die sein neuestes Album kennzeichnen.
Von der emotionalen Erzählkunst bei „Ava's Dance In The Moonlight“ bis zur atemberaubenden Virtuosität von „For Only You“ zeigt „Twentyfour“ Al Di Meola auf dem Höhepunkt seiner Künstlerkarriere.

Das neue Album „Twentyfour“ erscheint am 19. Juli 2024 als 2 CD Digipak und 2LP Gatefold 180g bei earMUSIC und ist hier vorbestellbar:   Twentyfour (lnk.to)

VÖ: 31.05.24 Motéma / PIAS

JIHYE LEE ORCHESTRA „INFINITE CONNECTIONS“
Producers: Jihye Lee Darcy &v James Argue


Special Guest: Ambrose Akinmusire

Infinite Connections fuses traditional Korean rhythms with contemporary orchestral jazz to create a profound cross-cultural meditation on life, womanhood, and the ties that bind humanity. This first single which features solos by trombonist Alan Ferber and saxophonist Jason Rigby, is a grooving exploration of a simple but profound fact: No matter how different we might be from one another, we all share the same joy and anguish that define the human experience.

"We must have all started from one. Knowing that all humans are connected is a comfort: we are not alone. As we go through hardships, we learn empathy, courage, and resilience from one another. Together, we are stronger." – Jihye Lee

“Listening to bandleader/composer Jihye Lee and her mic-drop orchestra is like watching your life flash before your eyes. You see it all: All the richness of spirit one can attain. All the sadness one can espouse. All the waltzing mischief to which one can aspire.”     – Mike Jurkovic, All About Jazz

In den letzten Jahren hat die koreanische Komponistin und Musikerin Jihye Lee viel über ihre Großmutter nachgedacht, die 2020 im Alter von 85 Jahren ihrer schweren Demenz erlag und 1935 in Korea geboren wurde, das damals unter japanischem Protektorat stand, sprich eine Kolonie war. Sie heiratete im Teenager-Alter, um der Zwangsprostitution zu entkommen, der armen und elternlose Mädchen wie ihr zu der Zeit oftmals drohte. Während ihr Mann in der Regel in der örtlichen Trinkhalle saß, überquerte sie fast täglich einen zugefrorenen Fluss, um Brennholz für ein Feuer zu sammeln, das ihr Haus wärmte und es ihr zudem ermöglichte, für die Familie zu kochen.

Lees Großmutter erlebte in den darauffolgenden Jahrzehnten große politische, soziale und technologische Veränderungen in Korea, von denen die meisten positiv, ja sogar befreiend waren. Doch sie trug ihr Leben lang eine anhaltende Traurigkeit in sich. „Das war kein Selbstmitleid“, betont Lee. „Es war wie eine tiefe Trauer, die ihrer Seele innewohnte.“
Als sie an den Kompositionen für ihr neues Motéma-Album „Infinite Connections“ saß – der Nachfolger ihres preisgekrönten und hochgelobten Longplayers „Daring Mind“ – dachte Lee intensiv über solche und ähnliche Geschichten aus ihrer Familien- und Kulturgeschichte nach. Sie sinnierte über die starren patriarchalen Strukturen, die sie in Korea erfahren hatte.
„Ich habe meine Identität in Frage gestellt bzw. reflektiert“, erinnert sie sich. „Und die wichtigste Verbindung, die ich niemals verleugnen kann, ist, dass ich eine Tochter meiner Mutter bin. Ich stamme aus ihrem Körper.“ Lee realisierte natürlich, dass ihre Großmutter sich auf dieselbe Weise definiert haben wird und dass die scheinbar persönlichen Verbindungen in ihrem Leben so weitreichend sind, dass sie die gesamte Menschheit umfassen. Unendliche Verbindungen.
Das sind gewiss keine einfachen Vorgaben für ein orchestrales Jazz-Album, aber Lee hat die besondere Gabe, Erzählungen durch ihre Musik mit Kraft, Anmut und Fantasie zu vertonen.  Ein typisches Beispiel: Jedes progressive Jazzstück auf „Infinite Connections“ enthält einen traditionellen koreanischen Rhythmus – eine buchstäblich brillante Korrelation zwischen Lees Herkunft und ihrer gegenwärtigen Realität als gefeierte, in NY- Brooklyn lebende Bandleaderin. Noch faszinierender ist jedoch, dass sie sich diesen koreanischen Rhythmen nähert, nachdem sie sich zuerst die Kunst des Jazz-Arrangements angeeignet hat – eine in Korea geborene Künstlerin also, die die traditionelle Musik ihres Heimatlandes mit den Augen einer amerikanischen Jazzkomponistin betrachtet, die sie mittlerweile ist.
Der in Japan geborene Perkussionist Keita Ogawa – von den Fusion-Helden Snarky Puppy bekannt – erweckt diese Rhythmen auf dem gesamten Album virtuos zu neuem Leben und fügt sich dabei nahtlos in die Rhythmusgruppe des Orchesters ein. Es ist wohl Lees Verdienst diese bemerkenswerte Arrangierleistung vollbracht zu haben, die Verschmelzung zweier musikalischer Welten, die scheinbar im Widerspruch zueinander stehen: rituelle, hypnotische Repetition koreanischer Rhythmen, die in Lees unverwechselbarem Kompositionsansatz Ausdruck findet, der wiederum ihre Vorliebe für musikalische Überraschungsmomente mit einem ausgeprägten Sinn für Gesamtstrukturen verbindet, die sie als Singer-Songwriterin erwarb.

Rasch hat sie ein neues Selbstvertrauen entwickelt, das sie sich als junge Frau in Südkorea nicht hätte vorstellen können. Sie wurde in der Stadt in der alles mögliche scheint mit offenen Armen aufgenommen und ihren festen Platz in der New York Jazzszene gefunden. Hier interessiert es hoffentlich schon länger niemanden mehr, welches Geschlecht, Hautfarbe, Religion jemand hat.

„I signed her in 2020 for release of Daring Mind in March 2021.  I signed her because I was very impressed with the music on Daring Mind and I found her to be both charming and very smart and I found Daring Mind to be cinematic, imaginative, beautifully paced, and precise.“  — Jana Herzen | president Motema

Tracklist
1. Surrender (feat. Ambrose Akinmusire) (6:22)
2. We Are All From The Same Stream (6:38)
3. Born In 1935 (7:07)
4. Eight Letters (6:59)
5. Karma (7:54)
6. You Are My Universe (feat. Ambrose Akinmusire) (7:33)
7. Nowhere Home (6:59)
8. In The Darkest Night (8:32)
9. Crossing The River Of Grace (feat. David Smith) (5:11)

Webseite Jihye Lee
Labelseite Motéma

Nominee 'Band of the Year International" - Deutscher Jazz Preis 2023

Label: Jammin'colorS        

Vertrieb (D): Broken Silence       linktree Black Lives

Vinyl/ CD / digital                         file under: Jazz | World | Hip-Hop

Black Lives' love story continues: this second phase, dedicated to all the children of the world, is full of generosity, passion and promise for the future. We look forward to experiencing this live, up close and personal with the musicians and their vibes. We are also excited to see what the future holds. One love, one world, one dream, all together.'   --- Stefany Calembert (Produzentin)

Wenn man die "main message" des internationalen Musikerkollektiv Black Lives in einer einzigen Vokabel zusammenfassen wollte, lautete diese "essentiell" im Sinne von unbedingt und zwingend.

Das 26-köpfige Ensemble unter der Leitung des US-Bassisten Reggie Washington und seiner Frau Stefany Calembert aus Brüssel arbeitet unermüdlich an der Verwirklichung seines großen Traums - manche würden sagen einer naiven Utopie- die künstlerisch wie auch sozial gelebt wird.

Black Lives hat sich in den letzten Jahren bereits durch beeindruckenden Auftritte einen Namen gemacht und setzt mit seiner Botschaft der Vielfalt und Toleranz ein wichtiges Zeichen in Zeiten zunehmender rechtspopulistischer Tendenzen in Europa. Das Projekt wurde 2021 von Stefany Calembert und dem Bassisten Reggie Washington ins Leben gerufen und besteht aus einer Kernformation, die sich durch wechselnde kollaborierende Musiker:innen ergänzt. Ein ambitioniertes und komplexes Projekt, das auf der Bühne durch die große Verbundenheit und Hingabe der Musiker:innen lebt.

Unverzichtbarer denn je gerade in Zeiten, wo hierzulande immer mehr Menschen auf die Strasse gehen, um ein Zeichen zu setzen gegen die menschenverachtenden Ziele einer Partei, die in den letzten Jahren in mehr und mehr Parlamenten eingezogen ist und die Politik der sogenannten bürgerlichen Parteien schon lange mit ihren rassistischen Inhalten beeinflusst hat- aus Angst vor Stimmverlust und weiterer Radikalisierung der "schweigenden Mitte".

Musiker:innen aus den USA, Afrika, der Karibik und Europa vereinen sich auf "People of Earth" erneut in ihrem Kampf für Gleichheit und Gerechtigkeit und präsentieren fünfzehn neue Songs aus den Genres Jazz, Soul, Funk, Hip-Hop und Blues.

Es geht ihnen um nicht weniger als die Zukunft unserer Gesellschaften, die sich in den Auswüchsen eines alles verzehrenden Materialismus und des Misstrauens gegenüber "dem Fremden" mehr und mehr zu verlieren drohen. Sie machen sich stark für eine Welt der Einheit, des Friedens und der Freiheit.

Wenn man sich gemeinsam organisiert und kämpft, ist es möglich, den Wandel herbeizuführen.

Eine wesentliche Stärke von Black Lives liegt auch in ihrem uneitlen Willen die Erfahrung jedes Mitglieds zu bündeln, fast schon zu transzendieren und die jeweiligen Talente und Persönlichkeiten in den Dienst des "großen Ganzen" zu stellen. Das mutet vielleicht ein wenig esoterisch an , aber gerade bei starken Egos, die Künstler:innen ja oftmals zueigen sind, übernimmt jede und jeder die Rolle eines "speaker" und erzählt eine persönliche Geschichte, die sich auch aus gemeinsamen Auftritten mit Ikonen wie Miles Davis, Meshell Ndegéocello, Salif Keita, Roy Hargrove, Cassandra Wilson, Steve Coleman, Wayne Shorter, Esperanza Spalding speist, um nur einige zu nennen.

Wie schon beim ersten Sampler Black Lives- from Generation to Generation aus 2022- und da war die message ja gleich im Albumtitel aufgeführt und 2023 verdienterweise für den Deutschen Jazzpreis nominiert- reicht die Altersklassse bei "People of Earth" wieder zwischen 30 und 70 Jahren.

Das kann nur förderlich sein und alle haben sich erneut des gemeinsamen Ziels verschrieben, das auch in 2024 aktueller denn je ist:

"Eine Liebe, eine Welt, ein Traum, wir alle zusammen".

Der Großteil der Songs wurde während der Black Lives- Tourneen durch Europa in 2022 und 2023 eingespielt. An ihren freien Tagen haben die Musiker:innen an People of Earth  gearbeitet und später im Quai-Son Studio im Großraum Paris  aufgenommen. Kompositionen, von denen die meisten bisher unveröffentlicht sind (mit Ausnahme einer Coverversion von Jef Lee Johnsons "Move" und einer neuen Version von Adam Falcons "Better Days").
Die hervorragende Klangqualität, die erneut Russell Elevado für die Tonaufnahme und Alex DeTurk für das Mastering anvertraut wurde, ist nur eine der vielen Qualitäten eines Albums, dessen Besetzung überwiegend dieselbe ist.
Für das Artwork zeichnet wieder die bekannte Grafikerin Rebecca Meek verantwortlich (Motema Music, Bob Marley,  Gregory Porter, Meshell Ndegéocello und viele mehr)  

Kreuzung zweier Kulturen. Der portugiesische Musiker O Gajo und der brasilianische Künstler Ricardo Vignini veröffentlichen mit »Terra Livre« ein gemeinsames Album, das durch ihre vielfältigen Kulturen geprägt ist. Erscheint als LP auf Lusitanian.

