Label: Jazzhaus Records

Vertrieb: in-akustik ( physisch )   The Orchard (digital )

Der Sound des dänischen Quartetts Abekejser funktioniert ähnlich wie die Playlisten junger Digital Natives – Genregrenzen interessieren hier niemanden mehr, solange die Zutaten Spaß machen: Schwere Hip Hop Beats treffen auf knarzende Synthie-Sounds, verhallte Rock-Gitarren und einen raumfüllenden Bass. Heraus kommt ein höchst tanzbarer Cocktail zwischen Jazztronica und Neo-Soul, dessen catchy Melodien ihre komplexen musikalischen Strukturen erst nach und nach preisgeben!

Auf der Bühne entfaltet dieser Sound absolut mitreißende Wirkung, die ihre Liveshows regelmäßig in euphorischen Happenings verwandelt.  Nachdem ihr 2019 erschienenes Debutalbum „Floating Through The Universe“ in der skandinavischen und englischen Jazzszene bereits spürbare Wellen geschlagen hat, kündigen Abekejser nun für September 2021 die Veröffentlichung ihres neuen Albums „Blueprint“ an.

Abekejser gründeten sich 2015 im dänischen Aarhus, der Stadt mit der derzeit heißesten Musikszene Skandinaviens. Die vier jungen Musiker mit Background in Jazz und World Music kannten sich bereits durch die Zusammenarbeit in diversen anderen Formationen und beschlossen ihre individuellen Ideen in einer gemeinsamen musikalischen Vision zu bündeln. Klar war von vorneherein, dass der Sound der neuen Band auf der Höhe der Zeit sein und die Vorlieben jedes Mitglieds transportieren musste. Der bewusst elektronisch gehaltene Ansatz der Band spiegelt dies in Instrumentierung und Produktion wider – ein urbanes Universum zwischen Jazz, Beats und Elektronica, das musikalische Gemeinsamkeiten mit Bands wie Snarky Puppy, Jaga Jazzist oder Tastenvisionär Robert Glasper teilt und doch ganz eigenen Regeln folgt. Welcome in the world of Abekejser
Die Band hat die pandemiebedingte Zwangspause bestmöglich genutzt und hart an der Musik ihres neuen Albums „Blueprint“ gearbeitet, das Ende August 2021 erscheint. Eine gute Einstimmung auf das Album geben die Vorabsingles “The Outlaw” und “Hey Girl”, die beide von animierten Videos begleitet werden.

About
Abkejsers Debutalbum “Floating Through The Universe” wurde bei seiner Veröffentlichung im Oktober 2019 von der Kritik in Skandinavien als auch in der umtriebigen britischen Jazz Szene begeistert aufgenommen und führte die Band zum Gewinn des dänischen “Jazznytprisen” Awards als „best jazz act of 2019“. Das Album wurde von einem animierten Musikvideo begleitet.
Die Band hat seitdem vier weitere Singles veröffentlicht in Scandinavien und Europa getourt, darunter Konzerte in renommierten Häusern wie DR Koncerthuset, Jazz House Montmartre, The DOM Moscow (im Rahmen einer 10-tägigen Russland Tour), sowie Festival Auftritte beim  Oslo Jazzfestival, Altonale Festival Hamburg und dem SPOT Festival in ihrer Heimatstadt Arhus.

Abekejser sind:
Jeppe Lavsen (git)
Jon Døssing Bendixen (keys)
Adrian Christensen (b)
Frederik Bülow (dr)

Website
www.abekejser.com

Facebook
www.facebook.com/Abekejser

Instagram
www.instagram.com/abekejsermusic

Die ikonische britische Kultband THE THE rund um Matt Johnson wird am 29.Oktober ihr Live-Album "The Comeback Special- Live At The Royal Albert Hall" bei earMusic veröffentlichen.

'Sweet Bird Of Truth' ist ab sofort auch als Single auf allen Streaming- und Download-Diensten erhältlich: https://TheThe.lnk.to/SweetBirdOfTruth
Das Konzert in der Royal Albert Hall am 5. Juni 2018 war einer von drei Londoner Auftritten der Band im Rahmen der "Comeback Special"-Tour. Die beiden anderen fanden in der Brixton Academy und im Troxy statt. Alle drei waren innerhalb von Minuten nach Verkaufsstart ausverkauft.

Mit einem Headline-Auftritt beim dänischen Heartland Festival ein paar Tage vor dem Royal Albert Hall-Konzert traten THE THE zum ersten Mal seit 16 Jahren wieder live auf. Die verjüngte Band, bestehend aus den früheren Mitgliedern James Eller am Bass, DC Collard an den Keyboards und Earl Harvin am Schlagzeug sowie dem neuen Mitglied Barrie Cadogan an der Gitarre an der Seite von Matt Johnson, spielte das ganze Jahr 2018 über ausverkaufte Shows und trat bei Festivals auf der ganzen Welt als Headliner auf.
Was als unvergessliches Live-Erlebnis und einer der ersten Auftritte der Band nach 16 Jahren begann, wird nun zu einem außergewöhnlichen Live-Album, Film und Buch gebündelt. Um das "The Comeback Special" Erlebnis zu vervollständigen, werden THE THE auch eine Reihe von exquisit gestalteten und exklusiven Produkten auf den Markt bringen, die alle in Kürze im offiziellen Album Store erhältlich sein werden. Dazu gehört ein exquisit gestaltetes 136-seitiges Art Book mit 6 Discs, exklusiven Fotos, Audio-Inhalten sowie dem wunderschön gedrehten Film der Show von Regisseur Tim Pope.

