José Afonso: "Galinhas do Mato" 

Mais 5 | Broken Silence

erhältlich- wie alle Titel des Kataloges- auf CD und Vinyl - und digital

Gesamtübersicht des Katalogs- Broken Silence

Galinhas do Mato, ursprünglich 1985 veröffentlicht, ist das letzte zu Lebzeiten aufgenommene Album von José Afonso (1929–1987).

Das portugiesische  Label Mais 5 veröffentlicht nun eine remasterte Ausgabe auf Vinyl und CD

Mit einer Spielzeit von rund 39 Minuten entfaltet das Album eine außergewöhnliche künstlerische Dichte. Trotz der körperlichen Einschränkungen, die José Afonso damals bereits am Singen hinderten, vermittelt die Aufnahme eine beeindruckende geistige Klarheit sowie eine große menschliche und künstlerische Reife.

Tief verwurzelt in der portugiesischen Volkskultur verbindet Galinhas do Mato mündliche Überlieferungen, poetische Bilder, Humor und gesellschaftskritische Beobachtungen zu einem Werk von bemerkenswerter kreativer Freiheit.Die Lieder greifen traditionelle Melodien und alltägliche Erzählungen auf und schlagen Brücken zwischen ländlicher und urbaner Welt, zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Mitwirkende Stimmen wie Luís Represas, Helena Vieira, Janita Salomé und Né Ladeiras unterstreichen den kollektiven Charakter dieses Albums und das Zusammentreffen unterschiedlicher Generationen und musikalischer Ausdrucksformen.

Als Abschiedswerk bleibt Galinhas do Mato ein bedeutendes Dokument im Schaffen José Afonsos — ein Album, das die Kraft kultureller Erinnerung und den Glauben an die schöpferische Ausdruckskraft eindrucksvoll bewahrt.

Nuno Saraiva, Mais 5  : „Von ‚Agora‘, was je nach Sichtweise entweder ‚jetzt‘ oder ‚Versammlungsort‘ oder beides bedeutet, bis hin zu ‚Alegria da Criação‘, was frei übersetzt so viel wie ‚Freude am Schaffen‘ bedeutet, ist dieses Album eine Reise durch José Afonsos gesamtes Leben – wie sein Sohn Pedro Afonso anlässlich der gemeinsamen Teilnahme des Kollektivs Wanderer Songs am Rudolstadt-Festival erwähnte,

José Afonso war ein Wanderer – ein Reisender durch vielfältige musikalische Traditionen, immer nah am Volk und stets offen für unterschiedliche Einflüsse und Erfahrungen, die er dann akribisch in Lieder verwandelte, um das Leben, den Humanismus und fortschrittliches Denken zu feiern. Ein wunderschöner Abgesang mit ein wenig Hilfe von seinen Freunden.“ –

Titelliste

01 Agora


02 Tu Gitana


03 Moda do Entrudo


04 Tarkovsky


05 Escandinávia Bar- Fuzeta 
06 Década de Salomé


07 Benditos


08 Galinhas do Mato


09 À Proa


10 Alegria da Canção 

Label: Lusitanian    |   Vertrieb: Broken Silence 

Formate:  CD| Vinyl | Digital

File under : #Folk | #World | #Portugal

"Todo Tempo"  (deutsch: jederzeit) lautet der Titel des neuen Albums von João Afonso, das am 17.April auf CD und Vinyl erscheint und gewiss auch hierzulande seine Hörer:innen finden wird.
Nach den früheren Veröffentlichungen "Sangue Bom" und "Livros" beschäftigt sich "Todo Tempo" mit zeitlos-universellen Themen, auf die auch Afonso immer wieder zurückkommt, und die in kriegerischen Zeiten wie den unseren fast schon utopisch anmuten:  Freiheit, Liebe, Solidarität und Frieden.

Das neue Album wurde mit dem portugiesischen Musiker António Pinto aufgenommen und produziert, der auch für die Arrangements verantwortlich zeichnet. Es enthält Stücke mit Texten von João Afonso selbst, sowie weitere Songs, die von diversen portugiesischen Poeten inspiriert sind.
Erwähnt werden soll auch die Mitwirkung des Frauenchors CouraVoce, Sängerin Toninho Afonso, das Flötenspiel Rão Kyaos, die Gitarre von Marta Pereira da Costa und der schöne Gesang von Sofia David in „Tempo de Poesia”, einem Lied, das im Mittelpunkt des Albums steht (1. Single).

In João Afonsos Gesang schwingen häufig die Wurzeln portugiesischer Musik mit, verbunden mit der emotionalen Erinnerung an sein Geburtsland Mosambik, das bekanntermaßen einst unter portugiesischer Kolonialmacht stand. Songs wie „Matope”, „Manga Verde” und „Sonhei-te” beschwören dieses Gefühl herauf, während die Balladen „Tempo de Poesia”, „Pernoitas em Mim” und „Independência” auf wunderschöne Weise die Seele der portugiesischen Identität einfangen. 

Musicians
Sofia David,
Rão Kyao
Marta Pereira da Costa
Tomás Pimentel
Coura Voce
José Moz Carrapa

Tracklist CD (Vinyl ohne # 4)
1. Tempo de Poesia 
2. Matope    
3. Chuta Pra Canto 
4. Pernoitas em Mim  
5. Manga Verde
6. Independência
7. Um Homem Não Chora  
8. Folhas de Outono     
9. Não Digas a Ninguém    
10. Guardião das Estrelas   
11. Sonhei-te       

Kurzbio:
João Afonso wurde am 8. Juli 1965 in Maputo (Mosambik) geboren, wo er früh durch seinen berühmten Onkel José 'Zeca' Afonso mit afrikanischer  und portugiesischer Musik aufwuchs. (Zeca lehrte in dieser Zeit auch immer wieder vor Ort).
Der prägende Einfluss beider musikalischen Kulturen sind in seiner musikalischen Karriere stets präsent, so dass João heute als einer der renommiertesten zeitgenössischen portugiesischen Singer-Songwriter gilt.
1995 präsentierte er zusammen mit José Mario Branco und Amélia Muge das Projekt „Maio Maduro Maio” mit Coverversionen von Songs seines Onkels José Afonso.
Als Solokünstler debütierte João Afonso mit dem Album „Missangas” (1997), produziert von Júlio Pereira, mit dem er den Preis für den besten nationalen Sänger des Blitz Journal gewann. Es folgten die Alben „Barco Voador” (1999), „Zanzibar” (2002), „Outra Vida” (2006), „Um Redondo Vocábulo” (2009), das ausschließlich Lieder von José Afonso enthält, und „Sangue Bom” (2014) mit eigenen Kompositionen zu bisher unveröffentlichten Gedichten von Mia Couto und José Eduardo Agualusa. Im Jahr 2021 veröffentlichte er das Album „Livros”, eine CD mit 14 neuen Songs, begleitet von einem Buch mit Illustrationen von António Afonso Lima
Im Laufe seiner Karriere arbeitete João Afonso mit Musikerinnen und Interpreten aus der nationalen und internationalen Musikszene zusammen, darunter Fausto Bordalo Dias, Filipa Pais, Uxia, Luís Pastor, die Gruppe Mestisay, Pablo Milanés, Paco Ibañez, Pedro Guerra, Javier Ruibal und viele weitere.
 

"Beim Dialekt fängt die gesprochene Sprache erst an" Christian Morgenstern (1871-1918)

Seit Gründung der Band im Sommer 2017 hat sich vieles getan. Nach zahlreichen Konzerten, dem Gewinn des Kleinkunstpreis Baden-Württemberg 2022 und der Veröffentlichung ihres Debuts 1ST ALLBUM folgt nun im März 2026 der zweite Longplayer.
Bereits der Titelsong STREIK ist ein HASA-Knaller im besten Sinne.
Zu einem drückenden Hip Hop Groove ist hier ein eindrucksvolles Lamento über die Schattenseiten der (Auto-)Mobilität zu hören - im atemberaubenden Wechsel mit  virtuosen Ensemble-Passagen und packenden „Trillerpfeifen und Sprechchor“ Zitaten….Sie merken schon, Sinn für Humor und stilistische   Vielfalt sind auch bei HASAs zweitem Album der Schlüssel zu einem wahrlich außergewöhnlichen Hörvergnügen.
 
Denn neben Songs mit Texten zum Schmunzeln zeigt sich auf HASAs zweitem Album  auch ausgiebig das Faible der Band für romantische Balladen und Hippie-Folk Duette von Ellen Reinhardt und Caro Saia, die dem „Sound of Schwäbisch“ zusätzlich zu seinem humorigen Potential auch ganz feine, lyrische Klangfarben und Stimmungen abgewinnen –insofern: Swabian never sounded better!
 