João Morais, besser bekannt als O Gajo, und Ricardo Vignini trafen sich das erste Mal 2022 über Social Media. Die beiden Musiker fanden durch eine ausdrucksstarke Melodie zusammen und nach der Teilnahme von Vignini auf O Gajos Album blieben die beiden im regelmäßigen Austausch. Schnell entstand der Wunsch, ihre beiden besonderen Kulturen in einem Album zu vereinen. Die Tracks sind geprägt von den magischen Klängen der portugiesischen Viola Campaniça sowie der brasilianischen Viola Caipira, ein brasilianischer Nachfahre der portugiesischen Chordophone. Beide Musiker zeichnen sich durch ihr erkundendes, freies und offenes Territorium aus.

Mit »Terra Livre« erweitern O Gajo und Ricardo Vignini ihre kreativen Horizonte und brechen aus allen musikalischen Grenzen aus. Thematisch beschäftigt sich das Album mit der digitalen Welt und ist zugleich ein Schrei nach Freiheit in unserer Welt voller Intoleranz.

Label: Tonsee Records

Vertrieb / Bezug über Tonsee und Patrick Manzecchi

„He’s a very exciting drummer, really fantastic, a genuine jazz drummer. Few are those who have and live this intense feel. He’s great, really great! He’s stimulating and inspiring.“ (Scott Hamilton)

 Schlagzeuger Patrick Manzecchi

im Quartett mit der US-Legende Scott Hamilton

Der Patrick Manzecchi gehört seit mehr als 25 Jahren zu den erfahrensten Sidemen Deutschlands. Weltstars wie Sheila Jordan, Pee Wee Ellis und Fred Wesley, Paolo Fresu, Arthur Blythe,Harry Allen, Bobby Watson, Robin Eubanks, Richie Beirach und George Mraz, aber auch

deutsche Koryphäen wie Gregor Hübner, Steffen Schorn, Sebastian Studnitzky, Torsten Goods, Thomas Siffling, Lyambiko, Anke Helfrich und Lisa Bassenge sind da nur einige wenige Namen, die genannt werden müssen, wenn es um die musikalischen Qualitäten des Schlagzeugers geht.

Aber auch als Bandleader macht er immer wieder von sich reden.

Nach fünf Produktionen unter eigenem Namen zwischen 2000 und 2022 - darunter die beiden letzten für die Bestenliste des Preises der  Deutschen Schallplattenkritik nominierten CDs «Rectilinear» (2017) und «Talking To Myself» (2022) - bringt Manzecchi wieder einmal eine Live-Aufnahme heraus.

Getreu dem Motto, nichts ist authentischer als ein Konzertmitschnitt, erleben wir hier eine bestens eingespielte Truppe, bestehend aus Mitgliedern, die über die Jahre ein geradezu traumwandlerisches Zusammenspiel und eine erstaunliche Intimität miteinander entwickelt haben:

Scott Hamilton,den man nicht mehr vorzustellen braucht, ist ein ganz Großer, eine Legende, eine Galionsfigur des Tenorsaxophons. Der Pianist André Weiss hat trotz seiner jungen Jahre bereits mit Eric Alexander,Grant Stewart, Jim Rotondi und Don Menza gearbeitet und 2020 eine CD unter eigenem Namen mit Ralph Moore für das Label Neuklang eingespielt. Der Kontrabassist Joel Locher arbeitet(e) mit Pee Wee Ellis, Joe Magnarelli, Howart Alden, Gerd Dudek, Dusko Goykovich, Biréli Lagrène, Jim Rotondi, Harry Allen, Philip Catherine / zwei CDs unter eigenem Namen bei GLM Records. Der Überraschungsgast und Kornettist Thimo Niesterok ist sicherlich das Küken in der Runde, überzeugt aber aufgrund seiner profunden Kenntnisse und Reife spätestens 2023 mit seinem beeindruckendem Einstand unter eigenem Namen auf MONS Records / Zusammenarbeit mit Dan Barrett, Emil Mangelsdorff.

Gewidmet ist dieses Gesamtwerk dem Fotografen Christof Rostert, der tragischerweise im Mai 2023 verschieden ist. Seine Konzert-Fotos im Booklet umranden die CD in würdiger Manier.

Musicians:
Patrick Manzecchi – drums, Scott Hamilton- saxophone, André Weiss - grand piano, Joel Locher - acoustic bass,
Thimo Niesterok – cornet (surprise guest on Cherokee)

Tracklist:
1. Just In Time (J.Styne – B.Comden - A.Green)
2. I Got Rhythm (G.Gershwin - I.Gershwin)
3. Wave (A.C. Jobim)
4. Tonight I Shall Sleep With A Smile On My Face (D.Ellington – I.Gordon - M.Ellington)
5. All The Things You Are (J.Kern - O.Hammerstein)
6. Cherokee (R.Noble)
7. Tenderly (W.Gross - J.Lawrence)

Total time:
78 min 48 sec

European Phonographic  / Broken Silence

available formats:

Format: LP / Digital


Lusitanian Ghosts III (stereo) 8720923297753
Lusitanian Ghosts III (mono) 8720923297746

"Als hätten juvenile Versionen der Waterboys und von Crowded House mit Lindsey Buckingham gemeinsame Sache gemacht.“— Thüringer Allgemeine

„. . . stilistische Offenheit wird als explizites Mittel für die Entstehung der Musikstücke eingesetzt [. . . ] Starker Folk Rock, der weitab ausgetretener Pfade daherkommt.“ -

Good Times

Es heißt, Portugal ist das älteste Land im heutigen Europa: 1128 gegründet, mit weitgehend unveränderten Grenzen seit dem Ende der "Reconquista" 1249, von der Minho-Provinz bis zur Algarve. Lange zuvor nannten die Römer es Lusitanien, wie zuvor mehrere keltische Stämme, wobei in Zentralportugal einer der Hauptstämme, welcher die Römer bekämpfte, die Lusitaner, beheimatet war. Musik hat starke Wurzeln in Portugal, lange bevor der Fado erfunden wurde: Arabische Einflüsse sind bis heute spürbar. Es ist ein Land, das reich an einer großen regionalen Vielfalt an Chordophonen (Saiteninstrumenten) ist, die kurz vor dem Aussterben stehen.

Diese werden auch liebevoll die "lusitanischen Geister" (Lusitanian Ghosts) genannt: die Amarantina, Braguesa, Campaniça, Terceira, Beiroa. Saitenkombinationen und Stimmungen, die so unterschiedlich sind wie die verschiedenen Regionen Portugals. Die LUSITANIAN GHOSTS, ein experimentelles Indie-Rock-Kollektiv, das von Neil Leyton und Micke Ghost gegründet wurde und in dem mehrere "Tocadores" oder Spieler traditioneller portugiesischer (lusitanischer) Chordophongitarren vertreten sind, und diesen einzigartigen vergessenen Instrumenten im zeitgemäßen Indie-Rock-Gewand wieder zum Leben erwecken.

Das europäische Künstlerkollektiv, das diese historischen Folk-Violen in Rock'n'Roll-Songs umwandelt, schreibt aus einer gesellschaftspolitischen Perspektive über den Aufbau einer besseren Welt, kreiert Lieder für Herz und Verstand, nimmt in den renommierten Hamburger Clouds Hill Studios auf analogem Band auf und veröffentlicht bewegende Musik auf Vinyl.

Besetzung:

Neil Leyton – vocals

Mikael Lundin aka Micke Ghost – vocals and Viola Amarantina

João Sousa – drums and Adufe

Abel Beja – viola Terceira and backing vocals

António “ToZé” Bexiga – Viola Campaniça

Janne Olsson – bass and Viola Beirão

Produced by Neil Leyton and Mikael Lundin

Recorded at Clouds Hill Studios, Hamburg

„Entspannung pur!“ – Der Spiegel
„Neo-Cool“ – Audio
„Mit coolem Jazz zum Erfolg“ – Hamburger Abendblatt

VÖ: 17.November  |   Bay Street Records   - digital only- Vertrieb: The Orchard.

pre-save her: https://linktr.ee/vanessaamorosi

Track listing for Memphis Love:
“Wolf”
“How Long”
“Lift Us Up”
“Don’t Judge Me”
“Only So Much”
“Memphis Love”
“Shake”
“Too Much of a Heartache”
“Serious”
“What Do I Get”

RUFUS WAINWRIGHT "FOLKOCRACY"  VÖ: 02.06.23  BMG

„Folkocracy“ – Rufus Wainwright meldet sich zurück

Folkocracy ist das Ergebnis einer Rückbesinnung: Rufus Wainwright kehrt damit zu seinen Wurzeln zurück – und knüpft an jene endlos langen Sommermonate seiner Kindheit an, in denen er viel Zeit auf Folk-Festivals verbrachte und sich anschaute, was seine berühmte Familie auf der Bühne zum Besten gab. Zugleich ist es der Sound eines Künstlers, der ganz im Hier und Jetzt ist, der mit Unterstützung von unfassbaren Albumgästen all das nutzt, was er während seines Triumphzugs in der Welt des Pop gelernt hat, um Songs aufzunehmen, die jeden Preis der Welt verdient haben.
Apropos Preise: Tatsächlich kam Rufus die Idee für ein derartiges Album mit Folk-Neuinterpretationen in der Nacht der GRAMMY-Verleihung des Jahres 2021. Er selbst war an jenem Abend für sein Zurück-zum-Pop-Statement Unfollow The Rules nominiert – und lauschte nun der Preisverleihung in unzähligen Country- und Americana-Kategorien. Plötzlich erwachte in ihm so eine seltsame Sehnsucht – nach der Vergangenheit.
„Ich hatte so oder so schon über ein Coveralbum nachgedacht“, erzählt Rufus über jenen Abend. „Ursprünglich hatte ich vor, nur so riesengroße Popsongs auszuwählen, sie in meine Klangwelt zu überführen – und damit dann einen Megahit zu landen! Haha!“, lacht er. „Doch je älter ich werde, desto mehr weiß ich zu schätzen, wie wertvoll doch mein Wissen in Sachen Folkmusik ist – und die Tatsache, dass es mir wirklich schon als Kind in die Wiege gelegt wurde. Bei mir steht demnächst ein runder Geburtstag an, und wie könnte ich das besser zelebrieren, als ein paar jener Lieder, die prägend für mich waren, mit einigen Musikerinnen und Musikern neu einzusingen, die ich persönlich am meisten bewundere?“

"This album is almost like a recorded birthday party and birthday present to myself. I just invited all the singers that I greatly admire and always wanted to sing with." - Rufus Wainwright

Tracklist:

1. Alone (Feat. Madison Cunningham)
2. Heading for Home (Feat. John Legend)
3. Twelve-Thirty (Young Girls Are Coming To The Canyon) (Feat. Susanna Hoffs, Chris Stills & Sheryl Crow)
4. Down in the Willow Garden (Feat. Brandi Carlile)
5. Shenandoah
6. Nacht und Träume
7. Harvest (Feat. Andrew Bird & Chris Stills)
8. Going to a Town (Feat. ANOHNI)
9. High on a Rocky Ledge (Feat. David Byrne)
10. Kaulana Na Pua (Feat. Nicole Scherzinger)
11. Hush Little Baby (Feat. Martha Wainwright & Lucy Wainwright Roche)
12. Black Gold (Feat. Van Dyke Parks)
13. Cotton Eyed Joe (Feat. Chaka Khan)
14. Arthur McBridge
    Wild Mountain Thyme (Feat. Anna McGarrigle, Chaim Tannenbaum, Lily Lanken, Lucy Wainwright Roche, & Martha Wainwright)