“Part comeback, part requiem, all extraordinary”      – James Hall, The Telegraph

“Johnson’s great achievement is to have made a body of work that is completely original, yet flows smoothly into the slipstream of accessible, socially conscious alternative rock.”       – Will Hodgkinson, The Times

“THE THE sound very much like a band revitalized… Johnson may not have sung publicly for years, but there’s little doubt he’s been practising his scales in private.”    – Jeremy Allen, The Independent

Das Tracklisting der Live-Performance über alle Formate hinweg lautet wie folgt:
1.   Global Eyes
2.   Sweet Bird Of Truth
3.   Flesh & Bones
4.   Heartland
5.   The Beat(en) Generation
6.   Armageddon Days (are here again)
7.   A Long Hard Lazy Apprenticeship
8.   We Can’t Stop What’s Coming
9.   Phantom Walls
10. Love Is Stronger Than Death
11. Dogs Of Lust
12. Helpline Operator
13. This Is The Night
14. This Is The Day
15. Soul Catcher
16. Bugle Boy
17. Beyond Love
18. Slow Emotion Replay
19. (Like a) Sun Rising Thru My Garden
20. Infected
21. I’ve Been Waiting For Tomorrow (all of my life)
22. True Happiness (this way lies)
23. Uncertain Smile
24. Lonely Planet

Webseite:

www.thethe.com

Das Stürmen und Drängen in rasendem Tempo und wilder Expression, 
es durchzieht die gesamte Musikgeschichte - 
von den rituellen Tänzen archaischer Kulturen bis zu den Exzessen der Rockmusik unserer Tage. 
Nervöse Tremoli, panische Synkopen, herbe Unisoni, abrupte Wechsel zwischen Piano und Forte, 
das Unberechenbare. Tempo und Leidenschaft - Sturm und Drang. 
   Klaus Meyer/Bayerischer Rundfunk

Manifest:

In der Literatur wandten sich die Stürmer und Dränger von einer allzu starren Form der Poetik ab und setzten eine individuelle, künstlerische Form dagegen. Auch in der Musik sollte der schöpferische Genius sein künstlerisches Schaffen keinen strengen Regeln unterwerfen, sondern frei mit diesem hantieren und in Instrumentation wie Dynamik extreme Gegensätze herausbilden können. Dynamik ist ein gutes Thema: In den loudness wars unserer Tage wird das Mastern einer Musikproduktion beherrscht von einer Kompression, die nur noch das Ziel hat, einen steady flow von maximalem Druck zu erzeugen, dem Gehör nicht einen Moment Ruhe lassend. Doch auch das Ohr möchte atmen, umspielt werden, der Geist möchte sich verlieren und nicht nur bedröhnt werden.

Im Sturm und Drang wurde eine neue musikalische Empfindsamkeit gesucht. Musik sollte nicht mehr nur den Menschen bewegen, der Mensch sollte sich selbst in der Musik ausdrücken, seinem Genie folgen. Der Ratio (der Aufklärung) wird die Emotion beigestellt: Sinnlichkeit, Spontaneität und Selbstverwirklichung des Individuums rücken in den Vordergrund. Melodik, die Wahl der Instrumente (Fortepiano!) und Dynamik (Crescendo!) werden als Mittel eingesetzt, um persönliche Gefühle zu verdeutlichen. Ebenso wichtig ist im Sturm und Drang die Natur: Sie wird als Inbegriff alles Lebendigen und Schöpferischen, auch im Menschen selbst, anerkannt. Und schon sind wir wieder im Heute und bei den OhOhOhs.

Der Berg ruft!

Florian Wäldele und Florian Dreßler haben sich beim Freeclimbing kennen gelernt. Ihre Wanderjahre verbrachten sie im Gebirge: Der Mensch alleine am Fels wird eins mit der Natur. Mit unbändigem Drang nach Freiheit spürt er eine einzigartige Lebendigkeit bei gleichzeitig hohem Risiko. Diese Ausbrüche kann sich nur leisten, wer sich mit seiner Angst auseinandersetzt, Gefahr und Risiko gut einschätzt und eine hohe Selbstkontrolle besitzt. Es ist gleichzeitig ein Ausbruch aus der Welt des Konsums, denn dieses Erlebnis ist nicht einfach zu haben, man kann es nicht kaufen. Es mag pathetisch klingen: Am Fuß eines Felsen entstand die Idee, die zur Gründung der OhOhOhs führte. Hier findet sich ein erster Hinweis auf die „Körperlichkeit“ ihrer Musik: Piano und Schlagzeug halten sich im perfekten Gleichgewicht, sich immer wieder aufbauende Crescendi verlangen Fingerspitzengefühl wie auch Muskelkraft. Ein Stürmen und Drängen auch hier.

Liberté, Égalité, Fraternité!

In der Wand kennt der Kletterer nur den Weg nach oben. Es entsteht eine ungeheure Dynamik, es ist die Auflehnung gegen die Schwerkraft. Wieder eine Parallele zu ihrer Musik und zum Genie-Kult: Ein jeder ist für sich einzigartig und in der Lage, Großes zu schaffen. Diesen Ansatz sollte man nicht mit Überheblichkeit gleichsetzen, denn eine der Prämissen des Sturm und Drangs war die Kernaussage der französischen Revolution: Wir sind alle gleich! Dies als Kritik an der absolutistischen Monarchie wie auch den sich formenden Regeln des aufkommenden Bürgertums. Und heute gesellt sich bei den OhOhOhs eine Kritik am bürgerlichen Kunstbetrieb dazu: „Wir lassen uns kein E für ein U vormachen oder umgekehrt“, sagen sie. Damit fordern sie die Aufhebung der Unterteilung in E- und U-Musik und stellen die Frage: Warum gibt es überhaupt diese hierarchische Unterteilung? Warum soll europäische Musik/Harmonik/Harmonielehre mehr „wert“ sein als zentralasiatische oder indische Kunstmusik oder komplexe Rhythmen aus Afrika? The OhOhOhs wollen die Angst vor der „Heiligkeit“ klassischer Musik aufbrechen und sich gleichzeitig von den großen Meistern inspirieren lassen. Natürlich behält das „Original“ weiter seine Wertigkeit und wird nicht durch die Neuinterpretation „ersetzt“ - man MUSS beides zusammen denken, denn jeder Musik ist ein Zauber inhärent.