“... ein irrwitziges Gesamtkunstwerk“ AUDIO-stereoplay 10/24

“So erfrischend anders, so perfekt und so gekonnt aus der Spur hängend!“

Fazit der Jury bei der Verleihung des Kleinkunstpreises Baden-Würrtemberg 2022

Besetzung:

Heiner Reiff - Gitarre, Gesang, Musik&Texte

Ralf Schuon - Keyboards, Gesang, Arrangements

Ellen Reinhardt - Space Toys, Gesang, Bass

Caro Saia- Gesang, Naughtylus

Daniel Jakobi - Schlagzeug

Das neue Album der Blues/ Roots Legende Eric Bibb erscheint am 30.Januar 2026 auf dem Label Repute Records

Eric Bibb geht anschließend auf ausgedehnte UK-Tour, gefolgt von einigen Daten in Frankreich und dann geht's über den ganz großen Teich nach Australien, wo Eric Bibb ebenfalls eine große Fangemeinschaft hat.

In unsere Gefilde wird er leider erst wieder im Herbst 26 zurückkehren.  Die Termine werden rechtzeitig bekannt gegeben. (Booking F-Cat).

Bis dahin vertreiben wir uns die Zeit mit diesem wunderbaren neuen Album, zu dem Bibb u.a. sagt: 

“This new collection of stories, from a not-too-distant American past and a tense global present, is a call for peace, justice & unity in a divided world."

Und natürlich der bereits veröffentlichten ersten Single nebst Video, einem wunderschönen uplifting-Track, der Mut machen und Kraft schenken soll in so oft mutlosen Zeiten und auch hier halten wir ein Zitat vom Maestro parat: 

"The song was inspired by a wonderful gig at a Blues Fever festival in Vienna, where I played in front of a groovy crowd who loves dancing to the Blues. Happily, we were able to include these folks in the video. Thanks to my ace producer, Glen Scott and the superb musicians involved, this track is one of the funkiest I’ve ever recorded. As Alice Walker once said: ”Hard times require furious dancing.""

Aufgenommen in Uppsala, Schweden, mit einer All-Star-Besetzung, darunter Robbie McIntosh (Paul McCartney, John Mayer), Greger Andersson, Paul Jones und anderen, ist One Mississippi  Bibbs bisher musikalisch experimentierfreudigstes und großzügigstes Album. Mit starken Songs wie „This One Don't“ und „Didn't I Keep Runnin'“ verbindet es zeitlosen Blues, Folk und Americana – und spricht damit ein breites Publikum über Genregrenzen hinweg an.
Mit einer Karriere, die sich über fünf Jahrzehnte erstreckt, und einer musikalischen Tradition, die auf seinen Vater, den Folksänger Leon Bibb, zurückgeht, ist Eric Bibb zu einer der angesehensten und inspirierendsten Stimmen der modernen Roots-Musik geworden. One Mississippi ist ein tiefgründiges Statement eines Künstlers auf dem Höhepunkt seiner Schaffenskraft.

Thierry De Clemensat  - Member at Jazz Journalists Association:

If there is a blues album to keep on your radar for 2026, One Mississippi may well be the one. It is an album of substance and spirit, shaped by history but unafraid of reinvention. And it reminds us, quietly, powerfully, why Eric Bibb remains one of the most resonant voices in contemporary American music.  (Quelle: paris-move.com)

KURZBIO:

Er habe eine Stimme, für die es sich zu sterben lohne, urteilt die New York Times. Eric Bibb ist schlicht einer der außergewöhnlichsten Bluesmusiker weltweit. Mit einer Karriere, die sich über fünf Jahrzehnte erstreckt, über vierzig Alben, drei Grammy-Nominierungen (die letzte für sein 2023er Album Ridin‘) und unzähligen Auszeichnungen hat Bibb sein Vermächtnis als legendäre Figur im Blues- und Roots-Genre gesichert. Erics Vater Leon war eine Schlüsselfigur der Bürgerrechtsbewegung und marschierte an der Seite von Dr. Martin Luther King.

So tauchte der junge Eric schon früh in die Folkszene um Bob Dylan, Joan Baez und Pete Seeger, sowie Odetta und Taj Mahal ein und synthetisierte diese Elemente zu einem einzigartigen Stil. Er entzieht sich jeder Kategorisierung und gleitet nahtlos zwischen den musikalischen Gefilden hin- und her. Basierend auf der Folk- und Blues-Tradition mit zeitgenössischer Sensibilität, reflektiert Bibbs Musik seine Gedanken zum aktuellen Weltgeschehen und seine eigenen gelebten Erfahrungen, während er gleichzeitig unterhaltsam, erhebend, inspirierend und relevant bleibt. All dies kommt im 2023er Album "Ridin'" zum Ausdruck, das von dem Gemälde "A Ride for Liberty" von Eastman Johnson inspiriert wurde, das eine schwarze Familie darstellt, die während des Bürgerkriegs vor der Sklaverei geflohen ist. Wenn Bibb über seine musikalische Reise nachdenkt, durchdringt ihn Dankbarkeit. Die Entwicklung zeigt sich in seiner Stimme und seinem Gitarrenspiel, wobei seine Worte die Wahrheit verankern und eine Vision der Einheit in einer Welt voller spaltender Rhetorik fördern. Zweifellos ist ein Eric Bibb-Konzert immer auch eine hochgradig spirituelle Angelegenheit. Er ist mehr als ein Blues-Troubadour, er ist Geschichtenerzähler und Philosoph. Sein Vermächtnis liegt nicht nur in den Noten, die er spielt, oder auf den Bühnen, auf denen er steht, sondern auch in den Fragen, die er stellt - und in der Hoffnung, die er einflößt. Und die können wir gerade mehr denn je brauchen.

RAIA  :   “Uádi”

VÖ: 17.10.2025

Lusitanian | Broken Silence

"Großartig, wie hier aus einfachen Riffs bilderreiche, solistische Zupfarbeit entsteht, sich Folklore-Samples zu packenden Tanznummer verdichten. (...) musikethnologische Hochspannung."  -

Jazz thing #161 (Nov 25) , Stefan Franzen 

RAIA ist das innovative Soloprojekt des portugiesischen Musikers António Bexiga, auch bekannt als Tó-Zé Bexiga. Dieses Projekt ist eine fesselnde Erkundung der Viola Campaniça, einem traditionellen portugiesischen Streichinstrument, das sein reiches Erbe mit modernen experimentellen Klängen und elektronischen Einflüssen verbindet. António stammt aus der Region Alentejo und lässt sich von der kulturellen Vielfalt der Raia, dem Grenzgebiet zwischen Portugal und Spanien, inspirieren. Seine Musik ist eine Verschmelzung traditioneller iberischer Wurzeln und zeitgenössischer Stile, die eine einzigartige Klanglandschaft schafft, die beim Publikum Anklang findet. RAIA hat eine steile Karriere hinter sich und wurde in zahlreichen Konzerten und Meisterkursen auf der Viola Campaniça an Musikschulen und Universitäten in Europa, Afrika, Südamerika und Südasien vorgestellt. Antónios Auftritte beinhalten oft Live-Loops und Perkussion, manchmal begleitet von Live-Illustrationen, die seiner auditiven Kunst eine visuelle Dimension hinzufügen. Seine Arbeit ist ein Zeugnis für die Vielseitigkeit der Viola Campaniça und zeigt ihr Potenzial in allen Genres, von den Wurzeln bis zur Elektronik und darüber hinaus.

Das Album bringt traditionelle portugiesische Akkordophone, elektronische Texturen und sogar einige unerwartete Beiträge von AI zusammen.
Zu den besonderen Kollaborationen gehören die Viola Braguesa und die Elektronik von Omiri, die Viola Beiroa und die Viola Toeira von Bicho Carpinteiro, die Viola Beiroa und die E-Gitarre von Fio Manta, die Viola Campaniça von O Gajo, der E-Bass von Thomas Attar Bellier (Al Qasar) und die türkische Percussion von Gulami.
Mit diesem neuen Werk setzt RAIA die Erkundung der portugiesischen und iberischen Wurzeln fort und schafft eine Balance zwischen Tradition und Experiment durch einen Sound, der sowohl tief emotional als auch zukunftsorientiert ist.

Side A

1 - Uádi [RAIA] 3:26

2 - Dakar Bamako [RAIA] 3:26

3 - Saias da Cinza [RAIA & OMIRI] 4:28

4 - O Golpe [RAIA & Fio Manta] 3:52

5 - Judith [RAIA] 3:44

Side B

6 - Esteira [RAIA & Bicho Carpinteiro] 3:54

7 - Suão [RAIA] 2:51

8 - Neblina [RAIA] 2:49

9 - Um Dia no Deserto [RAIA, O Gajo, Thomas Attar] 5:06

10 - Alvorada [RAIA] 3:24

„Das Montreux Jazz Festival ist das beste Festival der Welt. Da ich seit 1971 dort spiele, kann ich das gut beurteilen. Die Nacht des 11. Juni 2022 war eine besondere, und wir Musiker haben unser Bestes gegeben, um sie unvergesslich zu machen. Von all meinen Auftritten hat dieser besonders herausgestochen. Es war ein Abend voller Spaß, Kunst und Freude.“ - John McLaughlin
 

John McLaughlin, der vom Rolling Stone zu den 100 besten Gitarristen aller Zeiten gezählt wird, kehrt 2025 mit »Live at Montreux Jazz Festival 2022« in Bestform zurück.