VÖ: 1.September 2023 CD/Vinyl/ Digital

Label: Butter & Fly Records Vertrieb: Indigo

Da ist dieses tiefe Gefühl von Vertrauen. In die Freundschaft. In die Intuition. In die Musik. Mit „Walden"  veröffentlicht das Hamburger Duo Fjarill sein nun mehr zehntes Album. Und auf dieser Jubiläumsplatte ist überdeutlich zu hören: Hanmari Spiegel und Aino Löwenmark sind in ihren Kompositionen im allerbesten Sinne kompromissloser geworden. Ihre Verbindung ist so innig, dass sie auf dieser Basis ganz befreit aufspielen können. Experimentell und eingängig. Gewitzt und aufreibend. Fordernd und zart empfunden. Zwei charakterstarke Frauen. Und zwei faszinierende Lebensgeschichten. Hanmari aus Südafrika, Aino aus Schweden, gefunden und geblieben in Hamburg. Ihre Familien längst miteinander verwoben. Gemeinsam haben sie gelitten und geliebt, sich ausprobiert und beflügelt. All diese Erfahrungen schwingen mit und machen Fjarill zu einem ganz eigenen musikalischen Ereignis, das die Welt in ihrer Vielfalt umarmt und ihre feinen Zwischentöne funkeln lässt. Wenn Hanmari luftig und intensiv ihre Geige spielt, wenn Aino akzentuiert und einfühlsam ihr Piano erklingen lässt, wenn sie einzeln oder zusammen singen auf Schwedisch, Afrikaans, Zulu und Deutsch, dann entfesselt das eine mit- und hinreißende Dynamik, die sich wie der namensgebende Schmetterling spielerisch zwischen Folk, Pop, Klassik und Jazz bewegt.

Der Titel des Jubiläumsalbum – „Walden – steht zunächst ganz konkret für das gemeinsame Studio im Hamburger Norden. Ein Ort, wo sich Aino und Hanmari stets aufs Neue künstlerisch begegnen. Und wo sie regelmäßig ihre musikalische Familie versammeln. Bei den aktuellen Aufnahmen erweitern Ainos Mann Jürgen Spiegel am Schlagzeug und Omar Rodriguez Calvo am Kontrabass den kreativen Kreis. Die beiden Musiker, die sonst beim renommierten Tingvall Trio agieren, reichern den Sound von Fjarill mit spannungsgeladenen Details an. Jürgens Bruder Hans-Georg Spiegel, zugleich Ehemann von Hanmari, ist am Akkordeon zu hören. Und improvisatorische Elemente fügt der Jazzpianist und Komponist Jens Thomas hinzu. An drei Tagen wurde das Album live eingespielt – im Walden-Studio sowie im Studio Fattoria Musica in Osnabrück. „Alles auf dem Album ist sehr durchlässig, impulsiv und ungezwungen, erzählt Aino. „Wir haben weniger strikt nach Noten gespielt, sondern vielmehr nach Emotionen".

„In unseren Lieder kommt immer zum Ausdruck, wo wir gerade stehen im Leben", erzählt Hanmari. Insofern sind die zehn Alben, die Fjarill innerhalb von fast 20 Jahren veröffentlicht haben, auch so etwas wie vertonte Tagebücher. Zustandsbarometer für zwei künstlerische Existenzen. Und auf „Walden" sind zwei gestandene, eigensinnige wie lebensfrohe Frauen zu erleben, die sich davon verabschiedet haben, unbedingt gefallen zu wollen. Die sich noch eindeutiger auf ihre Kunst fokussieren. Mal konturierter und kantiger, mal freudvoller und fließender. Sinnbildlich für diese Transformation steht „Katharsis", ein furioser Ritt von einem Song. Und eine ultimative Aufforderung, sich zu zeigen und sich nicht in sein graues Haus zurückzuziehen. Wie ein rhythmischer Rausch, aus dem sich Aino mit ihrem Gesang erhebt.

Den vollständigen Pressetext können Sie downloaden, ebenso das Albumcover (siehe unten)

FJARILL:

Aino Löwenmark – Gesang & Piano

Hanmari Spiegel – Violine & Gesang

Jürgen Spiegel – Schlagzeug & Percussion

Omar Rodriguez Calvo – Kontrabass

Gastmusiker:

Jens Thomas – Piano

Hans-Georg Spiegel – Akkordeon

Rickie Lee Jones- "Pieces of Treasure"  VÖ:28.04.23

BMG / Modern Recordings    Webseite

Classics from the Great American Songbook

Die Stimmung ist Jazz. Die Ikone ist Rickie Lee Jones. Die Stimme wird einfach immer besser. Rickie Lee Jones' neuestes Album Pieces of Treasure (BMG Modern) ist ein Wiedersehen mit ihrem lebenslangen Freund, dem legendären Produzenten Russ Titelman, der Jones' Star-Alben mitproduziert hat, ihr Debüt Rickie Lee Jones von 1980 und das bahnbrechende Pirates.
Großartiger Jazz imitiert nie das, was bereits gemacht wurde. Im Laufe ihrer Karriere hat die mit einem Grammy ausgezeichnete Singer-Songwriterin eine außerordentlich breite Palette von Songs interpretiert, oft auf ein und demselben Album (David Bowie lobte öffentlich ihre Interpretation von »Rebel Rebel«). Sie hat gefeierte Alben mit Jazz-Bezug aufgenommen, darunter »Girl at Her Volcano« und »Pop Pop«, aber bis jetzt hatte sie dem American Songbook noch nie ein ganzes Album gewidmet.

»Pieces of Treasure« - der Titel ist eine Anspielung auf Pirates - wurde fünf Tage lang im Sear Sound in New York City aufgenommen und von einem Quartett bestehend aus Rob Mounsey am Klavier, dem Gitarristen Russell Malone, dem Bassisten David Wong und dem Schlagzeuger Mark McLean begleitet. Es ist ein elegantes, einfaches und gefühlsbetontes Werk, das aus Jones' eigenem Leben und ihren Erfahrungen stammt.

„Damals war das echt schwierig, die Arbeit mit mir an Pirates“, gesteht Jones und berichtet von den Anfängen dieser Kreativpartnerschaft. Das Album erschien 1981 und Rickie Lee Jones befand sich noch in Trennungsturbulenzen von ihrer Beziehung zu Tom Waits, die von den Medien immer wieder durchgekaut wurde.

„Aber bei Pieces geht’s nur um zwei gute Freunde – einfach um zwei Freunde. Ich glaube, wir haben es wirklich geschafft, eine intensive und respektvolle Freundschaft wiederzubeleben.“

Pieces of Treasure- Tracklisting

1. Just in Time (Jule Styne, Betty Comden, Adolph Green)

2. There Will Never Be Another You (Harry Warren, Mack Gordon)

3. Nature Boy (Eden Ahbez)

4. One for My Baby (Harold Arlen, Johnny Mercer)

5. They Can’t Take That Away from Me (George Gershwin, Ira Gershwin)

6. All the Way (Jimmy Van Heusen, Sammy Cahn)

7. Here’s That Rainy Day (Jimmy Van Heusen, Johnny Burke)

8. September Song (Kurt Weill, Maxwell Anderson)

9. On the Sunny Side of the Street (Jimmy McHugh, Dorothy Fields)

10. It’s All in the Game (Charles G. Dawes, Carl Sigman)

Kaja Records | The Orchard/ Membran

only Vinyl & digital

Webseite:   www.girlsinairports.com

Die dänische, preisgekrönte Indie-Jazz-Band Girls in Airports wird am 24. März 2023 ihr achtes Album "How It Is Now" veröffentlichen.

Das neue Album feiert den Wert des Kollektivs, der Gemeinschaft - in und außerhalb der Musik.

How It Is Now ist eine Momentaufnahme einer Band, die einen tiefen Glauben an die Gemeinschaft und die Stärke des Kollektivs hat. Auf dem neuen Album verschmelzen Instrumente, Stimmungen und Ausdrucksformen und schaffen ein Ganzes, das stärker ist als der oder die Einzelne. Es ist der Sound einer freien Gruppe, die sich in jede Richtung bewegen kann.

Girls in Airports sind bekannt für einen besonders atmosphärischen Sound, der die starken Melodien und einfachen Rhythmen hervorhebt. Instrumentalmusik, die eine breite Wirkung hat und in der das Wesen des Jazz, die Improvisation, auf neue Weise zum Ausdruck kommt. Wie immer hat Girls in Airports eine große Offenheit gegenüber der Musik - auch in Bezug auf Genres und Formate, wo der Sound Inspiration aus fernen Hemisphären, Blue Note Jazz und psychedelischen elektronischen Landschaften zieht.

In den letzten Jahren haben die Girls in Airports einen stetigen Wandel vollzogen - sie schufen ein Big-Band-Werk in Zusammenarbeit mit dem Aarhus Jazz Orchestra und luden drei Sängerinnen zu neuen musikalischen Begegnungen in das Kopenhagener Vega ein - und sind gleichzeitig als Quartett gewachsen. How It Is Now ist eine Kristallisation davon - ein erstaunlich offenes Album, das sich um Werte wie Offenheit, Gemeinschaft und Wohltätigkeit dreht. "Wir wollen unsere Zuhörer*innen mit unserer Musik positiv beeinflussen, indem wir die galoppierenden Gedankenströme dämpfen und stattdessen zu einem Ort sprechen, der neugieriger und ehrlicher ist", sagt Saxophonist Martin Stender.

JOSÉ AFONSO:" Com As Minhas Tamanquinhas" 

Mais5 | Broken Silence       CD | Vinyl | digital

 Titel:

1.Os Fantoches de Kissinger

2.Teresa Torga

3. Os Índios da Meia-Praia

4. O Homem da Gaita

5. O Dia da Unidade

6. Com as Minhas Tamanquinhas

7. Chula da Póvoa

8. Como se Faz Um Canalha

9. Em Terras de Trás-os-Montes

10. Alípio de Freitas

JOSÉ AFONSO: "Coro Dos Tribunais"  VÖ:24.02.23

Mais5 | Broken Silence   CD | Vinyl | digital

"Coro Dos Tribunais" ist das erste Album von José Afonso, das nach der portugiesischen Nelkenrevolution (25. April 1974) aufgenommen und veröffentlicht wurde. Es ist ein wahrhaft zeitloses Album und weiteres Meisterwerk, das die musikalische Experimentierfreudigkeit, den Crossover-Ansatz zwischen Portugal und Afrika ,sowie die lyrischen Themen der Intervention und des Humanismus, an die uns José Afonso bereits gewöhnt hatte, deutlich unter Beweis stellt.

Aufgenommen 1974 in London mit Fausto Bordalo Dias, Vitorino, Carlos Alberto Moniz, Adriano Correia de
Oliveira, José Niza, Yório Gonçalves und Michel Delaporte aufgenommen, hören wir ausschließlich Songs, die vor der Revolution geschrieben wurden, so als ob José Afonso nicht das Bedürfnis gehabt hätte, die aktuellen Ereignisse zu kommentieren, sondern immer auf zeitlose Weise, in eine bessere Zukunft zu blicken. Fast 50 Jahre später ist die Platte aktueller denn je und beweist weiterhin genau diese geniale Zeitlosigkeit, die sie zwingender denn je macht.   

All words and music by José Afonso except the lyrics of “Coro dos Tribunais” and “Eu Marchava de Dia e De Noite”, originally by Berthold Brecht adapted by L.F. Rebelo.


Recorded 1974 at Pye Studios, London.