Wie wäre es, die „klassische“ Musik von der Emotion her zu denken? In der klassischen Musik findet sich wie sonst kaum eine immense Vielfalt an weitentwickelten musikalischen Gedanken, Konzepten und Strukturen. Hier werden Gefühle und Gedanken in all ihren menschenmöglichen Feinheiten und Nuancen zum Klingen gebracht.

Auf der Suche nach dem unendlichen Groove

Ebenso fein und hochentwickelt, als eine der Grundeigenschaften allen Lebensgeschehens, ist die Welt des Rhythmus. Hier wird die Vereinigung von Musik und Sprache möglich, hier findet sich in der populären Musik eine schier endlos verästelte Vielfalt von „Groovemusik“. Groovemusik benutzen The OhOhOhs als Chiffre für alle möglichen Musiken mit Betonung auf dem Rhythmus – von analog gespielten Live-Techno-Acts über das Erlernen von Santería-Trance-Ritualen auf Kuba bis hin zu dem Spiel mit polymetrischen Patterns – die Beatmusik spricht den Körper an und mithin archaische Instinkte.

Und es schließt sich der Kreis: In der Symbiose von Klassik und Groovemusik findet das junge Frankfurter Duo ein reiches Inspirationsfeld, die Gelegenheit, Neues zu erschaffen, dabei immer die Emotion im Fokus behaltend.

Konzertante Clubmusik!

Auf der Bühne stehen sich zwei Instrumente gegenüber: der Konzertflügel und das Schlagzeug, dazu weitere Perkussionsinstrumente und Sampler. Die Ursuppe allerdings wird auf Piano und Drums gekocht. Vom Techno kommend sind die Musiker den Weg gegangen, die „wildeste“ elektronische Musik analog auf ihrem Instrumentarium zu spielen. Mit spielerischer Art beginnen sie ihre Kommunikation, die sich bald in eine Kommunion verwandelt. Kommunion untereinander wie auch mit dem Publikum, das es oft nicht auf den Sitzen hält, denn der Bauch wird ebenso angesprochen wie der Kopf: Die Musik der OhOhOhs ist ohne Kontextualisierung verständlich. Ihre Dynamik packt mit nach vorne treibenden Melodien und Rhythmen, mit Crescendi, mit Brüchen, die ein Thema im flüsternden Piano oder sogar ganz verschwinden lassen, um es im Anschluss wieder neu aufzubauen. Es ist ein Prozess des immer wieder neuen Formierens, des Auf-die-Suche-Gehens, der überraschenden Verzauberung. The OhOhOhs wagen den Versuch, den Konzertsaal zum Club und den Club zum Konzertsaal mutieren zu lassen. Bei ihnen wird Tanzmusik konzertant interpretiert und andersherum. Der schamanistische Zauber repetitiver Beats kommt ebenso zur Geltung wie das intime lyrische Spiel des Flügels. Dabei schauen die alten Meister nur über die Schulter, denn The OhOhOhs schöpfen vor allem aus ihrem eigenen Repertoire an Kompositionen.

Die Ästhetik elektronischer Rhythmik des Perkussionisten Florian Dreßler wird mit dem klassischen Klavier von Florian Wäldele kombiniert. Zwei Welten treten diskriminierungsfrei in einen Dialog, und in Zeiten der bisweilen Legitimitätskrise der Klassik respektive ihrer Aufführungsorte ( Subventionen, Elfenbeinturm..) soll der Musik der alten Meister ihr einst populärer Charakter wiedergeben werden, ohne sie dabei zu banalisieren.

WEBSEITE:

https://www.theohohohs.de

FJARILL- POËSI VÖ: 30.04.2021 
Butter & Fly Records | Indigo

Webseite: fjarill.de

Wie bleibt die Kunst lebendig? Indem wir sie immer wieder lesen, hören und betrachten. Indem Worte, die vor langer Zeit geschrieben wurden, ganz unmittelbar in uns anklingen. Und besonders beglückend ist es, wenn die Kunst sich selbst fortschreibt. Wenn vergangene Werke zu neuen inspirieren. Insofern ist es ein wunderbar bewegendes Ereignis, wie das Hamburger Singer-Songwriter-Duo Fjarill nun Gedichte von Nelly Sachs und Pär Lagerkvist vertont hat. Ihr neuntes Album „Poësi‟ verbindet tieftraurige und traumschöne Lyrik mit einer ganz eigenen vielschichtigen Klangwelt zwischen Folk, Pop, Jazz und Klassik. Die schwedische Sängerin und Pianistin Aino Löwenmark wandelt gemeinsam mit der südafrikanischen Violinistin Hanmari Spiegel so kunstvoll zwischen damals und heute, bis eine absolut zeitlose Magie entsteht. Poesie eben.

Sowohl Nelly Sachs als auch Pär Lagerkvist sind 1891 geboren. Und beide erhielten Mitte des 20. Jahrhunderts den Nobelpreis für Literatur. Doch neben diesen biographischen Gemeinsamkeiten ist es vor allem der dichterische Geist, der Fjarill fasziniert. „Beide behandeln vergleichbare Themen: Warum existieren wir auf dieser Erde? Welche Stärke entwickeln wir in schwachen Momenten? Leben wir intensiver im Angesicht des Todes?‟, sagt Aino Löwenmark. „Das sind Fragen, die uns in der Corona-Zeit noch einmal verstärkt beschäftigen.‟ Um die inhaltliche Beziehung von Sachs und Lagerkvist zu illustrieren, wachsen die beiden Dichter-Namen im Artwork des Albums zum Stamm eines Baums zusammen. Eine Basis, aus der die Lieder von Fjarill wie verwunschene Äste emporsprießen.