Diese atemberaubende Performance wurde auf einer der berühmtesten Musikbühnen der Welt aufgenommen. Als Pionier, der durch seine Arbeit mit Miles Davis, dem Mahavishnu Orchestra und Shakti die Jazz-Fusion neu gestaltet hat, bringt McLaughlin mehr als fünf Jahrzehnte Innovation in dieses elektrisierende 90-minütige Set ein. Unterstützt von seiner langjährigen Band The 4th Dimension und mit der preisgekrönten kubanischen Pianistin Jany McPherson als besonderem Gast, ist diese Veröffentlichung eine Meisterklasse in genreübergreifender Musikalität.

Die Setlist schöpft aus jeder Ecke von McLaughlins weitreichender musikalischer Reise, darunter Fan-Favoriten wie »New Blues Old Bruise« und »El Hombre Que Sabia« - eine von Herzen kommende Hommage an seinen Freund und die Flamenco-Legende Paco De Lucia. Die Band liefert auch inspirierte Interpretationen von Pharoah Sanders' spirituellem Jazz-Epos »The Creator Has a Master Plan« und Piero Piccionis cineastischem Juwel »The Light at the Edge of the World«. Aufgenommen mit modernster mobiler Technologie und abgemischt von George Murphy (Shakti, Mumford & Sons, Ellie Goulding) in den Eastcote Studios in London, ist Live at Montreux Jazz Festival 2022 mehr als ein Konzert - es ist ein eindringliches Erlebnis, das die Seele, das Können und die Spontaneität einer Gitarrenlegende einfängt, die von Jeff Beck als »der größte lebende Gitarrist« bezeichnet wurde.

Formate

Blu-ray+CD Digipak
2 LP (Schwarz) Gatefold
Digital

Tracklisting (alle Formate):

A:

1. Introduction (Blu-ray only)

2. Kiki

3. Lock Down Blues

4. The Creator Has a Master Plan

B:

5. Hijacked

6. Gaza City

7. Mr. DC

8. Abbaji

C:

9. New Blues Old Bruise

10. Here Come the Jiis

11. The Light at the Edge of the World

D:

12. Echoes From Then

13. El Hombre Que Sabia

14. Outro (Blu-ray only)

Artikelnummer:12264043

UPC/EAN:   4031103004271

Formate: CD | Vinyl | digital

WWW.JOHNHELLIWELL.COM

 John Helliwell:

"It is such a great pleasure for me to play these great tunes (that I have been involved with for over 50 years) with amazingly talented  musicians.

JOHN HELLIWELL’S *SUPER BIG TRAMP BAND
Die Idee einer Big Band, die die Musik von Supertramp spielt und in der John der Hauptsolist ist, entstand 2013 als Projekt von Mike Hall, dem damaligen Leiter der Jazz-Studiengänge am Royal Northern College Of Music in Manchester, Großbritannien. Das daraus resultierende Konzert mit der Studentenband war ein Erfolg. In den folgenden Jahren ermutigte Rob Buckland, heute Professor für Saxophon am RNCM, John immer wieder, die Idee mit professionellen Musikern fortzuführen - was John schließlich auch tat, zunächst mit mehreren Konzerten und anschließend mit der Aufnahme der Band im Jahr 2021. Rob ist jetzt der Bandleader. Die Arrangements der Supertramp-Songs stammen von Mitgliedern der Band und wurden im Juli 2021 in Manchester aufgenommen.

Tracklist:

1. Bloody Well Right   04:55 -   Arranged by Clark Rundell
2. Breakfast In America   05:07 - Arranged by Rob Buckland
3. Crazy / Waiting So Long / Don‘t Leave Me Now   07:35 - Medley arranged by Rob Buckland
4. Dreamer   03:31 - Arranged by Andy Scott
5. Ain‘t Nobody But Me / You Win I Lose / From Now On / Land Ho   07:24 - Medley arranged by Andy Scott
6. If Everyone Was Listening   05:38 - Arranged by Mike Hall
7. Cannonball   05:26 - Arranged by Rob Buckland
8. Crime Of The Century   06:25 - Arranged by Rob Buckland
9. The Logical Song   04:05 - Arranged by Rob Buckland
10. Gone Hollywood   07:08 - Arranged by Mike Hall

SUPER BIG TRAMP BAND
John Helliwell Saxophones, Clarinet, Melodica, Whistle, etc.
Rob Buckland Leader, Alto Saxophone, Clarinet, Arranger
Amy Roberts Alto Saxophone
Mike Hall Tenor Saxophone, Arranger
Andy Scott Tenor Saxophone, Arranger
Carl Raven Baritone Saxophone
John Barber Trombone
Carol Jarvis Trombone
Ellie Smith Trombone
Mark Frost Bass Trombone
Ryan Quigley Trumpet
Russell Bennett Trumpet
Steve Waterman Trumpet, Flugelhorn
Richard Iles Trumpet, Flugelhorn
Martin France Drums
Billy Buckley Electric Guitar
Ollie Collins Bass
Paul Kilvington Piano, Electric Piano, Keyboards
Josh Savage Percussion

Publisher: Universal Music Publishing

Label: EarlyBird Records GmbH

Producer: John Helliwell and Rob Buckland

Co-Producer: Raimondo Meli Lupi

Cover-Artwork: Lea Westphal

DOWNLOAD COVER SUPERbigTRAMPband


Die Reise des portugiesischen Musikers João Morais „O GAJO“ geht weiter mit seinem neuen Album „Trovoada“ ( zu deutsch: Gewitter), das den musikalischen und erstmals stimmlichen Horizont erweitert und seinen kreativen Abenteuergeist und Neugier widerspiegelt.

Neben der bekannten Viola Campaniça gesellen sich nun Akkordeon und das portugiesische Zupfinstrument Cavaquinho sowie eine Rhythmusgruppe zur Band, die ordentlich Groove und Power in die Musik bringen. Und erstmals wird gesungen bei O GAJO - und die Stimmen, teilweise solo von João Morais, teilweise im Chor, fügen sich wunderbar in die Musik, so zum Beispiel bei dem grandiosen Titel "Pedra sobre Pedra", an dessen Ende man schon den aufbrausenden Applaus des Publikums zu hören glaubt.

Trovoada ist das melodisch-rhythmische und im besten Sinne träumerisches Werk eines Projekts, das musikalisch auf höchstem Niveau überzeugt und in der portugiesischen Musikszene nicht mehr wegzudenken ist.( O GAJO wurden beim letztjährigen Iberian Festival Awards von der INATEL-Stiftung für ihre Rolle bei der Innovation der populären Musik ausgezeichnet).

O GAJO wächst im Rhythmus seiner traditionell inspirierten zeitgenössischen Musik und sind bereit, größere Bühnen zu erobern.

Auf geht’s Europa- kämpfen wir gegen den wachsenden Nationalismus mit der Musik von O GAJO.

João Morais (O Gajo) - Viola Campaniça, Bouzouki and vocals
Isaac Achega - Percussion
Francesco Valente - Bass
João Martins - Sanfona, Cavaquinho, Flute and Choir
Diana Ferreira - Adufe, Bagpipes and Choir

Formate: ONLY DIGITAL & VINYL !!

Tracks:
Side A:
01 - Baile de Búfalos - 2m10s
02 - Pedra sobre Pedra - 3m6s
03 - Filhos do Vendaval - 2m52s
04 - Flores Silvestres - 3m42s
05 - Marabunta - 2m43s
06 - Piratas do Tietê - 3m30s
Side B:
07 - Mar de Gente - 3m31
08 - Povo da Fenda - 3m25s
09 - Barca do inferno - 3m26s
10 - Carregando a Cruz - 3m16s
11 - Velho Tocador - 3m27s

Der Klang der Nelkenrevolution

Ihn bewegte Portugals Geschichte, Land und Stadt. Seine Lieder handeln von Liebe, Diktatur und Revolution. 

Pressetext:

"Stadt, ohne Mauern und Zinnen. Der Mensch, der dir in die Augen schaut und nicht leugnet" - so singt José Afonso seine Utopie in dem wunderschönen Album Como se Fora seu Filho.