Neue Meister | Edel Kultur

CD- Vinyl - Digital

Webseite

recorded in Oslo, Trondheim and Freiburg

feat. Hakon Stene, Morten Qvenild, Trondheim Voices, Joo Kraus, Etienne Abelin, Johannes Jäck, Mathis Schwörer-Boehning

Die Mischung analoger und digitaler Klänge ist in modernen Kompositionen längst kein Novum mehr, doch nur wenige Künstler*innen haben diese musikalische Symbiose so breit und tief in ihrem Schaffen verankert wie der Pianist Ralf Schmid mit seinem1 Projekt PYANOOK. Während in akustischen Stücken oft auf Postproduktionsebene Technologie eingesetzt wird, um bestehende Klänge zu modifizieren oder zu erweitern, setzt Schmid diese von Anfang an schon bei der Komposition und Aufführung seiner Stücke ein. Dazu nutzt er eine besonders bahnbrechende Innovation der modernen Musiktechnologie: mi.mu-Gloves. Mit ihnen kann er den Klang dessen, was er auf dem Klavier spielt, sofort digital verfremden - allein durch Handgesten. Diese Interaktion von instrumentaler Virtuosität und sensibel eingesetzter Technologie führte Schmid nicht nur zu einem Album, vielmehr war sie die Grundlage seines Alter-Ego.

" Mein neues Album ZAS erfüllt mir den Traum, mein PYANOOK Solo-Set und die darin entwickelten Tools in Kollaborationen auszuloten. Meine zwei Flügel und Datenhandschuhe treffen auf nordische Stimmen, Analog-Synths, Violine, Beatbox, Percussion.. grenzenlos und gegenwärtig. Dafür habe ich komponiert, Lieblingsmusiker:innen und -orte ausgesucht, Finger trainiert und Beats programmiert… und dann einfach losgelassen und im Flow in jeden Track die maximale Liebe gepackt. ZAS ist Musik aus meinem Innersten, kompromisslos, persönlich, detailverliebt und in der Interaktion mit meinen Mitmusiker:innen zum Leben erweckt. Enjoy. "   Ralf Schmid

Kurzbio:
Ralf Schmids Portfolio ist unbegrenzt und geht über das reine Erzeugen von Klang weit hinaus. In seinem Bedürfnis, Neues aufzudecken und zu vermitteln, bleibt er konsequent seiner eigenen Sprache treu, erweitert sie aber stetig um neue Idiome, hat sich vom Dogma der Sparte längst verabschiedet. Egal, ob er mit den Rundfunk-Big Bands von Berlin, Kopenhagen oder Hamburg arbeitet, sein Musiktheater „A Distant Drum“ in der New Yorker Carnegie Hall aufführt oder sich mit Ivan Lins und Paula Morelenbaum mit brasilianischer Musik beschäftigt – es geht ihm immer um künstlerische Ganzheitlichkeit. Die Mischung analoger und digitaler Klänge ist in modernen Kompositionen längst kein Novum mehr, doch nur wenige Künstler haben diese musikalische Symbiose so breit und tief in ihrem Schaffen verankert wie der Pianist Ralf Schmid aka PYANOOK. Während in akustischen Stücken oft auf Postproduktionsebene Technologie eingesetzt wird, um bestehende Klänge zu modifizieren oder zu erweitern, setzt Schmid diese von Anfang an schon bei der Komposition und Aufführung seiner Stücke ein. Dazu nutzt er eine besonders bahnbrechende Innovation der modernen Musiktechnologie: mi.mu-Gloves. Mit ihnen kann er den Klang dessen, was er auf dem Klavier spielt, sofort digital manipulieren - allein durch Handgesten. Diese Interaktion von instrumentaler Virtuosität und sensibel eingesetzter Technologie führte Schmid nicht nur zu einem Album, vielmehr war sie die Grundlage seines Alter-Ego. Die Suche nach der Essenz des Klangs und die Erforschung seiner grenzenlosen Möglichkeiten hat einen Großteil von Ralf Schmids früheren Arbeiten geprägt. Mit sehr unterschiedlichen Künstler*innen wie Herbie Hancock, Whitney Houston, Daniel Hope oder dem Trompeter Joo Kraus hat Schmid dabei bereits zusammengearbeitet und große Ensembles und Chöre geleitet. Innerhalb dieser Kooperationen produzierte er Alben, die ein starkes Statement für seine Offenheit gegenüber jeglicher Musik ablegen.

Lusitanian Ghosts- "Exotic Quixotic"- VÖ: 04.11.22   Mais 5 | Broken Silence

Vinyl only & digital

Chordophone Rock n Roll

Gegründet von Neil Leyton und Micke Ghost, präsentieren Lusitanian Ghosts ein Sound, der an Folk-Indie-Rock der letzten Jahre und gleichzeitig an alte europäische Klänge erinnert. Thematisch bewegt sich das neue Album zwischen Botschaften von Antifaschismus, Freiheit und Hoffnung, Liebe und Lust. Bass- und Perkussionssounds sowie die fast ausgestorbenen Klänge von Chordophonen und regionale Saiteninstrumente sorgen für ein mitreißendes und nachdenkliches Album. Experimenteller Indie-Rock mit einzigartigen vergessenen Instrumenten werden in insgesamt zehn Tracks gespielt. Die Neuveröffentlichung wurde in nur einer Woche im Clouds Hill Studio in Hamburg aufgenommen und von Sebastian Muxfeldt (1000 Robota) gemischt und produziert.

Tracklisting:

1 Soul Deranium (A-Seite)

2 Never Less Than Lonely

3 All the Sounds

4 Exotic Quixotic

5 Older and Colder / Hometown

6 Living One Life (Just Ain't Enough These Days) (B-Seite)

7 For the Wicked

8 Lisbon Calling

9 She Couldn't Jump

10 Live the Flea / Levalopan

LADY BLACKBIRD- "Black Acid Soul-Deluxe"- VÖ:28.10.22 Foundation Music BMG

This is heady, haunting, sexy, soulful, heartbreaking stuff. With a voice that suggests a cross between Mahalia Jackson and Nina Simone, Lady Blackbird tears your heart apart and puts it back together again... We'll be talking about this debut for many years to come.   -Frank Alkyer, Downbeat

Eine Göttin. Eine Königin. Eine Diva. Das sind nur drei von zahlreichen Etiketten, die man Lady Blackbird in der jüngsten Vergangenheit spendiert hat. Ob diese Kategorien komplett zutreffen, halbwahr oder doch nur klischeehaft sind, ist vollkommen schnurz. Weil Lady Blackbird, bürgerlich Marley Munroe, schlichtweg durch ihre Kunst und ihr Auftreten besticht. Weil sie sich für ihren Künstlernamen von einem der Signature-Songs von Nina Simone hat inspirieren lassen; in „Blackbird“ aus den 1960er-Jahren setzt sich Nina Simone so karg wie eindringlich mit Rassismus auseinander. Und natürlich, weil Lady Blackbird das Schaffen und die Wirkung großer Schwarzer Künstlerinnen – eben zum Beispiel Nina Simone, Billie Holiday, Ella Fitzgerald und Gladys Knight – nicht nur inhaliert, sondern auch verstanden hat. Und ganz behutsam in ihren Sound einfließen und wirken lässt. „Black Acid Soul“, das 2021 erschienene Debütalbum von Lady Blackbird, ist mit einer Melange aus Coverversionen und Eigenkompositionen eine sanfte Wucht. Und hat, etwa bei dem Nina-Simone-Cover „Blackbird“ und dem von Lady Blackbird selbst geschriebenen „Five Feet Tall“, all das, was gute Musik ausmacht. Melancholie und Hoffnung. Schmerz und Abgründe. Sexyness und Dringlichkeit. Sehnsucht, Rebellion und Aufruhr. Lady Blackbirds kehlige, hochresonante, berührende und warme Stimme fährt einem in Herz und Seele. Möglicherweise ist Lady Blackbird doch eine Göttin. Eine Königin. Eine Diva. Aber jeden Fall aber ist sie eine Erscheinung, die leuchtet. Und eine, die die Diskokugel mit Songs wie „Did Somebody Make A Fool Out Of You“ auch in Slow Motion zum Glitzern bringt.

earMusic veröffentlicht das Instrumental-Album des Jahres:

"SATURDAY NIGHT IN SAN FRANCISCO" von Al Di Meola – John McLaughlin – Paco De Lucia erscheint am 1.Juli 2022 auf CD & Vinyl via earMUSIC

Am 1.Juli veröffentlicht das Hamburger Label earMUSIC die lange verschollen geglaubte Aufnahme des zweiten Konzerts aus dem Warfield Theatre in San Francisco von 1980.

»Friday Night In San Francisco« (1981 erschienen) gilt als das erfolgreichste Akustikgitarrenalbum aller Zeiten. Ein meisterhaftes, schon längst ikonisches Album, das mit seiner einzigartigen Mischung aus Jazz, Fusion, Flamenco und mediterraner Musik weit über ein Nischenpublikum hinausging, dargeboten von drei der angesehensten und brillantesten Musiker unserer Zeit: Al Di Meola, John McLaughlin und Paco De Lucia (1947-2014).

 Mehr als 40 Jahre lang konnte sich niemand vorstellen, dass die Aufnahmen des zweiten Konzert vom 6.Dezember 1980 existieren... bis jetzt!

Al Di Meola und sein Team haben die Original-16-Spur-Bänder im ersten Pandemiejahr 2020 akribisch gesichtet und eine atemberaubende Fortsetzung kuratiert:

Produzent Al Di Meola sagt über die "Samstagshow": „Es ist so beglückend und aufregend, denn das Publikum war voll bei uns und genoss jede einzelne Note der Musik. Und wir haben es wirklich krachen lassen. Es war unvergesslich gut!"

Am 1. Juli 2022 erscheint „Saturday Night In San Francisco" in diversen Formaten bei earMusic: als CD Deluxe Digipak, auf 180g Vinyl im hochwertigen Gatefold, sowie als streng limitierte Collector's LP Edition auf kristallklarem Vinyl und natürlich digital.

Tracklist

1. Bill Graham Introduction

2. Splendido Sundance (Trio)

3. One Word (Jon McLaughlin)

4. Trilogy Suite (Al Di Meola)

5. Monasterio de Sal (Paco De Lucia)

6. El Pañuelo (Trio)

7. Meeting of the Spirits (Trio)

8. Orpheo Negro (Trio)

Lorenz Hargassner: "Golden Standards" VÖ:10.06.22   Major Music | Edel

Lorenz Hargassner - alto saxophone

Josef Reßle - grand piano

Hervé Jeanne - double bass

Bastian Jütte - drum set

Webseite

Der Saxophonist von "pure desmond" hat sich mit musikalischen Wegbegleitern aus den

vergangenen Jahren zusammen getan, um wie bei einer Jam Session zu einer goldenen Auswahl von

Jazz Standards neue Head Arrangements zu improvisieren und spontan kreativ zu sein. Die vier

Musiker haben sich in dieser Besetzung zum ersten Mal im Studio getroffen und gleich losgelegt.

Das Ergebnis erscheint am 11. Juni 2022 bei "Major Music" auf CD sowie digital und wird im Konzert genauso frisch und lebendig vorgestellt. Ihre Spontaneität wird die Band auch live unter Beweis stellen. Das Programm enthält viele gefühlvolle Balladen, Klassiker und Kleinode des Jazz.

Ein Fest für alle Freund*innen  Interpretationen des Repertoires aus dem "Great American Songbook".