Während die Lyrik des Schweden Lagerkvist bereits auf dem Vorgängeralbum „Midsommar‟ zu erleben ist, hat Fjarill die Gedichte von Nelly Sachs neu für sich entdeckt. „Ihre Texte sind rätselhafter. Zum Teil sind sie im Delirium in der Nervenheilanstalt entstanden. Mich beeindruckt, wie sie ihre Trauer in Kunst umgesetzt hat‟, sagt Hanmari Spiegel. Nelly Sachs hatte während der NS-Diktatur begonnen, sich mit ihrer jüdischen Herkunft zu befassen. 1940 floh sie von Berlin nach Stockholm, wo sie nicht nur als Dichterin lebte, sondern auch schwedische Werke ins Deutsche übersetzte, unter anderem von Pär Lagerkvist. „Wir haben Gedichte von ihr ausgesucht, in denen ein hoffnungsvoller Schimmer zu erahnen ist‟, erzählt Aino Löwenmark. „Noch mehr Licht kommt dann mit der Poesie von Pär Lagerkvist hinzu.‟

Im Angesicht der Pandemie möchten die Musikerinnen mit ihrem Album ein besonderes Maß an Kraft und Mut spenden. Wie solidarisch wiederum die Fans das Schaffen von Fjarill unterstützen, zeigte sich eindrucksvoll beim Crowdfunding zu „Poësi‟. Die angestrebten 15.000 Euro wurden um satte 2000 Euro übertroffen. Als Dankeschön ließen sich unter anderem Gesangsworkshops erwerben, die Fjarill im Walden Studio am grünen Rande Hamburgs gibt. „Wir sind enorm dankbar für das große Vertrauen, dass uns so viele Menschen seit Jahren entgegenbringen‟, sagt Hanmari Spiegel. Seit 2004 hat sich das charismatische Duo von Südafrika bis Schweden ein stetig wachsendes Publikum erspielt. Ihre Auftritte laden Konzertsäle und Freiluftfestivals, Clubs und Kirchen mit einer einzigartigen kollektiven Energie auf. Bis alle Anwesenden erfüllt und elektrisiert sind von Empfindsamkeit und Euphorie.

Die neuen Klänge, die Fjarill zu den alten Gedichten gefunden hat, entwickelten sich ganz intuitiv. Je nachdem, welche Schwingung die Worte in den Musikerinnen auslösten. Wie Ideen kommen und gehen, davon erzählt die Auftaktnummer „Ljus från utslocknande stjärnor‟ („Licht von erloschenen Sternen‟). Piano und Violine ebnen den Versen da ganz sachte den Weg. Ein Suchen und Staunen. „Nicht jeder kreative Impuls manifestiert sich, manches kann auch vorbeifließen‟, erklärt Aino Löwenmark. „Wir müssen nicht alle Prozesse verkopft zu Ende bringen.‟ Kunst lässt sich nicht erzwingen. „Nelly Sachs' Texte haben lange in mir gearbeitet. Auf einmal ist da eine Öffnung und die Musik kommt herein‟, sagt Hanmari Spiegel. Die transparenten Kompositionen dienen oftmals als Ausgleich zur Schwermut der Lyrik, etwa in „So rann ich aus dem Wort‟. Eine fein justierte Balance.

Die frei atmende Atmosphäre, die „Poësi‟ durchzieht, wurde behutsam eingefangen von dem Hamburger Produzenten Stephan Gade. „Stephan ist ein entspannter Mensch, den wir seit mehr als 15 Jahren kennen. Mit ihm zu arbeiten, hat sich wie eine Verlängerung unserer Kreativität angefühlt‟, erzählt Aino Löwenmark. „Aufgrund von Corona haben wir unser Material viel digital hin- und hergeschickt. Das hat sehr gut funktioniert‟, erläutert Hanmari Spiegel. Stephan Gade hat sich mit Bass, Gitarre und Percussion in die Aufnahmen eingebracht. Und weitere treue Weggefährten haben ebenfalls zu dem Album beigetragen, etwa die Musiker Jürgen Spiegel und Stefan Stoppok. Der Schauspieler Andreas Grötzinger wiederum rezitiert mit dunkel-warmer Stimme das Poem „In der blauen Ferne‟. Neu ist, dass Fjarill seine Instrumentierung erweitert hat. So ist Hanmari Spiegel erstmals am Synthesizer zu hören, was den Sound des Duos dynamisch bereichert.

Mit den Gedichten von Nelly Sachs zieht zudem das Deutsche ein in den Fjarill'schen Sprachkosmos. Wenn Aino Löwenmark das Gedicht „Hier nehme ich euch gefangen / ihr Worte‟ singt, entfaltet sich durch ihren schwedischen Akzent eine eigensinnige wie zarte Poesie. Zwei Monate lang hat sie den Song immer wieder aufgenommen, bis sich Artikulation und Emotion stimmig anfühlten. Wie überhaupt alle der 13 Songs eine ganz eigene Persönlichkeit entwickelt haben. Da ist das beschwingte „Önskevisa‟ („Wunschlied‟), das die Demokratie mit einem wilden Volkstanz feiert. Oder das getragene „Vår är himmeln‟ („Unser ist der Himmel‟), das die Verletzlichkeit preist. „Wir werden schicksalsweich, je älter wir sind. Die Erkenntnis, dass alles zerbrechlich ist, macht demütig und dankbar‟, sagt Aino Löwenmark. „Dieser Text von Pär Lagerkvist ist so schön und zuversichtlich, er könnte eine Art Vaterunser sein für eine neue Religion‟, sagt Hanmari Spiegel.

Es hat eine heilende und beflügelnde Qualität, wie Fjarill auf „Poësi‟ menschliche Seelenlagen auslotet. Wie die Musikerinnen beherzt eintauchen in jene Zustände, die zwischen den Welten zu liegen scheinen. Wie sich Stimmen und Töne Schicht um Schicht ergänzen. Und wie zugleich viel Raum bleibt für eigene Gedanken. Mit der spannungsgeladenen Rhythmik von „Glömma Glömma‟ lassen sich Wut und Frust kanalisieren. Und mit Lagerkvists bekanntem Gedicht „Det är vackrast när det skymmer‟ werden die Zuhörenden zum Abschluss des Albums sanft in die Dämmerung geleitet. Das Lied zelebriert eine allumfassende Liebe, die wir ganz für uns alleine spüren können. Was für eine passende und tröstende Botschaft in dieser besonderen Zeit.