Ursprünglich 1983 veröffentlicht, ist dieses vorletzte Album in José Afonsos Diskografie eine Reflexion über die Zeit und das Leben. Eine große musikalische Reise, auf der sein Genie einmal mehr auf die musikalische Richtung von Fausto, José Mário Branco und Júlio Pereira trifft.

Ein scharfer poetischer Blick auf die Konstruktion von Brüderlichkeit in einem Land, das hartnäckig auf ir de carrinho - („den Bach runtergehen“) - beharrt.

Die portugiesische Plattenfirma Mais 5 bringt uns nun die lang ersehnte Neuaflage dieses wichtigen Werks aus dem Katalog von José Afonso. Es erscheint am 20. Juni in einer remasterten Version auf CD, Vinyl und digitalen Plattformen

Eine Chance, dieses zeitlose Werk (wieder) zu entdecken, das uns immer wieder herausfordert - in den Worten des Liedes Utopia: que outro fumo deverei seguir na minha rota („welchem anderen Rauch soll ich auf meinem Weg folgen?“).

 FORMATE: CD / VINYL/ DIGITAL

  LP : 5600849680217 CD: 5600849680224

01 Papuça

02 Utopia

03 A Nau de António Faria 04 Canção da paciência 05 O País vai de carrinho 06 O canarinho

07 Eu dizia

08 Canção do medo

09 Verdade e mentira

10 Altos altentes

Candice Night kündigt mit „Sea Glass“ ihr erstes Soloalbum seit einem Jahrzehnt an 

Candice Night – die musikalische und unverwechselbare Stimme von Blackmore’s Night – meldet sich mit ihrem neuen Soloalbum „Sea Glass“ nach über einem Jahrzehnt zurück.

Ihr neues Soloalbum erscheint am 25. April 2025 bei earMUSIC als limitierte LP, CD-Digipak und digital.

Mit „Sea Glass“ erklimmt Candice Night einen neuen kreativen Gipfel. Inspiriert von musikalischen Abenteuern und den magischen Momenten des Familienlebens, fängt das Album das Leben ein – wie ein Kaleidoskop aus schimmernden Meerglasfarben, von denen jede ihren eigenen Zauber entfaltet. Mit scheinbarer Leichtigkeit verwebt Candice ihre Einflüsse und Erlebnisse zu einer Musik, die zugleich modern und zeitlos klingt.

Linernotes by Candice

In some of my darkest days, I take to the ocean and walk the sand...The healing

powers of the sea air and the sound of the waves were enough to soothe any soul.

Yet, over the last few years, I had noticed as I walked along the shore, very small

fragments of beautiful color amongst the beige sand and grey rocks. Almost invisible

upon first glance, I'd find a small piece of brilliant green or blue, or sometimes amber

browns only noticeable when held up to be illuminated by the sun. I felt as if I was on

a secret treasure hunt....gifts left by the ocean for only me to find if I looked hard

enough. The process took much time and a lot of walking and searching. Needles in

a haystack. Yet, it was so rewarding to find these jewels that the searching became

almost addictive. It was then I realized, these slivers of hope were actually just pieces

of broken glass, sea glass, that had been tossed away, shattered, smoothed by the

rapture of the waves, and returned back to the land, as gems, to be found with great

joy by someone like me. Delving deeper, I began to feel a deep kinship to the

process that lead these pieces here. We go through so much in life, we break, we

shatter, our pieces tossed and tumbled by forces all around us, smoothing our edges,

teaching us lessons. And though some pieces may be lost, most return to be

changed, different, worn by time, and yet...brilliant treasures in who we have become

for those who take the time to look and really see us. No longer lost upon the

sand...”Sea Glass” is for you to treasure...

Das Album vereint Rock- und Country-Elemente in Tracks wie der ersten Single ‚Angel and Jezebel‘ (auf dem Album in zwei Versionen enthalten) sowie feinfühligen akustischen Pop mit ‚Unsung Hero (She’ll Never Tell)‘.

Thematisch behandelt „Sea Glass“ Motive wie Verlust und Liebe (‚The Last Goodbye‘ – mit Ritchie Blackmore an der Gitarre) sowie die Bindung zwischen Eltern und Kindern und ihre Wünsche und Träume für die Zukunft (‚Promise Me‘, das passend von Candices Sohn und Tochter mitgestaltet wurde).

Webseite: Candice Night

Artist Collective re-interpreting the works of José Afonso for the 21st Century.

Wanderer Songs ist ein internationales Künstlerkollektiv, das sich im April 2024 auf den Azoren zusammenfand, um eine besondere Show zum 50. Jahrestag der portugiesischen Revolution vorzubereiten und die erste vollständige Veröffentlichung des Live-Konzerts des verstorbenen großen José Afonso im Lissabonner Coliseu von 1983 zu feiern. Mit Künstler:innen und Musiker:innen aus Portugal, Angola/Belgien, Asturien, Valencia und Mosambik feiert dieses einzigartige Konzert das Leben und die Zeit eines der größten portugiesischen Künstler des 20. Jahrhunderts, José 'Zeca' Afonso (1929-1987).

Tiago Correia-Paulo (musikalischer Leiter und Gitarrist) wird auf der Bühne von dem azorianischen Neo-Folk-Songwriter PS Lucas, dem Folk-Duo Lavoisier, der Sängerin Selma Uamusse, dem Singer-Songwriter Nacho Vegas sowie der Rhythmusgruppe von Augusto Macedo und Diogo Sousa begleitet.

Nástio Mosquito, der künstlerische Leiter, steuert außerdem eine Spoken-Word-Performance bei, bei der er seine Version von José Afonsos „Utopia“ vorträgt.
Die 14-tägige künstlerische Residenz gipfelte in dieser Performance, die von Nelson Canoa aufgenommen und abgemischt und über die Plattenfirma Mais 5 veröffentlicht wird, das gegründet wurde, um José Afonsos aufgenommene und verwandte Werke zu veröffentlichen.

Musical Director/ Arrangeur: Tiago Correia-Paulo

Creative Director: Nástio Mosquito

Musiker:innen:

JOSS STONE- "Never Forget My Love"- VÖ: 11.02.22

Bay Street Records| Membran

Es tut sich was bei der Soul-Ikone Joss Stone.  Die GRAMMY®-Gewinnerin ist seit 2021  nicht nur zum ersten Mal Mutter, sondern auch Siegerin des „Masked Singer“-Finales in Großbritannien.
Produziert wurde „Never Forget My Love, das auch Titelstück des gleichnamigen  Albums sein wird, von einem der populärsten Hitmacher unserer Zeit: dem Bay Street Records-Gründer und Musiker, Songwriter, Produzenten, Innovator und Eurythmics-Mitbegründer Dave Stewart.

Geschrieben wurde der Herzschmerz-Song gemeinsam von Stewart und Stone,  wie auch alle anderen Songs  für Never Forget My Love:

auf Akustikgitarre in den Dave Stewarts Studio Bay Street Studios auf den Bahamas. Anschließend nahmen sie alle Tracks im berühmten Blackbird Studio in Nashville auf, wo Joss Stone mittlrweile mit ihrer Familie lebt.

Das Album ist ihre erster Longplayer seit mehr als als fünf Jahren ("Water for Your Soul", 2015 )  sowie ihre erste erneute Zusammenarbeit mit Dave Stewart nach über einem Jahrzehnt, der gleichermaßen von ihren Fans wie der Presse gefeierten LP1 aus dem Jahr 2011.

Die Musik stammt von einer hochkarätigen Band von Session-Allstars, darunter Schlagzeuger Chad Cromwell (Neil Young, Joe Bonamassa), Bassist Michael Rhodes (Elton John, Willie Nelson) und Gitarrist Tom Bukovac (Taylor Swift, Kid Rock).
Über die Zusammenarbeit mit Dave Stewart meint Joss: „Dave und ich sind seit sehr langer Zeit gut befreundet und wir haben schon an verschiedenen Projekten zusammengearbeitet. Er hat dieses ruhige, entspannte Selbstvertrauen, das einen ermutigt, persönliche Geschichten zu erzählen. Er ist echt erfrischend und im Herzen jung.“ Die Musik beschreibt sie so: „Denken Sie an Dusty Springfield, Burt Bacharach, Dionne Warwick – diese Art von klassischen, zeitlosen Songs“.
Und Dave Sterwart gibt zu Protokoll:

„Joss und ich haben viele Abenteuer rund um die Welt beim Schreiben und Aufnehmen erlebt und wir haben immer jede Minute genossen. Wir sind wirklich beste Freunde, was das Ganze mühelos macht. Die Musik fließt ganz natürlich zwischen uns. Bei der Entstehung dieses Albums, 'Never Forget My Love', haben wir wie immer klein angefangen, nur wir beide haben mit einer Akustikgitarre geschrieben, aber wenn du diese einfachen Handy-Aufnahmen hören würdest, singen und schreien wir bereits Bläsersätze und Streicherarrangements dazu und jeder, der zuhört, würde uns für verrückt halten. Wir haben eine geheime Musiksprache und die ist so besonders. Ich bin besonders stolz auf dieses Album, da ich denke, dass wir in dieser Sammlung von Songs, die mit erstaunlichen Musikern und Orchesterarrangements aufgenommen wurden, die in den Sechzigern hätten geschrieben werden können und die beim ersten Hören so vertraut klingen, echte Magie eingefangen haben."
Joss Stone wird „Never Forget My Love“ und andere neue Songs ihres achten Albums weltweit bei Live-Konzerten vorstellen, darunter eine Co-Headline-Tour mit Corinne Bailey Rae. Updates und mehr auf jossstone.com.

 
| JOSS STONE BIOGRAPHY |

Joss Stone is a Grammy and Brit award-winning artist who released her star-making critically acclaimed debut album, The Soul Sessions, in 2003. Since then, she has released seven studio albums which have sold over 15 million copies worldwide.