"Ein Meister der Dramaturgie, der nuanciert und spannend zu gestalten versteht."    Süddeutsche Zeitung

"Spröde und weich, ungezähmt und lyrisch."   Jazz thing

"Beeindruckende künstlerische Reife."   Neue Musik Zeitung

DAVE STEWART: "EBONY MCQUEEN"  

VÖ:20.05.22  BAY STREET RECODS / MEMBRAN

Sprechen wir hierzulande über portugiesische Musik der 1960er und 1970er, fällt zwar oft der Name der großen Fadosängerin Amália Rodrigues, fast nie aber ist von José Afonso die Rede. Dabei hatte der wichtigste Liedermacher der Musikgeschichte Portugals eine mindestens ebenso große Bedeutung. Auf seinen ab 1968 erscheinenden 15 Alben gelang ihm eine pionierhafte Verschmelzung von Traditionen aller Landesteile mit der Musik der afrikanischen (Ex-)Kolonien. Und seine Texte, mit kunstvollen Metaphern und Wortspielen sowie beißender Kritik gespickt, waren der Diktatur ein Dorn im Ohr. Mehrfach kam der Kämpfer für Menschenrechte und Demokratie in Haft, seine Werke litten unter der Zensur. 1974 schließlich lieferte er mit „Grandola Vila Morena“ der Nelkenrevolution ihre Erkennungsmelodie, das Lied lief nachts im Radio, um das Signal zum friedlichen Marsch auf Lissabon zu geben.

Seit Sommer letzten Jahres veröffentlicht das portugiesische Label Mais 5 den Katalog Afonsos nun im CD- und LP-Format neu in Portugal, ab Mai sollen die Werke nun auch in Deutschland in den Vertrieb bei Broken Silence kommen. Garant für eine werkgetreuen Re-Release ist die Zusammenarbeit des Labelmanagers Nuno Saraiva mit Alain Vachier, der der Agent des 1987 verstorbenen Afonso war, sowie mit dem damaligen Coverkünstler José Santa-Barbara. Elf Alben soll die Serie umfassen.

Kurzbio:

 José Afonso wurde im August 1929 im portugiesischen Aveiro geboren und verbrachte einen Teil seiner Jugend in den damaligen portugiesischen Kolonien Angola und Mosambik. Ab 1940 lebte er in der Universitätsstadt Coimbra und begann bereits früh den traditionsreichen Fado de Coimbra zu singen. Seit seinem 17. Lebensjahr trat er als Fadosänger auf und studierte Geschichte und Philosophie. Nach dem Studium arbeitete er als Lehrer, u.a. auch einige Jahre in Mosambik. 1956 erschien seine erste Schallplatte und in den 60er Jahren wurden seine Lieder zunehmend politischer. Er hatte das Grauen des Kolonialkrieges gesehen, seine Liedern sollten auf die aktuelle Situation der Menschen hinweisen und zum Nachdenken anregen.Nach seiner Rückkehr nach Portugal 1967 wurde er der bedeutendste Sänger der Opposition. Während seines Wirkens wurde er von der Geheimpolizei PIDE überwacht und musste seine Schallplatten im Ausland aufnehmen.

In den folgenden Jahren wurden über 15 Alben veröffentlicht, AFONSO spielte überall auf der Welt und gilt bis heute als wegweisender Aktivist für Menschenrechte und gegen politische Unterdrückung. Sein zweites Studioalbum »Cantares Do Andarilho« wurde 1968 innerhalb eines einzigen Tages live im Studio aufgenommen und kreuzt bekannte Folk-Songs aus der Region Beira mit afrikanischen Elementen.

“Black Lives - from Generation to Generation”

VÖ: 25. März 2022 Jammin’colorS | l’Autre Distribution

Doppel-CD | Vinyl | digital
25 Musiker*innen aus diversen Ländern und Generationen steuern exklusive Titel für das Doppelalbum „Black Lives - From Generation To Generation“ im Kampf gegen Rassismus und Unterdrückung bei. Sämtliche Einnahmen aus diesem Album gehen zu 100 Prozent an die beteiligten Musiker*innen, die ihre Songs im geeinten Kampf gegen Rassismus geschrieben haben.

Music is a solid freedom.
It is vital. It unites us.
It helps us handle fear and anger and brings us joy.
Music was an essential part of the civil rights movement.

Pressetext:
Was heute eine Selbstverständlichkeit ist, war 1968 ein mutiges Statement: „Say it loud, I’m Black and I’m Proud“ ! James Browns Funk-Hymne gegen Rassismus war wenige Monate nach dem Mord an Martin Luther King für viele eine Provokation. Musik wurde ein essentieller Bestandteil der US-Bürgerrechtsbewegung. Ein halbes Jahrhundert später entstand mit „Black Lives Matter“ eine neue globale Bewegung.
Nach dem Mord an George Floyd im Jahr 2020 bekamen die Proteste gegen Gewalt an People of Colour neuen Auftrieb. Nahezu täglich hören wir von neuenStraftaten und Diskriminierungen: ob auf staatlich-juristischer Ebene, gesellschaftlich-strukturell, im Sport, beruflich - oder eben auch in Kunst und Kultur.
Und immer wieder war und ist Musik der unterschiedlichsten Genres ein wesentlicher Bestandteil des Protests und eint seine Kämpfer*innen, verschafft ihnen oft auch eine musikalische Hymne und stärkt den Zusammenhalt, gab und gibt  Kraft.
Schwarze Künstler*innen spielen ( notgedrungen ) seit hunderten Jahren eine tragende Rolle im Kampf gegen Rassismus- und dies nicht nur in den USA.

Stefany Calembert,  die umtriebige in Brüssel lebende Produzentin und mit einem der beteiligten Künstler ( Reggie Washington ) verheiratet, erklärt:
„Natürlich kenne ich als weiße Frau, die mit einem Schwarzen verheiratet ist und drei Kinder mit ihm hat, Rassismus und seine vielfältigen Ausprägungen. Aber nicht erst seitdem. Das geht eigentlich schon seit 35 Jahren so. Zuerst während meiner Schulzeit in Belgien, später dann als Teenager, als wir unterwegs waren und dann natürlich während meiner Reisen in Guadeloupe und dem Senegal. Ich hatte eine Menger schwarzer Freund*innen und merkte bald, daß es wahr ist, wie tief verankert der Alltagsrassismus in der Gesellschaft ist-  überall auf der Welt.“ Ich fühle mich oft beklommen, wenn ich auf gewisse ‚Überlegenheits-Gebahren‘ meiner weißen Mitbürger*innen und ihre gelegentliche Scheinheiligkeiten stoße. Und es betrübt mich, daß sich oft auch jene, die jegliche Ressentiments weit von sich weisen, mit einer offenen Diskussion schwer tun. “
Der Impuls für Calembert „Black Lives - from Generation to Generation“ ins Leben zu rufen war für sie klar:
„Ich wollte den vielen schwarzen Musiker*innen, die ich teilweise seit vielen Jahren kenne, die Gelegenheit geben, auf einem Album zusammenzukommen, das nun am 25.März 2022 weltweit veröffentlicht wird.  Wir möchten als Kollektiv mit einer starken Stimme sprechen :Laßt uns den Kampf gegen Rassismus nie aufgeben- laßt uns zusammkommen und durch unsere Musik und Stimmen kämpfen und all jenen Kraft und Mut geben, die unter den ungleichen Strukturen leiden und ihr Leben leben müssen. Wir möchten uns zusammenschließen in Organisationen, auf Festivals, bei Kongressen und zusammenstehen. Je mehr wir sind, umso lauter sind wir und der Wandel wird nicht aufzuhalten sein.“

teilnehmende Künstler*innen:
Cheick Tidiane Seck - Immanuel Wilkins - David Gilmore - Marque Gilmore - Sharrif Simmons - Stephanie McKay - Andy Milne - Kokayi - Sonny Troupé - Reggie Washington - Alicia Hall Moran - DJ Grazzhoppa - Adam Falcon - Jeremy Pelt - Grégory Privat - Marcus Strickland - Christie Dashiell - E.J. Strickland - Oliver Lake - Jacques Schwarz-Bart - Gene Lake - Federico Gonzalez Peña - Tutu Puoane - Yul - Marvin Sewell - Jean-Paul Bourelly - Terence "Sub Z" Nicholson

Die 25 Künstler*innen sind zwischen 20 und 80 Jahre alt und stammen aus den USA, diversen afrikanischen Ländern ( Südafrika, Mali, Togo, Benin ), sowie der Karibik, so z.b. Haiti, Guadeloupe, Martinique.
Toningenieur des Doppelalbums ist der dreifache Grammy-Gewinner Russell Elevado, der durch die Produktion von D’Angelo’s „Voodoo“ bekannt wurde und seitdem Stars wie Angélique Kidjo, Jon Batiste  und Alicia Keys betreute.  

„We turn anger into action”, rappt Sharrif Simmons auf „We Are Here“. Doch das Album „Black Lives- from Generation to Generation“ begeistert auch auf musikalischer Ebene:
Vom polyrhythmischen Feuerwerk eines Cheick Tidiane Seck (Mali) „Sanga Bô“ über das  bluesige Gitarren-Saxophon-Duo „Praying” von Immanuel Wilkins (USA) , dem sensiblen Guitar-Jazz des Guadeloupianers Sonny Troupé bis zum Gospel-Jazz von Marcus Strickland… über die bewegende Ballade der südafrikanischen Sängerin Tutu Puoane bis zum Fusion-Jazz der Brüder David  und Marque Gilmore erleben wir eine beeindruckende musikalische Vielfalt, die überwiegend im Jazz wurzelt, aber auch von Funk, Soul, Rock und Blues beeinflusst ist.
An insgesamt drei Titeln ist die Amerikanerin Stephanie McKay beteiligt, die bereits mit Roy Hargrove, Mos Def und vielen anderen gearbeitet hat.

JOSS STONE- "Never Forget My Love"- VÖ: 11.02.22

Bay Street Records| Membran

Es tut sich was bei der Soul-Ikone Joss Stone.  Die GRAMMY®-Gewinnerin ist seit 2021  nicht nur zum ersten Mal Mutter, sondern auch Siegerin des „Masked Singer“-Finales in Großbritannien.
Produziert wurde „Never Forget My Love, das auch Titelstück des gleichnamigen  Albums sein wird, von einem der populärsten Hitmacher unserer Zeit: dem Bay Street Records-Gründer und Musiker, Songwriter, Produzenten, Innovator und Eurythmics-Mitbegründer Dave Stewart.

Geschrieben wurde der Herzschmerz-Song gemeinsam von Stewart und Stone,  wie auch alle anderen Songs  für Never Forget My Love:

auf Akustikgitarre in den Dave Stewarts Studio Bay Street Studios auf den Bahamas. Anschließend nahmen sie alle Tracks im berühmten Blackbird Studio in Nashville auf, wo Joss Stone mittlrweile mit ihrer Familie lebt.

Das Album ist ihre erster Longplayer seit mehr als als fünf Jahren ("Water for Your Soul", 2015 )  sowie ihre erste erneute Zusammenarbeit mit Dave Stewart nach über einem Jahrzehnt, der gleichermaßen von ihren Fans wie der Presse gefeierten LP1 aus dem Jahr 2011.