 TOUMANI DIABATÉ & THE LONDON SYMPHONY ORCHESTRA "KÔRÔLÉN"

VÖ:23.04.2021   WORLD CIRCUIT | BMG

ANNOUNCEMENT LINK:  http://worldcircuit.lnk.to/korolen

Das für den 23. April via World Circuit geplante Album „Kôrôlén“ stellt eine ganz besondere Zusammenarbeit zweier musikalischer Weltgrößen dar: Dem aus Mali stammenden Grammy-ausgezeichneten Kora-Virtuosen Toumani Diabaté und dem renommierten London Symphony Orchestra, das durch seine klassischen Darbietungen auf unzähligen Alben,  Filmen und  Bühnen zu großer Bekanntheit gelangte.

Diabaté gehört der traditionellen Griot-Familie der Sänger, Dichter und Instrumentalisten an; seine musikalische Verwurzelung lässt sich über Generationen zurückverfolgen. Heute ist er als einer der kreativsten Musiker auf dem gesamten afrikanischen Kontinent bekannt, der den ikonischen Klang der Kora fast im Alleingang einem weltweiten Publikum näherbrachte. Als großer Freund von genreübergreifenden Kollaborationen hat er bisher zwei Grammy-ausgezeichnete Alben mit dem Wüsten-Blues-Pionier Ali Farka Tourè aufgenommen, sowie in verschiedenen Projekten mit internationalen Größen wie Taj Mahl, Björk, Béla Fleck, Damon Albarn oder Afrocubism gearbeitet.
Vom Londoner Barbican Centre als "special project" in Auftrag gegeben und produziert von World Circuit werden Toumani Diabaté und seine  herausragenden malischen Musiker (darunter Kasse Mady Diabaté und Lassana Diabaté) auf den Aufnahmen vom LSO begleitet;. Für die  Arrangements zeichnen Nico Muhly und Ian Gardiner verantwortlich,  der amerikanische Dirgient Clark Rundel, der für seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Elis Costello, Esperanza Spalding,  Brad Mehldau oder dem dem Wayne Shorter Quartet bekannt ist, leitete das Orchester.

Der von Diabaté  gewählte Albumtitel „Kôrôlén“ stammt aus der Sprache der Madinka ( einer Ethnie bzw. Sprache Westafrikas)  und lässt sich als „von den Ahnen überliefert“ übersetzen – ein passende Titel für ein Album, das historische Griot-Melodien und westliche Orchester-Arrangements zu einem spannenden "Afro-Neoklassik-Sound" vereint, der sowohl die Fans traditioneller afrikanischer Musik, als auch Liebhaber*innen neuer Klassik und Ambient ansprechen wird.
Afrikanische Musik hat bekanntermassen  diverse bekannte Dancegrooves hervorgebracht und  wie Toumani Diabaté bereits viellfach gezeigt hat, liegt ihrem kreativen Fluss auch ein sanfteres und meditativeres Element zugrunde. “There’s a mystic and classical side to African music, a divinity“, so der meistbewunderte Kora-Spieler der Welt.  “It is not only about dance, and people need to know this.“ Einer der Gründe, weshalb Toumani die Einladung zur Zusammenarbeit mit dem London Symphony Orchestra und  Clark Rundell ohne zu zögern annahm.

Kôrôlén ist eine äußerst gelungene Kollaboration aus westafrikanischer Griot/ Ieli-Tradition und europäischer Klassik, das im Jahr 2008 erstmals im Londomer Barbican aufgeführt wurde.

Toumani : “Look at this music in a new way, look at African music in a different way.”
Nie zuvor fand eine Kora ihren Einsatz als Soloinstrument in einem Symphonieorchester; eine Kombination, die sorgfältige Vorbereitung erforderte, eine gemeinsame Basis zwischen den improvisierenden und interpretativen Stärken überlieferter malischer Musik und den strukturierten Anforderungen einer orchestralen Partitur zu finden. Nachdem Toumani und Clark gemeinsam die Vorarbeit geleistet hatten, bezog man Ian Gardiner und Nico Muhly als Bindeglied zum LSO mit ein. „Wichtig war, eine Art von Musik für das Orchester zu komponieren, das den malischen Musikern genug Raum lassen würde, sich auszudrücken“, so Gardiner. Eine Herangehensweise, der auch Muhly folgte, um „ein disharmonisches Durcheinander bei der Kombination von nicht-westlichen Instrumenten mit dem Orchester zu vermeiden, sondern eine raffinierte Soundarchitektur zu schaffen, die Raum für klangliche Verzierungen und Einsätze lassen würde, auf die Toumani mit seinen Improvisationen reagieren konnte.“

So betrachtete man musikalische Lehren eher als grobe Richtlinie; sobald man die Arrangements vollendet hatte, kam der symbiotische Arbeitsprozess, eine gemeinsame Kommunikationsbasis zwischen zwei völlig unterschiedlichen Musiktraditionen zu finden, so richtig in Schwung. Toumani fügte den Arrangements seine eigenen Anpassungen hinzu, um die Improvisationen seiner Band besser ins Gesamtbild zu integrieren. Dabei bediente er sich Mitgliedern aus Malis renommiertesten Griot-Familien, darunter Gitarrist Fanta Mady Kouyaté, Balafon-Spieler Lassana Diabaté, Sänger Kasse Mady Diabaté (zu hören auf dem letzten Track), Ngoni-Spieler Ganda Tounkara und Percussionist Fode Kouyaté an der Kalebasse und der Tama.
„Unsere Musik ist älter als die von Bach“, erklärt Toumani sichtlich zufrieden. Gleichzeitig existiert sie jedoch im Moment und wird erst durch die Imaginationskraft dessen lebendig, der sie spielt. Und so veränderte die Musik einmal mehr ihre Form während der Proben unter Clark Rundells Taktstock. Je länger man zusammenarbeitete, desto intensiver begann das Orchester die unendlichen Möglichkeiten zu erforschen, die sich in der Zusammenarbeit mit Toumani und seinen Musikern boten; anfänglich noch zögerlich, später mit ständig wachsender Freude und Selbstbewusstsein.
Neben dem auf dem „Kôrôlén“-Album enthaltenen Konzert im Barbican wurden zwei weitere Symphonic-Shows in Liverpool und Oslo gespielt; jeweils in unterschiedlicher Orchesterbesetzung und in leichten Variationen der Stücke, wobei der musikalische Kern jedoch beibehalten wurde. Mit diesem Album ermutigt uns Toumani Diabaté, „afrikanische Musik aus einem neuen Blickwinkel zu betrachten“. Doch „Kôrôlén“ ist weitaus mehr als das. Das Album zeigt, wie die unterschiedlichsten Kulturen zusammenfinden können, um einen kollektiven Geist der Menschlichkeit zu erwecken, der die künstlichen Barrieren überwindet, die uns trennen. Etwas, was wir noch nie so dringend gebraucht haben, wie heute.
 