Stone has kept the company of musical royalty, performing alongside legendary artists such as James Brown, Herbie Hancock, Stevie Wonder, Gladys Knight, Sting, Van Morrison and Melissa Etheridge. In addition, she has collaborated with and contributed to albums for many of the world's finest musicians, including Jeff Beck, Mick Jagger, and Damien Marley.

Stone has been known to experiment with different styles in her own work as well, and her albums feature an exciting patchwork of various influences, creating a catalogue characterized by the fusion of her powerhouse soul vocals with reggae, world music, and hip-hop soundscapes.

Soon she will release her eighth studio album, produced by Eurythmics’ Dave Stewart and written at Bay Street Studios, Bahamas and recorded at Blackbird Studios, Nashville. Discussing the collaboration, Stone says “Dave and I have been great friends for a very long time and we have worked together on various projects. He has this calm, quiet confidence that encourages you to tell your story. He is a breath of fresh air, very young at heart. And he always wants to lift you up.”

In addition to writing and recording new music, in the past year Stone has launched a successful podcast “A Cuppa Happy,” along with a weekly Facebook Live cooking show “Cooking With Joss,” and in February she won season two of the hit competition series The Masked Singer UK. In 2019 Stone completed her most audacious project to date - The Total World Tour - in which she performed and collaborated with local artists in over 200 countries around the world.

Aimee Mann "Queens of The Summer Hotel"- VÖ: 5.11.

Super Ego Records | Membran / The Orchard

Aimee Mann: "Ehrlich gesagt fühlte ich mich fast besessen, als ich diese Platte schrieb, denn ich habe noch nie so schnell und intensiv geschrieben. Ich fand das Material sehr interessant und offensichtlich sehr persönlich. Ich hatte bestimmte Vorstellungen davon, wie die Hintergrundgeschichte der Charaktere aussehen könnte, und habe viele gemeinsame Erfahrungen einfließen lassen, um bestimmte Charaktere, die in den Memoiren besprochen werden, mit Leben zu füllen.

Im März 2017 veröffentlichte Aimee Mann das Album Mental Illness das bis dato traurigste, ruhigste und akustischste Werk in der Karriere der US-amerikanischen Singer-Songwriterin. Es gewann einen Grammy für das beste Folkalbum. Am 5.11.21 folgt nun ihr neues Werk »Queens Of The Summer Hotel«, das als der »unfreiwillige zweite Teil« des Vorgängers beschrieben wird.
Das wiederum könnte an der Entstehungsgeschichte des Albums liegen: Mann begann 2018 mit dem Schreiben neuer Musik, als sie sich bereit erklärte, Songs für eine Bühnenadaption des Psycho-Dramas  »Girl, Interrupted« zu entwickeln. Der gleichnamige Bestseller stammt von der US-amerikanischen Schriftstellerin Susanna Kaysen und beschreibt deren Aufenthalt in einer psychiatrischen Klinik in den späten 1960er-Jahren
Mit dem Song »Suicide Is Murder« erschien im August die erste Single des Albums, eine traurige Klavierballade, die sich mit dem Thema Selbstmord und den psychischen Folgen für die Angehörigen auseinandersetzt.  Aimee Mann dazu: “I started to write this song because I’ve known people who committed suicide and friends who’ve had loved ones die from suicide,” Mann notes. “I think the phrase ‘suicide is murder’ took on a meaning for me as it’s the worst thing to have to deal with in the aftermath. It’s just terrible. Because every person who knows the person who committed suicide will blame themselves in some way for not noticing or stepping in or doing something. They’ll till the end of their days, say, ‘was there something I could have done?’”
Insgesamt warten 15 Stücke auf der Platte, ein Songzyklus gesungen von Mann und orchestriert von ihrem langjährigen Mitarbeiter Paul Bryan, der in Anspielung auf die theatralischen Ursprünge des Projekts Streicher und Holzbläser verwendete. Das Mixing von »Queens Of The Summer Hotel« übernahm der Produzent und fünffache Grammy-Gewinner Ryan Freeland.

AIMEE MANN—QUEENS OF THE SUMMER HOTEL
1. You Fall
2. Robert Lowell and Sylvia Plath
3. Give Me Fifteen
4. At The Frick Museum
5. Home By Now
6. Checks
7. Little Chameleon
8. You Don't Have The Room
9. Suicide Is Murder
10. You Could Have Been A Roosevelt
11. Burn It Out
12. In Mexico
13. Check (reprise)
14. You're Lost
15. I See You

LADY BLACKBIRD  "Black Acid Soul" 

Foundation Records | BMG  VÖ: 3.09. digital / 12.11. physisch

"Das Debütalbum des Jahres !" Matthias Wegner- DLF Kultur

“ The Grace Jones of Jazz ” - Gilles Peterson
"Every track a showcase for her knockout voice" - Uncut
"Blackbird has crafted a tremendous debut album" - Mojo
“A voice that is utterly mesmerising” - Record Collector

Lady Blackbird hatte nicht die Absicht, einen Soundtrack für eine ganze Revolution zu liefern. Aber im vergangenen Jahr ist genau das passiert, als die in Los Angeles lebende Sängerin Marley Munroe am 27. Mai 2020 ihre Debütsingle „Blackbird“ veröffentlichte. Die große Nina Simone sang das Original im Jahr 1963 auf dem Höhepunkt des Bürgerrechtskampfes. Fast sechs Jahrzehnte später verlieh die Ermordung von George Floyd durch einen weißen Polizisten zwei Tage vor der Veröffentlichung von Lady Blackbirds Version des Songs eine zufällige, aber nicht weniger starke, schreckliche und doch erhebende Kraft.
Quelle Internet / „blackthen.com" The meaning behind Simone’s song, “Blackbird” speaks to the struggles and pain of black women, as black birds. She expresses the pain of feeling unloved and uncared for, not understood. Black women face a triple jeopardy of race, class, and gender oppression, which is detailed by the term intersectionality. Simone’s lyrics express the collective pain of many black women, the words of her song speaking for themselves.
„Es gab so viele Emotionen", reflektiert Lady Blackbird über die Aufnahme, die sie zusammen mit dem Grammy-nominierten Produzenten Chris Seefried im legendären Studio B (aka ‚Prince's room‘) in LA's Sunset Sound aufgenommen hatten. Jazz, da gibt es für sie keinen Zweifel, hat Protest in seiner DNA. „Letztendlich tue ich, was ich tue, um zu unterhalten, nicht um irgendeine Art von Anführer zu sein. Das ist eine riesige Verantwortung. Ich möchte die Menschen mit meiner Musik berühren. Aber so eine Plattform zu haben und Menschen, die bereit sind, Dir und deiner Musik zuzuhören - das ist auch mit Verantwortung verbunden.“  
 „Blackbird“ war bereits ein paar Monate vor den Unruhen aufgenommen worden, die der Mord von Floyd ausgelöst hatte.  „Unglücklicherweise – und auf eine verabscheuenswerte Art - passte der Song im letzten Frühjahr so verdammt gut", fährt Lady Blackbird in ihrer für sie typischen Direktheit fort, die sie auch auf der Bühne zu einer temperamentvollen Erscheinung werden lässt.   „Es war immer einer meiner Lieblingssongs. Ich konnte ‚Blackbird' stundenlang über meine Kopfhörer hören, konnte ihn regelrecht fühlen und vollkommen darin eintauchen. Ich stellte mir vor, wie ich ihn auf der Bühne singen würde – das machte ich oft. Ich schließe meine Augen und stelle mir vor, wie ich bestimmte Songs auf der Bühne interpretiere. Und ich dachte: Diesen Song muss ich einfach machen."
Lady Blackbird ist nicht die ‚Nina Simone der Black Lives Matter-Ära‘. Aber sie ist ein Riesentalent, eine Naturgewalt und Persönlichkeit, die Gilles Peterson als ‚die Grace Jones des Jazz‘ bezeichnet hat – ein Quasi-Ritterschlag, der auch durch die Remixe ihrer letzten Single „Collage" von den Jazz- und House-Schwergewichten Bruise, Greg Foat und KDA eindrucksvoll untermauert wird.