Die Musik stammt von einer hochkarätigen Band von Session-Allstars, darunter Schlagzeuger Chad Cromwell (Neil Young, Joe Bonamassa), Bassist Michael Rhodes (Elton John, Willie Nelson) und Gitarrist Tom Bukovac (Taylor Swift, Kid Rock).
Über die Zusammenarbeit mit Dave Stewart meint Joss: „Dave und ich sind seit sehr langer Zeit gut befreundet und wir haben schon an verschiedenen Projekten zusammengearbeitet. Er hat dieses ruhige, entspannte Selbstvertrauen, das einen ermutigt, persönliche Geschichten zu erzählen. Er ist echt erfrischend und im Herzen jung.“ Die Musik beschreibt sie so: „Denken Sie an Dusty Springfield, Burt Bacharach, Dionne Warwick – diese Art von klassischen, zeitlosen Songs“.
Und Dave Sterwart gibt zu Protokoll:

„Joss und ich haben viele Abenteuer rund um die Welt beim Schreiben und Aufnehmen erlebt und wir haben immer jede Minute genossen. Wir sind wirklich beste Freunde, was das Ganze mühelos macht. Die Musik fließt ganz natürlich zwischen uns. Bei der Entstehung dieses Albums, 'Never Forget My Love', haben wir wie immer klein angefangen, nur wir beide haben mit einer Akustikgitarre geschrieben, aber wenn du diese einfachen Handy-Aufnahmen hören würdest, singen und schreien wir bereits Bläsersätze und Streicherarrangements dazu und jeder, der zuhört, würde uns für verrückt halten. Wir haben eine geheime Musiksprache und die ist so besonders. Ich bin besonders stolz auf dieses Album, da ich denke, dass wir in dieser Sammlung von Songs, die mit erstaunlichen Musikern und Orchesterarrangements aufgenommen wurden, die in den Sechzigern hätten geschrieben werden können und die beim ersten Hören so vertraut klingen, echte Magie eingefangen haben."
Joss Stone wird „Never Forget My Love“ und andere neue Songs ihres achten Albums weltweit bei Live-Konzerten vorstellen, darunter eine Co-Headline-Tour mit Corinne Bailey Rae. Updates und mehr auf jossstone.com.

 
| JOSS STONE BIOGRAPHY |

Joss Stone is a Grammy and Brit award-winning artist who released her star-making critically acclaimed debut album, The Soul Sessions, in 2003. Since then, she has released seven studio albums which have sold over 15 million copies worldwide.

Stone has kept the company of musical royalty, performing alongside legendary artists such as James Brown, Herbie Hancock, Stevie Wonder, Gladys Knight, Sting, Van Morrison and Melissa Etheridge. In addition, she has collaborated with and contributed to albums for many of the world's finest musicians, including Jeff Beck, Mick Jagger, and Damien Marley.

Stone has been known to experiment with different styles in her own work as well, and her albums feature an exciting patchwork of various influences, creating a catalogue characterized by the fusion of her powerhouse soul vocals with reggae, world music, and hip-hop soundscapes.

Soon she will release her eighth studio album, produced by Eurythmics’ Dave Stewart and written at Bay Street Studios, Bahamas and recorded at Blackbird Studios, Nashville. Discussing the collaboration, Stone says “Dave and I have been great friends for a very long time and we have worked together on various projects. He has this calm, quiet confidence that encourages you to tell your story. He is a breath of fresh air, very young at heart. And he always wants to lift you up.”

In addition to writing and recording new music, in the past year Stone has launched a successful podcast “A Cuppa Happy,” along with a weekly Facebook Live cooking show “Cooking With Joss,” and in February she won season two of the hit competition series The Masked Singer UK. In 2019 Stone completed her most audacious project to date - The Total World Tour - in which she performed and collaborated with local artists in over 200 countries around the world.

Aimee Mann "Queens of The Summer Hotel"- VÖ: 5.11.

Super Ego Records | Membran / The Orchard

Aimee Mann: "Ehrlich gesagt fühlte ich mich fast besessen, als ich diese Platte schrieb, denn ich habe noch nie so schnell und intensiv geschrieben. Ich fand das Material sehr interessant und offensichtlich sehr persönlich. Ich hatte bestimmte Vorstellungen davon, wie die Hintergrundgeschichte der Charaktere aussehen könnte, und habe viele gemeinsame Erfahrungen einfließen lassen, um bestimmte Charaktere, die in den Memoiren besprochen werden, mit Leben zu füllen.

Im März 2017 veröffentlichte Aimee Mann das Album Mental Illness das bis dato traurigste, ruhigste und akustischste Werk in der Karriere der US-amerikanischen Singer-Songwriterin. Es gewann einen Grammy für das beste Folkalbum. Am 5.11.21 folgt nun ihr neues Werk »Queens Of The Summer Hotel«, das als der »unfreiwillige zweite Teil« des Vorgängers beschrieben wird.
Das wiederum könnte an der Entstehungsgeschichte des Albums liegen: Mann begann 2018 mit dem Schreiben neuer Musik, als sie sich bereit erklärte, Songs für eine Bühnenadaption des Psycho-Dramas  »Girl, Interrupted« zu entwickeln. Der gleichnamige Bestseller stammt von der US-amerikanischen Schriftstellerin Susanna Kaysen und beschreibt deren Aufenthalt in einer psychiatrischen Klinik in den späten 1960er-Jahren
Mit dem Song »Suicide Is Murder« erschien im August die erste Single des Albums, eine traurige Klavierballade, die sich mit dem Thema Selbstmord und den psychischen Folgen für die Angehörigen auseinandersetzt.  Aimee Mann dazu: “I started to write this song because I’ve known people who committed suicide and friends who’ve had loved ones die from suicide,” Mann notes. “I think the phrase ‘suicide is murder’ took on a meaning for me as it’s the worst thing to have to deal with in the aftermath. It’s just terrible. Because every person who knows the person who committed suicide will blame themselves in some way for not noticing or stepping in or doing something. They’ll till the end of their days, say, ‘was there something I could have done?’”
Insgesamt warten 15 Stücke auf der Platte, ein Songzyklus gesungen von Mann und orchestriert von ihrem langjährigen Mitarbeiter Paul Bryan, der in Anspielung auf die theatralischen Ursprünge des Projekts Streicher und Holzbläser verwendete. Das Mixing von »Queens Of The Summer Hotel« übernahm der Produzent und fünffache Grammy-Gewinner Ryan Freeland.

AIMEE MANN—QUEENS OF THE SUMMER HOTEL
1. You Fall
2. Robert Lowell and Sylvia Plath
3. Give Me Fifteen
4. At The Frick Museum
5. Home By Now
6. Checks
7. Little Chameleon
8. You Don't Have The Room
9. Suicide Is Murder
10. You Could Have Been A Roosevelt
11. Burn It Out
12. In Mexico
13. Check (reprise)
14. You're Lost
15. I See You

LADY BLACKBIRD  "Black Acid Soul" 

Foundation Records | BMG  VÖ: 3.09. digital / 12.11. physisch

"Das Debütalbum des Jahres !" Matthias Wegner- DLF Kultur

“ The Grace Jones of Jazz ” - Gilles Peterson
"Every track a showcase for her knockout voice" - Uncut
"Blackbird has crafted a tremendous debut album" - Mojo
“A voice that is utterly mesmerising” - Record Collector

Lady Blackbird hatte nicht die Absicht, einen Soundtrack für eine ganze Revolution zu liefern. Aber im vergangenen Jahr ist genau das passiert, als die in Los Angeles lebende Sängerin Marley Munroe am 27. Mai 2020 ihre Debütsingle „Blackbird“ veröffentlichte. Die große Nina Simone sang das Original im Jahr 1963 auf dem Höhepunkt des Bürgerrechtskampfes. Fast sechs Jahrzehnte später verlieh die Ermordung von George Floyd durch einen weißen Polizisten zwei Tage vor der Veröffentlichung von Lady Blackbirds Version des Songs eine zufällige, aber nicht weniger starke, schreckliche und doch erhebende Kraft.
Quelle Internet / „blackthen.com" The meaning behind Simone’s song, “Blackbird” speaks to the struggles and pain of black women, as black birds. She expresses the pain of feeling unloved and uncared for, not understood. Black women face a triple jeopardy of race, class, and gender oppression, which is detailed by the term intersectionality. Simone’s lyrics express the collective pain of many black women, the words of her song speaking for themselves.
„Es gab so viele Emotionen", reflektiert Lady Blackbird über die Aufnahme, die sie zusammen mit dem Grammy-nominierten Produzenten Chris Seefried im legendären Studio B (aka ‚Prince's room‘) in LA's Sunset Sound aufgenommen hatten. Jazz, da gibt es für sie keinen Zweifel, hat Protest in seiner DNA. „Letztendlich tue ich, was ich tue, um zu unterhalten, nicht um irgendeine Art von Anführer zu sein. Das ist eine riesige Verantwortung. Ich möchte die Menschen mit meiner Musik berühren. Aber so eine Plattform zu haben und Menschen, die bereit sind, Dir und deiner Musik zuzuhören - das ist auch mit Verantwortung verbunden.“  
 „Blackbird“ war bereits ein paar Monate vor den Unruhen aufgenommen worden, die der Mord von Floyd ausgelöst hatte.  „Unglücklicherweise – und auf eine verabscheuenswerte Art - passte der Song im letzten Frühjahr so verdammt gut", fährt Lady Blackbird in ihrer für sie typischen Direktheit fort, die sie auch auf der Bühne zu einer temperamentvollen Erscheinung werden lässt.   „Es war immer einer meiner Lieblingssongs. Ich konnte ‚Blackbird' stundenlang über meine Kopfhörer hören, konnte ihn regelrecht fühlen und vollkommen darin eintauchen. Ich stellte mir vor, wie ich ihn auf der Bühne singen würde – das machte ich oft. Ich schließe meine Augen und stelle mir vor, wie ich bestimmte Songs auf der Bühne interpretiere. Und ich dachte: Diesen Song muss ich einfach machen."
Lady Blackbird ist nicht die ‚Nina Simone der Black Lives Matter-Ära‘. Aber sie ist ein Riesentalent, eine Naturgewalt und Persönlichkeit, die Gilles Peterson als ‚die Grace Jones des Jazz‘ bezeichnet hat – ein Quasi-Ritterschlag, der auch durch die Remixe ihrer letzten Single „Collage" von den Jazz- und House-Schwergewichten Bruise, Greg Foat und KDA eindrucksvoll untermauert wird.

THE THE- The Comeback Special  earMusic | Edel

Die ikonische britische Kultband THE THE rund um Matt Johnson wird am 29.Oktober ihr Doppel Live-Album "The Comeback Special- Live At The Royal Albert Hall" bei earMusic veröffentlichen.

Das Konzert in der Royal Albert Hall am 5. Juni 2018 war einer von drei Londoner Auftritten der Band im Rahmen der "Comeback Special"-Tour. Die beiden anderen fanden in der Brixton Academy und im Troxy statt. Alle drei waren innerhalb von Minuten nach Verkaufsstart ausverkauft.

Mit einem Headline-Auftritt beim dänischen Heartland Festival ein paar Tage vor dem Royal Albert Hall-Konzert traten THE THE zum ersten Mal seit 16 Jahren wieder live auf. Die verjüngte Band, bestehend aus den früheren Mitgliedern James Eller am Bass, DC Collard an den Keyboards und Earl Harvin am Schlagzeug sowie dem neuen Mitglied Barrie Cadogan an der Gitarre an der Seite von Matt Johnson, spielte das ganze Jahr 2018 über ausverkaufte Shows und trat bei Festivals auf der ganzen Welt als Headliner auf.
Was als unvergessliches Live-Erlebnis und einer der ersten Auftritte der Band nach 16 Jahren begann, wird nun zu einem außergewöhnlichen Live-Album, Film und Buch gebündelt. Um das "The Comeback Special" Erlebnis zu vervollständigen, werden THE THE auch eine Reihe von exquisit gestalteten und exklusiven Produkten auf den Markt bringen, die alle in Kürze im offiziellen Album Store erhältlich sein werden. Dazu gehört ein exquisit gestaltetes 136-seitiges Art Book mit 6 Discs, exklusiven Fotos, Audio-Inhalten sowie dem wunderschön gedrehten Film der Show von Regisseur Tim Pope.