PAT METHENY „ROAD TO THE SUN“
VÖ: 05.03.2021 MODERN RECORDINGS / BMG
feat: Jason Vieaux and the Los Angeles Guitar Quartet

Es gibt nur eine Handvoll lebender Musiker*innen, die sich Jahr für Jahr neu erfinden. Noch weniger können von sich behaupten, über eine jahrzehntelange Karriere hinweg das gleiche Maß an Innovation und Exzellenz aufrechterhalten zu haben. Pat Metheny ist einer diese rar gesäten Künstler*innen, der den Anspruch auf eine derartige Zuschreibung erheben darf. Auf dem neuen Album „Road To The Sun“ überrascht er uns ein weiteres Mal mit seiner scheinbar endlosen Fähigkeit, neue Perspektiven und Sphären zu entwickeln und dabei dennoch den sofort wiedererkennbaren Metheny-Sound beizubehalten.
Mit zwei neuen Kompositionen, eingespielt von fünf der weltbesten klassischen Gitarristen, kartiert Metheny neue Wege, auf denen er die Grenzen zwischen den Genres auflöst und gleichzeitig neue Facetten seiner bereits jetzt umfangreichen persönlichen Sprache enthüllt: 

Für die viersätzige Suite für Solo-Gitarre, Four Paths Of Light, konnte Metheny den Grammy-Gewinner Jason Vieaux gewinnen, von NPR Music als der „vielleicht präziseste und gefühlvollste klassische Gitarrist seiner Generation“ bezeichnet.
Das Herzstück dieser wegweisenden Aufnahme ist Road To The Sun, ein Werk in sechs Sätzen für das ebenfalls Grammy-prämierte Los Angeles Guitar Quartet LAGQ – Metheny nennt sie „eine der besten Bands der Welt“.

Road To The Sun ist nichts weniger als eine weitere, großartige Pat Metheny-Platte, die neben Secret Story, Bright Size Life, 80/81, One Quiet Night, Still Life (talking), Song X und allen anderen als erneut unerwartbare und mit Absicht unergründliche Wendung gelten wird. Eben unvermeidlich für dieses Genre, das nur ein gemeinsames Element hat: Metheny selbst.

Metheny über Road To The Sun:
„Zu Beginn, als ich anfing zu schreiben, suggerierten mir die Jungs vom LAGQ, dass sie auch mit einem 5- oder 7-minütigen Stück glücklich wären. Bevor ich es merkte, war ich aber mitten in einem fast 30-minütigen, sechssätzigen Traktat darüber, was in einem Multi-Gitarren-Format alles möglich wäre. Ich habe mich voll auf diese großartige Gelegenheit gestürzt, mir vorzustellen, wie diese vier außergewöhnlichen Gitarristen klingen könnten, wenn sie diese Noten spielen. Das Stück strömte buchstäblich heraus. Aber so sehr ich auch nach dem scheinbar naheliegenden Material für diese Instrumentierung und diese speziellen Musiker suchte, so wichtig war es mir auch, diesen narrativen, erzählerischen Aspekt der Musik beizubehalten, den ich immer zu erreichen hoffe, unabhängig von der Besetzung.“

Listen. Watch. Read. Jederzeit. Überall.
 JAZZ HAS FOUND A HOME

Mit dem Launch der neuen App jazzed Ende September haben auch hierzulande alle Connaisseur*innen des Jazz und verwandter Genres wie Blues oder Soul Zugang zum neuen audio-visuellen und redaktionellen Streaming Portal jazzed, das zunächst über iOS, Sonos und Webplayer erhältlich ist und ab Ende des Jahres auch über Android. Anfang nächsten Jahres folgt das Produkt Update für on-demand sowie Smart TV und Carplay.



Die App ist als Basisservice kostenlos und bietet Zugriff auf 10 handverlesene Audiokanäle, sowie Videos, Konzerte und diverse redaktionelle Inhalte. Mit der kostenpflichtigen und werbefreien jazzed + App erweitert sich das Angebot auf insgesamt mehr als 50 Kanäle mit beispielsweise eigenen Kanälen für ikonische Künstler wie John Coltrane, Miles Davis oder Herbie Hancock, sowie Labels wie Blue Note, Verve, Impulse, ACT, ECM und MPS. Ferner lotet die kuratierte Plattform das Spannungsfeld zwischen Jazz und Popkultur aus, vom Einfluss auf Hip Hop, elektronischer Musik und Avantgarde sowie Latin Jazz und Salsa. Eine Übersicht aller bislang verfügbaren Audiokanäle finden Sie auf auf jazzed.com

Gegründet wurde jazzed von Jonathan Arendt, dem früheren Geschäftsführer des zur Bauer Media Group gehörenden Radiosenders "Jazz FM", sowie Frank Taubert, Digital Music Pionier, und Dr. Marcel Engh, früherer Bertelsmann und Sony Executive. Als deutscher Chefredakteur und Head of Content konnte der Journalist Götz Bühler gewonnen werden, der zusammen mit dem früheren Jazz FM Chefredakteur Chris Philips die inhaltlichen Akzente setzt.