THE THE- The Comeback Special  earMusic | Edel

Die ikonische britische Kultband THE THE rund um Matt Johnson wird am 29.Oktober ihr Doppel Live-Album "The Comeback Special- Live At The Royal Albert Hall" bei earMusic veröffentlichen.

Das Konzert in der Royal Albert Hall am 5. Juni 2018 war einer von drei Londoner Auftritten der Band im Rahmen der "Comeback Special"-Tour. Die beiden anderen fanden in der Brixton Academy und im Troxy statt. Alle drei waren innerhalb von Minuten nach Verkaufsstart ausverkauft.

Mit einem Headline-Auftritt beim dänischen Heartland Festival ein paar Tage vor dem Royal Albert Hall-Konzert traten THE THE zum ersten Mal seit 16 Jahren wieder live auf. Die verjüngte Band, bestehend aus den früheren Mitgliedern James Eller am Bass, DC Collard an den Keyboards und Earl Harvin am Schlagzeug sowie dem neuen Mitglied Barrie Cadogan an der Gitarre an der Seite von Matt Johnson, spielte das ganze Jahr 2018 über ausverkaufte Shows und trat bei Festivals auf der ganzen Welt als Headliner auf.
Was als unvergessliches Live-Erlebnis und einer der ersten Auftritte der Band nach 16 Jahren begann, wird nun zu einem außergewöhnlichen Live-Album, Film und Buch gebündelt. Um das "The Comeback Special" Erlebnis zu vervollständigen, werden THE THE auch eine Reihe von exquisit gestalteten und exklusiven Produkten auf den Markt bringen, die alle in Kürze im offiziellen Album Store erhältlich sein werden. Dazu gehört ein exquisit gestaltetes 136-seitiges Art Book mit 6 Discs, exklusiven Fotos, Audio-Inhalten sowie dem wunderschön gedrehten Film der Show von Regisseur Tim Pope.

“Part comeback, part requiem, all extraordinary”      – James Hall, The Telegraph

“Johnson’s great achievement is to have made a body of work that is completely original, yet flows smoothly into the slipstream of accessible, socially conscious alternative rock.”       – Will Hodgkinson, The Times

“THE THE sound very much like a band revitalized… Johnson may not have sung publicly for years, but there’s little doubt he’s been practising his scales in private.”    – Jeremy Allen, The Independent

Tracklisting
1.   Global Eyes
2.   Sweet Bird Of Truth
3.   Flesh & Bones
4.   Heartland
5.   The Beat(en) Generation
6.   Armageddon Days (are here again)
7.   A Long Hard Lazy Apprenticeship
8.   We Can’t Stop What’s Coming
9.   Phantom Walls
10. Love Is Stronger Than Death
11. Dogs Of Lust
12. Helpline Operator
13. This Is The Night
14. This Is The Day
15. Soul Catcher
16. Bugle Boy
17. Beyond Love
18. Slow Emotion Replay
19. (Like a) Sun Rising Thru My Garden
20. Infected
21. I’ve Been Waiting For Tomorrow (all of my life)
22. True Happiness (this way lies)
23. Uncertain Smile
24. Lonely Planet

Webseite:

www.thethe.com

 TOUMANI DIABATÉ & THE LONDON SYMPHONY ORCHESTRA "KÔRÔLÉN"

VÖ:23.04.2021   WORLD CIRCUIT | BMG

ANNOUNCEMENT LINK:  http://worldcircuit.lnk.to/korolen

Das für den 23. April via World Circuit geplante Album „Kôrôlén“ stellt eine ganz besondere Zusammenarbeit zweier musikalischer Weltgrößen dar: Dem aus Mali stammenden Grammy-ausgezeichneten Kora-Virtuosen Toumani Diabaté und dem renommierten London Symphony Orchestra, das durch seine klassischen Darbietungen auf unzähligen Alben,  Filmen und  Bühnen zu großer Bekanntheit gelangte.

Diabaté gehört der traditionellen Griot-Familie der Sänger, Dichter und Instrumentalisten an; seine musikalische Verwurzelung lässt sich über Generationen zurückverfolgen. Heute ist er als einer der kreativsten Musiker auf dem gesamten afrikanischen Kontinent bekannt, der den ikonischen Klang der Kora fast im Alleingang einem weltweiten Publikum näherbrachte. Als großer Freund von genreübergreifenden Kollaborationen hat er bisher zwei Grammy-ausgezeichnete Alben mit dem Wüsten-Blues-Pionier Ali Farka Tourè aufgenommen, sowie in verschiedenen Projekten mit internationalen Größen wie Taj Mahl, Björk, Béla Fleck, Damon Albarn oder Afrocubism gearbeitet.
Vom Londoner Barbican Centre als "special project" in Auftrag gegeben und produziert von World Circuit werden Toumani Diabaté und seine  herausragenden malischen Musiker (darunter Kasse Mady Diabaté und Lassana Diabaté) auf den Aufnahmen vom LSO begleitet;. Für die  Arrangements zeichnen Nico Muhly und Ian Gardiner verantwortlich,  der amerikanische Dirgient Clark Rundel, der für seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Elis Costello, Esperanza Spalding,  Brad Mehldau oder dem dem Wayne Shorter Quartet bekannt ist, leitete das Orchester.

Der von Diabaté  gewählte Albumtitel „Kôrôlén“ stammt aus der Sprache der Madinka ( einer Ethnie bzw. Sprache Westafrikas)  und lässt sich als „von den Ahnen überliefert“ übersetzen – ein passende Titel für ein Album, das historische Griot-Melodien und westliche Orchester-Arrangements zu einem spannenden "Afro-Neoklassik-Sound" vereint, der sowohl die Fans traditioneller afrikanischer Musik, als auch Liebhaber*innen neuer Klassik und Ambient ansprechen wird.
Afrikanische Musik hat bekanntermassen  diverse bekannte Dancegrooves hervorgebracht und  wie Toumani Diabaté bereits viellfach gezeigt hat, liegt ihrem kreativen Fluss auch ein sanfteres und meditativeres Element zugrunde. “There’s a mystic and classical side to African music, a divinity“, so der meistbewunderte Kora-Spieler der Welt.  “It is not only about dance, and people need to know this.“ Einer der Gründe, weshalb Toumani die Einladung zur Zusammenarbeit mit dem London Symphony Orchestra und  Clark Rundell ohne zu zögern annahm.

Kôrôlén ist eine äußerst gelungene Kollaboration aus westafrikanischer Griot/ Ieli-Tradition und europäischer Klassik, das im Jahr 2008 erstmals im Londomer Barbican aufgeführt wurde.

Toumani : “Look at this music in a new way, look at African music in a different way.”
Nie zuvor fand eine Kora ihren Einsatz als Soloinstrument in einem Symphonieorchester; eine Kombination, die sorgfältige Vorbereitung erforderte, eine gemeinsame Basis zwischen den improvisierenden und interpretativen Stärken überlieferter malischer Musik und den strukturierten Anforderungen einer orchestralen Partitur zu finden. Nachdem Toumani und Clark gemeinsam die Vorarbeit geleistet hatten, bezog man Ian Gardiner und Nico Muhly als Bindeglied zum LSO mit ein. „Wichtig war, eine Art von Musik für das Orchester zu komponieren, das den malischen Musikern genug Raum lassen würde, sich auszudrücken“, so Gardiner. Eine Herangehensweise, der auch Muhly folgte, um „ein disharmonisches Durcheinander bei der Kombination von nicht-westlichen Instrumenten mit dem Orchester zu vermeiden, sondern eine raffinierte Soundarchitektur zu schaffen, die Raum für klangliche Verzierungen und Einsätze lassen würde, auf die Toumani mit seinen Improvisationen reagieren konnte.“