“Part comeback, part requiem, all extraordinary”      – James Hall, The Telegraph

“Johnson’s great achievement is to have made a body of work that is completely original, yet flows smoothly into the slipstream of accessible, socially conscious alternative rock.”       – Will Hodgkinson, The Times

“THE THE sound very much like a band revitalized… Johnson may not have sung publicly for years, but there’s little doubt he’s been practising his scales in private.”    – Jeremy Allen, The Independent

Tracklisting
1.   Global Eyes
2.   Sweet Bird Of Truth
3.   Flesh & Bones
4.   Heartland
5.   The Beat(en) Generation
6.   Armageddon Days (are here again)
7.   A Long Hard Lazy Apprenticeship
8.   We Can’t Stop What’s Coming
9.   Phantom Walls
10. Love Is Stronger Than Death
11. Dogs Of Lust
12. Helpline Operator
13. This Is The Night
14. This Is The Day
15. Soul Catcher
16. Bugle Boy
17. Beyond Love
18. Slow Emotion Replay
19. (Like a) Sun Rising Thru My Garden
20. Infected
21. I’ve Been Waiting For Tomorrow (all of my life)
22. True Happiness (this way lies)
23. Uncertain Smile
24. Lonely Planet

Webseite:

www.thethe.com

 TOUMANI DIABATÉ & THE LONDON SYMPHONY ORCHESTRA "KÔRÔLÉN"

VÖ:23.04.2021   WORLD CIRCUIT | BMG

ANNOUNCEMENT LINK:  http://worldcircuit.lnk.to/korolen

Das für den 23. April via World Circuit geplante Album „Kôrôlén“ stellt eine ganz besondere Zusammenarbeit zweier musikalischer Weltgrößen dar: Dem aus Mali stammenden Grammy-ausgezeichneten Kora-Virtuosen Toumani Diabaté und dem renommierten London Symphony Orchestra, das durch seine klassischen Darbietungen auf unzähligen Alben,  Filmen und  Bühnen zu großer Bekanntheit gelangte.

Diabaté gehört der traditionellen Griot-Familie der Sänger, Dichter und Instrumentalisten an; seine musikalische Verwurzelung lässt sich über Generationen zurückverfolgen. Heute ist er als einer der kreativsten Musiker auf dem gesamten afrikanischen Kontinent bekannt, der den ikonischen Klang der Kora fast im Alleingang einem weltweiten Publikum näherbrachte. Als großer Freund von genreübergreifenden Kollaborationen hat er bisher zwei Grammy-ausgezeichnete Alben mit dem Wüsten-Blues-Pionier Ali Farka Tourè aufgenommen, sowie in verschiedenen Projekten mit internationalen Größen wie Taj Mahl, Björk, Béla Fleck, Damon Albarn oder Afrocubism gearbeitet.
Vom Londoner Barbican Centre als "special project" in Auftrag gegeben und produziert von World Circuit werden Toumani Diabaté und seine  herausragenden malischen Musiker (darunter Kasse Mady Diabaté und Lassana Diabaté) auf den Aufnahmen vom LSO begleitet;. Für die  Arrangements zeichnen Nico Muhly und Ian Gardiner verantwortlich,  der amerikanische Dirgient Clark Rundel, der für seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Elis Costello, Esperanza Spalding,  Brad Mehldau oder dem dem Wayne Shorter Quartet bekannt ist, leitete das Orchester.

Der von Diabaté  gewählte Albumtitel „Kôrôlén“ stammt aus der Sprache der Madinka ( einer Ethnie bzw. Sprache Westafrikas)  und lässt sich als „von den Ahnen überliefert“ übersetzen – ein passende Titel für ein Album, das historische Griot-Melodien und westliche Orchester-Arrangements zu einem spannenden "Afro-Neoklassik-Sound" vereint, der sowohl die Fans traditioneller afrikanischer Musik, als auch Liebhaber*innen neuer Klassik und Ambient ansprechen wird.
Afrikanische Musik hat bekanntermassen  diverse bekannte Dancegrooves hervorgebracht und  wie Toumani Diabaté bereits viellfach gezeigt hat, liegt ihrem kreativen Fluss auch ein sanfteres und meditativeres Element zugrunde. “There’s a mystic and classical side to African music, a divinity“, so der meistbewunderte Kora-Spieler der Welt.  “It is not only about dance, and people need to know this.“ Einer der Gründe, weshalb Toumani die Einladung zur Zusammenarbeit mit dem London Symphony Orchestra und  Clark Rundell ohne zu zögern annahm.

Kôrôlén ist eine äußerst gelungene Kollaboration aus westafrikanischer Griot/ Ieli-Tradition und europäischer Klassik, das im Jahr 2008 erstmals im Londomer Barbican aufgeführt wurde.

Toumani : “Look at this music in a new way, look at African music in a different way.”
Nie zuvor fand eine Kora ihren Einsatz als Soloinstrument in einem Symphonieorchester; eine Kombination, die sorgfältige Vorbereitung erforderte, eine gemeinsame Basis zwischen den improvisierenden und interpretativen Stärken überlieferter malischer Musik und den strukturierten Anforderungen einer orchestralen Partitur zu finden. Nachdem Toumani und Clark gemeinsam die Vorarbeit geleistet hatten, bezog man Ian Gardiner und Nico Muhly als Bindeglied zum LSO mit ein. „Wichtig war, eine Art von Musik für das Orchester zu komponieren, das den malischen Musikern genug Raum lassen würde, sich auszudrücken“, so Gardiner. Eine Herangehensweise, der auch Muhly folgte, um „ein disharmonisches Durcheinander bei der Kombination von nicht-westlichen Instrumenten mit dem Orchester zu vermeiden, sondern eine raffinierte Soundarchitektur zu schaffen, die Raum für klangliche Verzierungen und Einsätze lassen würde, auf die Toumani mit seinen Improvisationen reagieren konnte.“

So betrachtete man musikalische Lehren eher als grobe Richtlinie; sobald man die Arrangements vollendet hatte, kam der symbiotische Arbeitsprozess, eine gemeinsame Kommunikationsbasis zwischen zwei völlig unterschiedlichen Musiktraditionen zu finden, so richtig in Schwung. Toumani fügte den Arrangements seine eigenen Anpassungen hinzu, um die Improvisationen seiner Band besser ins Gesamtbild zu integrieren. Dabei bediente er sich Mitgliedern aus Malis renommiertesten Griot-Familien, darunter Gitarrist Fanta Mady Kouyaté, Balafon-Spieler Lassana Diabaté, Sänger Kasse Mady Diabaté (zu hören auf dem letzten Track), Ngoni-Spieler Ganda Tounkara und Percussionist Fode Kouyaté an der Kalebasse und der Tama.
„Unsere Musik ist älter als die von Bach“, erklärt Toumani sichtlich zufrieden. Gleichzeitig existiert sie jedoch im Moment und wird erst durch die Imaginationskraft dessen lebendig, der sie spielt. Und so veränderte die Musik einmal mehr ihre Form während der Proben unter Clark Rundells Taktstock. Je länger man zusammenarbeitete, desto intensiver begann das Orchester die unendlichen Möglichkeiten zu erforschen, die sich in der Zusammenarbeit mit Toumani und seinen Musikern boten; anfänglich noch zögerlich, später mit ständig wachsender Freude und Selbstbewusstsein.
Neben dem auf dem „Kôrôlén“-Album enthaltenen Konzert im Barbican wurden zwei weitere Symphonic-Shows in Liverpool und Oslo gespielt; jeweils in unterschiedlicher Orchesterbesetzung und in leichten Variationen der Stücke, wobei der musikalische Kern jedoch beibehalten wurde. Mit diesem Album ermutigt uns Toumani Diabaté, „afrikanische Musik aus einem neuen Blickwinkel zu betrachten“. Doch „Kôrôlén“ ist weitaus mehr als das. Das Album zeigt, wie die unterschiedlichsten Kulturen zusammenfinden können, um einen kollektiven Geist der Menschlichkeit zu erwecken, der die künstlichen Barrieren überwindet, die uns trennen. Etwas, was wir noch nie so dringend gebraucht haben, wie heute.
 

PAT METHENY „ROAD TO THE SUN“
VÖ: 05.03.2021 MODERN RECORDINGS / BMG
feat: Jason Vieaux and the Los Angeles Guitar Quartet

Es gibt nur eine Handvoll lebender Musiker*innen, die sich Jahr für Jahr neu erfinden. Noch weniger können von sich behaupten, über eine jahrzehntelange Karriere hinweg das gleiche Maß an Innovation und Exzellenz aufrechterhalten zu haben. Pat Metheny ist einer diese rar gesäten Künstler*innen, der den Anspruch auf eine derartige Zuschreibung erheben darf. Auf dem neuen Album „Road To The Sun“ überrascht er uns ein weiteres Mal mit seiner scheinbar endlosen Fähigkeit, neue Perspektiven und Sphären zu entwickeln und dabei dennoch den sofort wiedererkennbaren Metheny-Sound beizubehalten.
Mit zwei neuen Kompositionen, eingespielt von fünf der weltbesten klassischen Gitarristen, kartiert Metheny neue Wege, auf denen er die Grenzen zwischen den Genres auflöst und gleichzeitig neue Facetten seiner bereits jetzt umfangreichen persönlichen Sprache enthüllt: 

Für die viersätzige Suite für Solo-Gitarre, Four Paths Of Light, konnte Metheny den Grammy-Gewinner Jason Vieaux gewinnen, von NPR Music als der „vielleicht präziseste und gefühlvollste klassische Gitarrist seiner Generation“ bezeichnet.
Das Herzstück dieser wegweisenden Aufnahme ist Road To The Sun, ein Werk in sechs Sätzen für das ebenfalls Grammy-prämierte Los Angeles Guitar Quartet LAGQ – Metheny nennt sie „eine der besten Bands der Welt“.

Road To The Sun ist nichts weniger als eine weitere, großartige Pat Metheny-Platte, die neben Secret Story, Bright Size Life, 80/81, One Quiet Night, Still Life (talking), Song X und allen anderen als erneut unerwartbare und mit Absicht unergründliche Wendung gelten wird. Eben unvermeidlich für dieses Genre, das nur ein gemeinsames Element hat: Metheny selbst.

Metheny über Road To The Sun:
„Zu Beginn, als ich anfing zu schreiben, suggerierten mir die Jungs vom LAGQ, dass sie auch mit einem 5- oder 7-minütigen Stück glücklich wären. Bevor ich es merkte, war ich aber mitten in einem fast 30-minütigen, sechssätzigen Traktat darüber, was in einem Multi-Gitarren-Format alles möglich wäre. Ich habe mich voll auf diese großartige Gelegenheit gestürzt, mir vorzustellen, wie diese vier außergewöhnlichen Gitarristen klingen könnten, wenn sie diese Noten spielen. Das Stück strömte buchstäblich heraus. Aber so sehr ich auch nach dem scheinbar naheliegenden Material für diese Instrumentierung und diese speziellen Musiker suchte, so wichtig war es mir auch, diesen narrativen, erzählerischen Aspekt der Musik beizubehalten, den ich immer zu erreichen hoffe, unabhängig von der Besetzung.“

Label: Major Music Vertrieb: EDEL

YouTube Kanal: Pure Desmond

Pure Desmond
Lorenz Hargassner - Altsaxofon

Johann Weiß - Gitarre


Christian Flohr - Kontrabass

Sebastian Deufel - Schlagzeug

„Geschüttelt, nicht gerührt“ - Der bekannteste Geheimagent der Welt mit der Nummer 007 ist ebenso ein Inbegriff für Stil und Geschmack wie der Sound des Saxophonisten Paul Desmond (1924-1977), der selbst wie ein „Dry Martini“ klingt.
Das Lebensgefühl der mondänen Agentenfilme mit seinen Szenen in glamourösen Casinos passt so perfekt zu der eleganten klassischen Jazz-Musik von pure desmond, dem preisgekrönten Ensemble aus Deutschland, das sich in seinem neuen Album den legendären Songs zur Filmreihe widmet.
Vom aktuellen „No Time To Die“ des amerikanischen Shootingstars
 Billie Eilish bis zur ursprünglichen Musik der 1960er-Jahre reicht die Bandbreite der Kompositionen, die auf dem Album „pure desmond plays James Bond Songs“ in der brillanten Cool Jazz Qualität glänzen.