Label: Major Music Vertrieb: EDEL

YouTube Kanal: Pure Desmond

Pure Desmond
Lorenz Hargassner - Altsaxofon

Johann Weiß - Gitarre


Christian Flohr - Kontrabass

Sebastian Deufel - Schlagzeug

„Geschüttelt, nicht gerührt“ - Der bekannteste Geheimagent der Welt mit der Nummer 007 ist ebenso ein Inbegriff für Stil und Geschmack wie der Sound des Saxophonisten Paul Desmond (1924-1977), der selbst wie ein „Dry Martini“ klingt.
Das Lebensgefühl der mondänen Agentenfilme mit seinen Szenen in glamourösen Casinos passt so perfekt zu der eleganten klassischen Jazz-Musik von pure desmond, dem preisgekrönten Ensemble aus Deutschland, das sich in seinem neuen Album den legendären Songs zur Filmreihe widmet.
Vom aktuellen „No Time To Die“ des amerikanischen Shootingstars
 Billie Eilish bis zur ursprünglichen Musik der 1960er-Jahre reicht die Bandbreite der Kompositionen, die auf dem Album „pure desmond plays James Bond Songs“ in der brillanten Cool Jazz Qualität glänzen.

„From Russia With Love“ wird in der Version des Quartetts ein luftiger Samba mit einer Prise subtilen Humors, wie es der Saxophonist des Dave Brubeck Quartet vielleicht selbst interpretiert hätte. „Tomorrow Never Dies“ verwandelt sich zu einer Jazz-Ballade.
In der 60-jährigen Geschichte der Filme dieser Reihe spiegelt sich die Entwicklung der populären Musikgeschichte ebenso wieder wie der technische Fortschritt in den Gadgets der Bond-Autos. War die anfängliche Titelmusik zu „James Bond jagt Dr. No“ noch ein instrumentales Big Band Arrangement mit klaren Jazz-Bezügen, so sind Werke wie „Die Another Day“ von Madonna oder „You Know My Name“ von Chris Cornell Klassiker für ihre Zeit und ihr Genre.

Die vier Musiker von pure desmond schaffen den Spagat zwischen diesen vielen verschiedenen musikalischen Welten und verbinden sie durch ihre instrumentalen Bearbeitungen im modernen Cool Jazz Sound zu etwas Neuem. 
Mit ihren Interpretationen nehmen sie uns mit auf eine Fahrt durch die Welt von James Bond – voll fieser Bösewichter, rasanter Verfolgungsjagden, luxuriöser Reisen und romantischer Flirts.
Doch was wären die Songs der „motion pictures“ ohne bewegte Bilder? Das neue Album ist auch hier etwas ganz besonderes. Die Künstler haben die schwierigen Zeiten ohne Auftritte  dieses Jahres genutzt, um die Musik an stimmungsvollen Originalschauplätzen und live und in Farbe aufzunehmen. Die Qualität der Interaktion und der musikalischen Übereinkunft dabei zeigt erneut die Reife der Band, die bald ihr 20-jähriges Jubiläum feiert.

„Eine edle, kammermusikalische Ästhetik: durchsichtig, überschaubar, linear, kontrolliert emotional und zurückgelehnt bis zur totalen Entspannung“, so beschreibt die Jury zum „Preis der deutschen Schallplattenkritik“ den raffinierten Klang des Ensembles.
„Während die Musiker bestens miteinander harmonieren und korrespondieren, entstehen beim Hören zahlreiche Bilder vor dem inneren Auge“, so konstatieren die Badischen Neuesten Nachrichten nach einem Konzert von pure desmond mit ihrem gefeierten letzten Programm „Audrey“ im Staatstheater Karlsruhe.
Zu diesen inneren Bildern gesellen sich nun äußere dazu – von dunklen Gewölben, Militärmaschinen oder abgelegenen Berghotels, wo sich das kriminelle Jet-Set ein Stelldichein gibt. Denn in solchen atmosphärischen Kulissen sind zu den Live- Performances kleine Filme entstanden, die nun auf dem eigenen YouTube-Kanal von pure desmond zu sehen sind.

Die dänische Superband GIRLS IN AIPORTS veröffentlicht am 27.November ihr neues Album "DIVE".

MAWI MUSIC | MEMBRAN | THE ORCHARD

Vinyl/ CD / digital

Besetzung:

Martin Stender, saxophone

Lars Greve, saxophone and clarinet

Mathias Holm Jørgensen, keyboards

Victor Dybbroe, percussion

Anders Vestergaard, drums

Webseite: www.girlsinairports.com

Booking: Karsten Jahnke

Live:

07.10.2020 Testrup Højskole

08.10.2020 Radar Aarhus

09.10.2020 Tobakken Esbjerg

10.10.2020 Momentum Odense

17.10.2020 Loppen København

On the album ‘Dive’, the five musicians dive into themselves and into the music. This time the melodies are not playing the leading part in the music but instead act as collective sequences that reflect the mind's movements between light and darkness, life and death, optimism and discouragement.

A highly original line up – two horns, percussion, drums and keyboards – and an open mix of musical styles from all over the world, is what the Danish band Girls in Airports has been exploring for a decade. The group is now ready to release their sixth album, entitled 'Dive', at the end of November. The album marks a liberation of the band's sound, where ideas bubble up in a new way.

Overall, the musical expression has moved towards a more colorful universe, inspired by jazz, afro, indie, kraut rock, Celtic and even pop music. The new album is a further development of the band's genreless sound but includes more extravagant passages and psychedelic moods. The music takes compositional wanderings in the mind and opens up an existential abstraction that mirrors how the five band members in the encounter with the music dive into something greater than themselves and transcend from an ‘I’ to a ‘We’.

In 2018, Girls in Airports ended their contract with the leading British label Edition Records, returning on this album to the nerve and energy that brought the five musicians and composers together in 2009.

The award-winning documentary filmmaker Andreas Johnsen joined the band in the making of the album and has created videos for each of the ten tracks complementing the sound universe.