So betrachtete man musikalische Lehren eher als grobe Richtlinie; sobald man die Arrangements vollendet hatte, kam der symbiotische Arbeitsprozess, eine gemeinsame Kommunikationsbasis zwischen zwei völlig unterschiedlichen Musiktraditionen zu finden, so richtig in Schwung. Toumani fügte den Arrangements seine eigenen Anpassungen hinzu, um die Improvisationen seiner Band besser ins Gesamtbild zu integrieren. Dabei bediente er sich Mitgliedern aus Malis renommiertesten Griot-Familien, darunter Gitarrist Fanta Mady Kouyaté, Balafon-Spieler Lassana Diabaté, Sänger Kasse Mady Diabaté (zu hören auf dem letzten Track), Ngoni-Spieler Ganda Tounkara und Percussionist Fode Kouyaté an der Kalebasse und der Tama.
„Unsere Musik ist älter als die von Bach“, erklärt Toumani sichtlich zufrieden. Gleichzeitig existiert sie jedoch im Moment und wird erst durch die Imaginationskraft dessen lebendig, der sie spielt. Und so veränderte die Musik einmal mehr ihre Form während der Proben unter Clark Rundells Taktstock. Je länger man zusammenarbeitete, desto intensiver begann das Orchester die unendlichen Möglichkeiten zu erforschen, die sich in der Zusammenarbeit mit Toumani und seinen Musikern boten; anfänglich noch zögerlich, später mit ständig wachsender Freude und Selbstbewusstsein.
Neben dem auf dem „Kôrôlén“-Album enthaltenen Konzert im Barbican wurden zwei weitere Symphonic-Shows in Liverpool und Oslo gespielt; jeweils in unterschiedlicher Orchesterbesetzung und in leichten Variationen der Stücke, wobei der musikalische Kern jedoch beibehalten wurde. Mit diesem Album ermutigt uns Toumani Diabaté, „afrikanische Musik aus einem neuen Blickwinkel zu betrachten“. Doch „Kôrôlén“ ist weitaus mehr als das. Das Album zeigt, wie die unterschiedlichsten Kulturen zusammenfinden können, um einen kollektiven Geist der Menschlichkeit zu erwecken, der die künstlichen Barrieren überwindet, die uns trennen. Etwas, was wir noch nie so dringend gebraucht haben, wie heute.
 

PAT METHENY „ROAD TO THE SUN“
VÖ: 05.03.2021 MODERN RECORDINGS / BMG
feat: Jason Vieaux and the Los Angeles Guitar Quartet

Es gibt nur eine Handvoll lebender Musiker*innen, die sich Jahr für Jahr neu erfinden. Noch weniger können von sich behaupten, über eine jahrzehntelange Karriere hinweg das gleiche Maß an Innovation und Exzellenz aufrechterhalten zu haben. Pat Metheny ist einer diese rar gesäten Künstler*innen, der den Anspruch auf eine derartige Zuschreibung erheben darf. Auf dem neuen Album „Road To The Sun“ überrascht er uns ein weiteres Mal mit seiner scheinbar endlosen Fähigkeit, neue Perspektiven und Sphären zu entwickeln und dabei dennoch den sofort wiedererkennbaren Metheny-Sound beizubehalten.
Mit zwei neuen Kompositionen, eingespielt von fünf der weltbesten klassischen Gitarristen, kartiert Metheny neue Wege, auf denen er die Grenzen zwischen den Genres auflöst und gleichzeitig neue Facetten seiner bereits jetzt umfangreichen persönlichen Sprache enthüllt: 

Für die viersätzige Suite für Solo-Gitarre, Four Paths Of Light, konnte Metheny den Grammy-Gewinner Jason Vieaux gewinnen, von NPR Music als der „vielleicht präziseste und gefühlvollste klassische Gitarrist seiner Generation“ bezeichnet.
Das Herzstück dieser wegweisenden Aufnahme ist Road To The Sun, ein Werk in sechs Sätzen für das ebenfalls Grammy-prämierte Los Angeles Guitar Quartet LAGQ – Metheny nennt sie „eine der besten Bands der Welt“.

Road To The Sun ist nichts weniger als eine weitere, großartige Pat Metheny-Platte, die neben Secret Story, Bright Size Life, 80/81, One Quiet Night, Still Life (talking), Song X und allen anderen als erneut unerwartbare und mit Absicht unergründliche Wendung gelten wird. Eben unvermeidlich für dieses Genre, das nur ein gemeinsames Element hat: Metheny selbst.

Metheny über Road To The Sun:
„Zu Beginn, als ich anfing zu schreiben, suggerierten mir die Jungs vom LAGQ, dass sie auch mit einem 5- oder 7-minütigen Stück glücklich wären. Bevor ich es merkte, war ich aber mitten in einem fast 30-minütigen, sechssätzigen Traktat darüber, was in einem Multi-Gitarren-Format alles möglich wäre. Ich habe mich voll auf diese großartige Gelegenheit gestürzt, mir vorzustellen, wie diese vier außergewöhnlichen Gitarristen klingen könnten, wenn sie diese Noten spielen. Das Stück strömte buchstäblich heraus. Aber so sehr ich auch nach dem scheinbar naheliegenden Material für diese Instrumentierung und diese speziellen Musiker suchte, so wichtig war es mir auch, diesen narrativen, erzählerischen Aspekt der Musik beizubehalten, den ich immer zu erreichen hoffe, unabhängig von der Besetzung.“

Label: Major Music Vertrieb: EDEL

YouTube Kanal: Pure Desmond

Pure Desmond
Lorenz Hargassner - Altsaxofon

Johann Weiß - Gitarre


Christian Flohr - Kontrabass

Sebastian Deufel - Schlagzeug

„Geschüttelt, nicht gerührt“ - Der bekannteste Geheimagent der Welt mit der Nummer 007 ist ebenso ein Inbegriff für Stil und Geschmack wie der Sound des Saxophonisten Paul Desmond (1924-1977), der selbst wie ein „Dry Martini“ klingt.
Das Lebensgefühl der mondänen Agentenfilme mit seinen Szenen in glamourösen Casinos passt so perfekt zu der eleganten klassischen Jazz-Musik von pure desmond, dem preisgekrönten Ensemble aus Deutschland, das sich in seinem neuen Album den legendären Songs zur Filmreihe widmet.
Vom aktuellen „No Time To Die“ des amerikanischen Shootingstars
 Billie Eilish bis zur ursprünglichen Musik der 1960er-Jahre reicht die Bandbreite der Kompositionen, die auf dem Album „pure desmond plays James Bond Songs“ in der brillanten Cool Jazz Qualität glänzen.

„From Russia With Love“ wird in der Version des Quartetts ein luftiger Samba mit einer Prise subtilen Humors, wie es der Saxophonist des Dave Brubeck Quartet vielleicht selbst interpretiert hätte. „Tomorrow Never Dies“ verwandelt sich zu einer Jazz-Ballade.
In der 60-jährigen Geschichte der Filme dieser Reihe spiegelt sich die Entwicklung der populären Musikgeschichte ebenso wieder wie der technische Fortschritt in den Gadgets der Bond-Autos. War die anfängliche Titelmusik zu „James Bond jagt Dr. No“ noch ein instrumentales Big Band Arrangement mit klaren Jazz-Bezügen, so sind Werke wie „Die Another Day“ von Madonna oder „You Know My Name“ von Chris Cornell Klassiker für ihre Zeit und ihr Genre.

Die vier Musiker von pure desmond schaffen den Spagat zwischen diesen vielen verschiedenen musikalischen Welten und verbinden sie durch ihre instrumentalen Bearbeitungen im modernen Cool Jazz Sound zu etwas Neuem. 
Mit ihren Interpretationen nehmen sie uns mit auf eine Fahrt durch die Welt von James Bond – voll fieser Bösewichter, rasanter Verfolgungsjagden, luxuriöser Reisen und romantischer Flirts.
Doch was wären die Songs der „motion pictures“ ohne bewegte Bilder? Das neue Album ist auch hier etwas ganz besonderes. Die Künstler haben die schwierigen Zeiten ohne Auftritte  dieses Jahres genutzt, um die Musik an stimmungsvollen Originalschauplätzen und live und in Farbe aufzunehmen. Die Qualität der Interaktion und der musikalischen Übereinkunft dabei zeigt erneut die Reife der Band, die bald ihr 20-jähriges Jubiläum feiert.

„Eine edle, kammermusikalische Ästhetik: durchsichtig, überschaubar, linear, kontrolliert emotional und zurückgelehnt bis zur totalen Entspannung“, so beschreibt die Jury zum „Preis der deutschen Schallplattenkritik“ den raffinierten Klang des Ensembles.
„Während die Musiker bestens miteinander harmonieren und korrespondieren, entstehen beim Hören zahlreiche Bilder vor dem inneren Auge“, so konstatieren die Badischen Neuesten Nachrichten nach einem Konzert von pure desmond mit ihrem gefeierten letzten Programm „Audrey“ im Staatstheater Karlsruhe.
Zu diesen inneren Bildern gesellen sich nun äußere dazu – von dunklen Gewölben, Militärmaschinen oder abgelegenen Berghotels, wo sich das kriminelle Jet-Set ein Stelldichein gibt. Denn in solchen atmosphärischen Kulissen sind zu den Live- Performances kleine Filme entstanden, die nun auf dem eigenen YouTube-Kanal von pure desmond zu sehen sind.

Plattenfirma: earMusic / Edel

Der legendäre Gitarrist Al Di Meola begrüßt das neue Jahrzehnt mit Across The Universe, seinem neuen Studio-Album zu Ehren der Beatles. Es ist der lang erwartete Nachfolger seines 2013er Albums All Your Life: A Tribute to the Beatles.