„From Russia With Love“ wird in der Version des Quartetts ein luftiger Samba mit einer Prise subtilen Humors, wie es der Saxophonist des Dave Brubeck Quartet vielleicht selbst interpretiert hätte. „Tomorrow Never Dies“ verwandelt sich zu einer Jazz-Ballade.
In der 60-jährigen Geschichte der Filme dieser Reihe spiegelt sich die Entwicklung der populären Musikgeschichte ebenso wieder wie der technische Fortschritt in den Gadgets der Bond-Autos. War die anfängliche Titelmusik zu „James Bond jagt Dr. No“ noch ein instrumentales Big Band Arrangement mit klaren Jazz-Bezügen, so sind Werke wie „Die Another Day“ von Madonna oder „You Know My Name“ von Chris Cornell Klassiker für ihre Zeit und ihr Genre.

Die vier Musiker von pure desmond schaffen den Spagat zwischen diesen vielen verschiedenen musikalischen Welten und verbinden sie durch ihre instrumentalen Bearbeitungen im modernen Cool Jazz Sound zu etwas Neuem. 
Mit ihren Interpretationen nehmen sie uns mit auf eine Fahrt durch die Welt von James Bond – voll fieser Bösewichter, rasanter Verfolgungsjagden, luxuriöser Reisen und romantischer Flirts.
Doch was wären die Songs der „motion pictures“ ohne bewegte Bilder? Das neue Album ist auch hier etwas ganz besonderes. Die Künstler haben die schwierigen Zeiten ohne Auftritte  dieses Jahres genutzt, um die Musik an stimmungsvollen Originalschauplätzen und live und in Farbe aufzunehmen. Die Qualität der Interaktion und der musikalischen Übereinkunft dabei zeigt erneut die Reife der Band, die bald ihr 20-jähriges Jubiläum feiert.

„Eine edle, kammermusikalische Ästhetik: durchsichtig, überschaubar, linear, kontrolliert emotional und zurückgelehnt bis zur totalen Entspannung“, so beschreibt die Jury zum „Preis der deutschen Schallplattenkritik“ den raffinierten Klang des Ensembles.
„Während die Musiker bestens miteinander harmonieren und korrespondieren, entstehen beim Hören zahlreiche Bilder vor dem inneren Auge“, so konstatieren die Badischen Neuesten Nachrichten nach einem Konzert von pure desmond mit ihrem gefeierten letzten Programm „Audrey“ im Staatstheater Karlsruhe.
Zu diesen inneren Bildern gesellen sich nun äußere dazu – von dunklen Gewölben, Militärmaschinen oder abgelegenen Berghotels, wo sich das kriminelle Jet-Set ein Stelldichein gibt. Denn in solchen atmosphärischen Kulissen sind zu den Live- Performances kleine Filme entstanden, die nun auf dem eigenen YouTube-Kanal von pure desmond zu sehen sind.

Plattenfirma: earMusic / Edel

Der legendäre Gitarrist Al Di Meola begrüßt das neue Jahrzehnt mit Across The Universe, seinem neuen Studio-Album zu Ehren der Beatles. Es ist der lang erwartete Nachfolger seines 2013er Albums All Your Life: A Tribute to the Beatles.

Al Di Meolas außergewöhnliche Fähigkeiten am "Griffbrett" werden nur von seiner Wertschätzung der Beatles übertroffen, die Generationen von Musikern und Musikliebhabern geprägt und inspiriert haben.

Across The Universe ist eine Retrospektive aus Di Meolas fast 50 Jahre währender Karriere, die durch seine virtuosen Arrangements der 14 Beatles-Songs zum Ausdruck gebracht wird. Das Album entführt auf eine Reise mit einem der profiliertesten Gitarristen der USA, auf der er große Hits sowie unbekanntere Stücke der genialen Fab Four aufgreift, die auch dazu beigetragen haben, den Musiker und Menschen zu prägen, der Al Di Meola heute ist.

Across The Universe ist ein weiterer Meilenstein, den Al Di Meola zu seinem Katalog von mehr als dreißig Solo-Alben und der Zusammenarbeit mit Ikonen wie Chick Corea, John McLaughlin, Stanley Clarke, Paco De Lucia und vielen weiteren hinzufügen kann. Auf ein Neues stellt er seine Faszination mit rhythmisch komplexen Synkopierungen in Kombination mit schwärmerischen Melodien und verschachtelten Harmonien zur Schau. Beatles-Fans, Gitarren- und Musikliebhaber können allesamt das Unerwartete erwarten, wenn sie sich auf die Reise in das Universum von Across The Universe begeben. Und mit Blick auf einzigartige Leben von John Lennon, stellt das Albumcover eine Hommage an den Musiker und das legendäre Cover seines 1975er Solo-Albums Rock ‘n’ Roll da.

Al Di Meola ist eine lebende Legende, gefeiert als Pionier eines einzigartigen Stils von makelloser Gitarrentechnik in Kombination mit einer raffinierten, universellen Musiksprache, die die Herzen des Publikums auf der ganzen Welt erobert. Er ist GRAMMY-Award Gewinner, drei Alben mit Goldstatus und weltweit über sechs Millionen Alben verkauft. Auch seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Paul Simon, Phil Collins, Stevie Wonder, Jimmy Page, Santana, Steve Winwood, Herbie Hancock, Frank Zappa, Luciano Pavarotti hat dazu beigetragen Al Di Meola zu einem der ganz großen Namen zu machen.
Verschiedene Genres wie Flamenco, Latin, Fusion, Jazz, Rock und Weltmusik virtuos umspannend, hat Al Di Meola wieder eine Glanzleistung vollbracht, um die Grenzen neu zu definieren und zu zeigen, was auf einem 6-Saiter möglich ist. Wie bei allen seiner hochgelobten Werke, bietet er auch auf Across The Universe einen Fundus an ausgeklügelten Instrumentierungen, mit dem er die kreativen Neuinterpretationen der Beatles-Songs in erstaunliche Höhen treibt.


„Es ist der Verdienst der Beatles, dass ich heute Gitarre spiele“, sagt Di Meola. „Sie waren für mich die treibende Kraft, um anzufangen das Gitarrenspiel zu lernen und hatten einen starken prägenden Einfluss auf mich.“

Kurzbio:

Al Di Meola gehört zu den einflussreichsten Jazz-Gitarristen aller Zeiten. Der In New Jersey geborene Al Laurence Dimeola studiert ursprünglich am Berklee College of Music in Boston und konzentriert sich stilistisch auf Fusion und Jazz. Bereits im Alter von 19 Jahren wird er in die Musikgruppe Return to Forever des legendären Chick Corea aufgenommen. Unter anderem sind auch Stanley Clarke und Lenny White Teil der Formation, die 1975 den Grammy für die Beste Jazz-Performance erhalten soll.

Mit den Gitarristen John McLaughlin und Paco de Lucía nimmt er 1981 das populäre Live-Opus Friday Night in San Francisco auf. Auch mit dem akustischen Gitarrentrio The Trio ist er unterwegs und behält über die Jahre die kreative Motivation in seinen virtuosen Darbietungen bei. Heute tourt er mit seinem Al Di Meola Quintett durch die Welt.

Seitenwechsel:
Rolf Kühns Album „Yellow + Blue“
mit Frank Chastenier (Piano), Lisa Wulff (Double Bass) und Tupac Mantilla (Percussion, Body Percussion, Drums)

Ruhe und Aufbruch. Erfahrung und Neugierde. Body and Soul.
Rolf Kühn findet solche Gegenpole extrem anziehend. Und so improvisiert und bewegt sich der 88-Jährige mit seinem Album „Yellow + Blue“ einmal mehr durch musikalisches Neuland. „Europas größter Klarinettenspieler und Freigeist“ (Jazzthetik) spielt auf seinem neuen MPS-Album Balladen und legendäre Love Songs, in die er innig eintaucht, denen er aber auch neue, ungehörte Töne entlockt. Denn eine sentimentale Rückschau ist nicht sein Ding. In seinem neuen Quartett mit Pianist Frank Chastenier, Bassistin Lisa Wulff und Tupac Mantilla (Percussion) kontrastiert Rolf Kühn seine empfindsame Seite vielmehr mit ungebremster Experimentierlust.

„Für das Album habe ich einige meiner absoluten Lieblingsballaden ausgewählt, losgelöst von irgendwelchen Trends sind sie für mich einfach berührend und zeitlos schön“, sagt Kühn, „und besonders reizvoll fand ich, diese Auswahl mit meinen aktuellen Kompositionen zu kombinieren.“
„Both Sides Now“, ein Klassiker aus dem Songbook von Joni Mitchell, eröffnet das Album. Kühn mag den poetischen Text: „Im Leben gibt es irgendwie doch immer beide Seiten, aber am schönsten ist es, wenn sie einander sogar bereichern und fließend ineinander übergehen können, um etwas ganz Neues entstehen zu lassen.“

Der Titelsong „Yellow + Blue“, eines von fünf neuen Stücken, bringt beide Perspektiven auf den Punkt: Das Weiche, Zarte, die warme bluesige Klangfarbe Blau steht neben dem Grellem, dem impulsiv Leuchtenden. Und aus diesem Kontrast wird wiederum eine neue musikalische Farbe.

Die grenzenlose musikalische Neugier des 1929 in Köln geborenen Sohns eines Zirkusakrobaten wird von seinen an Jahren deutlich jüngeren Mitmusikern mit spürbarer Gegenliebe aufgenommen. Wie schon bei seinen letzten Einspielungen für das Label MPS/Edel („Stereo“, 2015 und „Spotlights“, 2016), mit ihren fliegend wechselnden Konstellationen aus Duo, Trio oder Quartett entfaltet der zweifache ECHO-Preisträger auch diesmal wieder „große Musik in kleinen Besetzungen“ (WAZ) – und kreiert dabei überraschende Klangfarben und Instrumentierungen. „Schon der erste Probentag war einfach purer Spaß für uns alle. Ich spüre sofort, ob im Studio die Chemie stimmt. Hier war es vom ersten Moment an ein Ideen-Austausch auf Augenhöhe, geprägt zugleich von einer ungewöhnlichen Vertrautheit“, schwärmt Kühn.

Der Klarinettist kann bei jedem der Titel, den er interpretiert, die Zeit der Entstehung noch mit eigenen Erinnerungen anfüllen. Gelebte Jazz-Geschichte.  Dabei reicht das Repertoire von den „Angel Eyes“, populär geworden durch Frank Sinatra, über die Michel-Legrand-Komposition „What Are You Doing The Rest Of Your Life?“ bis zum Song „I’m Through With Love“, den vor allem Marilyn Monroe im Billy-Wilder-Film „Manche mögen’s heiß“ unsterblich gemacht hat.

Erstmals in seiner langen Karriere hat Kühn endlich auch eine Version von „Body And Soul“ auf CD eingespielt, die Jazz-Ballade par excellence. Auch hier gilt für den Jazzklarinettisten, der sich auf seinem Instrument immer noch als Lernender sieht: Jedes Stück hat seine Unschuld, etwas Pures, dem er auf den Grund gehen möchte. „Der Text ist dabei für mich ganz wichtig. Ich habe ihn beim Spielen immer im Kopf. Und wie schaffe ich es dann, dass die Klarinette in ihrer ganzen Fülle wie eine menschliche Stimme klingt?“

Rolf Kühn, „Deutschlands coolster Jazzer“ (Die Welt),  der im Orchester von Benny Goodman noch die Swing-Ära miterlebte und sich dann in allen Spielarten des Modern Jazz weiterentwickelte, agiert heute freier und mutiger denn je. Und das neue Album „Yellow + Blue“ zeugt zugleich von einer nun schon mehr als 70 Jahre andauernden Affäre – der unstillbaren, aufregenden Liebe zu seiner ältesten Lebens-Freundin, der Klarinette.