Al Di Meolas außergewöhnliche Fähigkeiten am "Griffbrett" werden nur von seiner Wertschätzung der Beatles übertroffen, die Generationen von Musikern und Musikliebhabern geprägt und inspiriert haben.

Across The Universe ist eine Retrospektive aus Di Meolas fast 50 Jahre währender Karriere, die durch seine virtuosen Arrangements der 14 Beatles-Songs zum Ausdruck gebracht wird. Das Album entführt auf eine Reise mit einem der profiliertesten Gitarristen der USA, auf der er große Hits sowie unbekanntere Stücke der genialen Fab Four aufgreift, die auch dazu beigetragen haben, den Musiker und Menschen zu prägen, der Al Di Meola heute ist.

Across The Universe ist ein weiterer Meilenstein, den Al Di Meola zu seinem Katalog von mehr als dreißig Solo-Alben und der Zusammenarbeit mit Ikonen wie Chick Corea, John McLaughlin, Stanley Clarke, Paco De Lucia und vielen weiteren hinzufügen kann. Auf ein Neues stellt er seine Faszination mit rhythmisch komplexen Synkopierungen in Kombination mit schwärmerischen Melodien und verschachtelten Harmonien zur Schau. Beatles-Fans, Gitarren- und Musikliebhaber können allesamt das Unerwartete erwarten, wenn sie sich auf die Reise in das Universum von Across The Universe begeben. Und mit Blick auf einzigartige Leben von John Lennon, stellt das Albumcover eine Hommage an den Musiker und das legendäre Cover seines 1975er Solo-Albums Rock ‘n’ Roll da.

Al Di Meola ist eine lebende Legende, gefeiert als Pionier eines einzigartigen Stils von makelloser Gitarrentechnik in Kombination mit einer raffinierten, universellen Musiksprache, die die Herzen des Publikums auf der ganzen Welt erobert. Er ist GRAMMY-Award Gewinner, drei Alben mit Goldstatus und weltweit über sechs Millionen Alben verkauft. Auch seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Paul Simon, Phil Collins, Stevie Wonder, Jimmy Page, Santana, Steve Winwood, Herbie Hancock, Frank Zappa, Luciano Pavarotti hat dazu beigetragen Al Di Meola zu einem der ganz großen Namen zu machen.
Verschiedene Genres wie Flamenco, Latin, Fusion, Jazz, Rock und Weltmusik virtuos umspannend, hat Al Di Meola wieder eine Glanzleistung vollbracht, um die Grenzen neu zu definieren und zu zeigen, was auf einem 6-Saiter möglich ist. Wie bei allen seiner hochgelobten Werke, bietet er auch auf Across The Universe einen Fundus an ausgeklügelten Instrumentierungen, mit dem er die kreativen Neuinterpretationen der Beatles-Songs in erstaunliche Höhen treibt.


„Es ist der Verdienst der Beatles, dass ich heute Gitarre spiele“, sagt Di Meola. „Sie waren für mich die treibende Kraft, um anzufangen das Gitarrenspiel zu lernen und hatten einen starken prägenden Einfluss auf mich.“

Kurzbio:

Al Di Meola gehört zu den einflussreichsten Jazz-Gitarristen aller Zeiten. Der In New Jersey geborene Al Laurence Dimeola studiert ursprünglich am Berklee College of Music in Boston und konzentriert sich stilistisch auf Fusion und Jazz. Bereits im Alter von 19 Jahren wird er in die Musikgruppe Return to Forever des legendären Chick Corea aufgenommen. Unter anderem sind auch Stanley Clarke und Lenny White Teil der Formation, die 1975 den Grammy für die Beste Jazz-Performance erhalten soll.

Mit den Gitarristen John McLaughlin und Paco de Lucía nimmt er 1981 das populäre Live-Opus Friday Night in San Francisco auf. Auch mit dem akustischen Gitarrentrio The Trio ist er unterwegs und behält über die Jahre die kreative Motivation in seinen virtuosen Darbietungen bei. Heute tourt er mit seinem Al Di Meola Quintett durch die Welt.

Seitenwechsel:
Rolf Kühns Album „Yellow + Blue“
mit Frank Chastenier (Piano), Lisa Wulff (Double Bass) und Tupac Mantilla (Percussion, Body Percussion, Drums)

Ruhe und Aufbruch. Erfahrung und Neugierde. Body and Soul.
Rolf Kühn findet solche Gegenpole extrem anziehend. Und so improvisiert und bewegt sich der 88-Jährige mit seinem Album „Yellow + Blue“ einmal mehr durch musikalisches Neuland. „Europas größter Klarinettenspieler und Freigeist“ (Jazzthetik) spielt auf seinem neuen MPS-Album Balladen und legendäre Love Songs, in die er innig eintaucht, denen er aber auch neue, ungehörte Töne entlockt. Denn eine sentimentale Rückschau ist nicht sein Ding. In seinem neuen Quartett mit Pianist Frank Chastenier, Bassistin Lisa Wulff und Tupac Mantilla (Percussion) kontrastiert Rolf Kühn seine empfindsame Seite vielmehr mit ungebremster Experimentierlust.

„Für das Album habe ich einige meiner absoluten Lieblingsballaden ausgewählt, losgelöst von irgendwelchen Trends sind sie für mich einfach berührend und zeitlos schön“, sagt Kühn, „und besonders reizvoll fand ich, diese Auswahl mit meinen aktuellen Kompositionen zu kombinieren.“
„Both Sides Now“, ein Klassiker aus dem Songbook von Joni Mitchell, eröffnet das Album. Kühn mag den poetischen Text: „Im Leben gibt es irgendwie doch immer beide Seiten, aber am schönsten ist es, wenn sie einander sogar bereichern und fließend ineinander übergehen können, um etwas ganz Neues entstehen zu lassen.“

Der Titelsong „Yellow + Blue“, eines von fünf neuen Stücken, bringt beide Perspektiven auf den Punkt: Das Weiche, Zarte, die warme bluesige Klangfarbe Blau steht neben dem Grellem, dem impulsiv Leuchtenden. Und aus diesem Kontrast wird wiederum eine neue musikalische Farbe.

Die grenzenlose musikalische Neugier des 1929 in Köln geborenen Sohns eines Zirkusakrobaten wird von seinen an Jahren deutlich jüngeren Mitmusikern mit spürbarer Gegenliebe aufgenommen. Wie schon bei seinen letzten Einspielungen für das Label MPS/Edel („Stereo“, 2015 und „Spotlights“, 2016), mit ihren fliegend wechselnden Konstellationen aus Duo, Trio oder Quartett entfaltet der zweifache ECHO-Preisträger auch diesmal wieder „große Musik in kleinen Besetzungen“ (WAZ) – und kreiert dabei überraschende Klangfarben und Instrumentierungen. „Schon der erste Probentag war einfach purer Spaß für uns alle. Ich spüre sofort, ob im Studio die Chemie stimmt. Hier war es vom ersten Moment an ein Ideen-Austausch auf Augenhöhe, geprägt zugleich von einer ungewöhnlichen Vertrautheit“, schwärmt Kühn.

Der Klarinettist kann bei jedem der Titel, den er interpretiert, die Zeit der Entstehung noch mit eigenen Erinnerungen anfüllen. Gelebte Jazz-Geschichte.  Dabei reicht das Repertoire von den „Angel Eyes“, populär geworden durch Frank Sinatra, über die Michel-Legrand-Komposition „What Are You Doing The Rest Of Your Life?“ bis zum Song „I’m Through With Love“, den vor allem Marilyn Monroe im Billy-Wilder-Film „Manche mögen’s heiß“ unsterblich gemacht hat.

Erstmals in seiner langen Karriere hat Kühn endlich auch eine Version von „Body And Soul“ auf CD eingespielt, die Jazz-Ballade par excellence. Auch hier gilt für den Jazzklarinettisten, der sich auf seinem Instrument immer noch als Lernender sieht: Jedes Stück hat seine Unschuld, etwas Pures, dem er auf den Grund gehen möchte. „Der Text ist dabei für mich ganz wichtig. Ich habe ihn beim Spielen immer im Kopf. Und wie schaffe ich es dann, dass die Klarinette in ihrer ganzen Fülle wie eine menschliche Stimme klingt?“

Rolf Kühn, „Deutschlands coolster Jazzer“ (Die Welt),  der im Orchester von Benny Goodman noch die Swing-Ära miterlebte und sich dann in allen Spielarten des Modern Jazz weiterentwickelte, agiert heute freier und mutiger denn je. Und das neue Album „Yellow + Blue“ zeugt zugleich von einer nun schon mehr als 70 Jahre andauernden Affäre – der unstillbaren, aufregenden Liebe zu seiner ältesten Lebens-Freundin, der Klarinette.