The album was recorded over five days in Black Tornado Studio on Refshaleøen in Copenhagen, mixed by John Fomsgaard and Jens Ramon and mastered by Noel Summerville.

ABOUT GIRLS IN AIRPORTS:

The Danish band Girls in Airports is based in Copenhagen and is one ofthe few young, Danish indie jazz bands that have succeeded internationally. In Germany, they are represented by the country's leading booking agency, Karsten Jahnke, and play at fully packed concert halls wherever they go. Their music has previously been released on the British label Edition Records, including the album ‘Live’ from 2017. The band has toured in countries such as the US, China, Brazil, and most of Europe.

The Royal Bopsters to Release Party of Four,
  With Very Special Guests Sheila Jordan, Bob Dorough & Christian McBride
Sophomore Album, out on Motéma, November 13th   (Vertrieb Pias / RTD)

http://royalbopsters.com/

Produktinfo:
Motéma Music is honored to announce Party of Four, the sophomore release from renowned vocal jazz quartet The Royal Bopsters, which streets November 13, 2020. This twelve-track venture, which follows up their critically acclaimed 2015 debut, celebrates both the proud history and the bright future of vocal jazz.  A hard-swinging amalgam of vocal virtuosity, electrifying group chemistry, and masterful arranging, Party of Four displays the group’s stunning facility to swing deeply and sing passionately while navigating incredibly precise four-part harmonies.
A master class in the art of vocal jazz and vocalese, Party of Four demonstrates the dazzling possibilities of four voices coming together as one. Bopsters Amy London, Dylan Pramuk, Pete McGuinness, and the late Holli Ross (to whom the album is dedicated) are joined by guest lead vocalists, NEA Jazz Master Sheila Jordan (91 years young) who delivers a delightful rendition of “Lucky to Be Me” and NEA Jazz Master Bob Dorough, whose humorous recording of his classic “Baby, You Should Know It” became one of his final recordings when he sadly passed in 2018. GRAMMY®-winning bassist and jazz personality Christian McBride also guests on bass for two strong tracks.
Party of Four follows up The Royal Bopsters’ debut release – The Royal Bopsters Project – which was an unprecedented vocal jazz summit featuring five of history’s most celebrated vocal bop innovators and monarchs: Mark Murphy, Jon Hendricks, Sheila Jordan, Bob Dorough and Annie Ross.  The album was proclaimed  “Extraordinary.” by Downbeat (4.5 stars), “A priceless landmark” by Jazz Times (Best Albums of 2015), and  “A magnum opus of jazz and song” by WBGO Radio.  Party of Four, with liner notes by WBGO’s Michael Bourne, builds on that solid foundation and is poised to become one of the defining jazz vocal albums of the year.
Cited as “expert practitioners of vocalese” in The New Yorker, The Royal Bopsters celebrated their first release with a star-studded, sold-out week-long residency at New York’s iconic Birdland Jazz Club with guests Annie Ross, John Hendricks and Bob Dorough. Darmon Meader, of the New York Voices, sang tenor on the first album, and then soon after the Birdland show Pete McGuinness, a three-time GRAMMY®-nominated arranger, stepped into the tenor chair for the group. Party of Four – the title penned by Holli Ross – began to take shape as Pete and Dylan brought additional arrangements to the group in 2016. The new music shone, and seeds were planted for the ensemble’s sensational second chapter. NEA Jazz Master Sheila Jordan, who began her career singing with Charlie Parker, and
who now, with the passing of Annie Ross this July, has become the reigning Queen Matriarch of Vocal Bop, has commented “The Bopsters are my favorite vocal group.” The love is mutual, and The Bopsters include Sheila as a guest in their live shows wherever possible. Dorough, who is most famous for writing

Schoolhouse Rock, also guested frequently until his sudden death in 2018. He and Annie, as well as Mark Murphy, are all much loved and sorely missed by the Bopsters.
Each Royal Bopster is a renowned jazz educator, and collectively they instruct at the entire gamut of excellent jazz programs in the NYC area: The New School (London was a founder of the program), NYU, William Paterson, Manhattan School of Music, Montclair State, City College, Hofstra and Jazz House Kids (where London & Pramuk teach and co-created their Vocal Academy). The group’s vast collective knowledge of the history and technique of the artform of vocal jazz shines through on every note.
Party of Four offers audiences a jubilant recognition of multiple generations of architects and proud purveyors of the vocal jazz art form.  Dedicated to Bopster Holli Wasser Ross, the album is a resounding celebration of life, rhythm, harmony and tradition at a time when the world can definitely use a little cheering up.

The album will be released on November 13th to coincide with the weekend of Holli Ross’s 64th birthday on November 16th and Sheila Jordan’s birthday November 18. Two singles will be released before the album; “But Not for Me” on September 18th, and “Cuando Te Vea” with lyrics and lead vocals by Holli Ross, on October 16th.

 Tracklist:

1 But Not for Me 4:22   (George & Ira Gershwin)

2 On a Misty Night/The Gypsy [feat. Amy London, Christian McBride] 5:11   (Tadd Dameron/Georgie Fame/Billy Reid)

3 How I Love You (Let Me Count the Reasons) [feat. Dylan Pramuk] 6:21  (Dexter Gordon/Dylan Pramuk)

4 Lucky to Be Me [feat. Sheila Jordan] 4:39  (Leonard Bernstien/Betty Comden/Adolf Green/Dylan Pramuk)

5 Why'd You Do Me the Way You Did? [feat. Amy London] 4:52  (Steve Schmidt/Mark Murphy/Amy London)

6 Day Dream 3:57  (Billy Strayhorn)

7 Cuando Te Vea [feat. Holli Ross, Christian McBride] 5:10  (Tito Puente/Holli Ross)

8 Baby, You Should Know It [feat. Bob Dorough] 4:28  (Ben Tucker/Bob Dorough)

9 Our Spring Song 4:40  (Pete McGuinness/Amy London)

10 Rusty Dusty Blues [feat. Dylan Pramuk] 3:27  (J. Mayo Williams)

11 Infant Eyes 7:36  (Wayne Shorter/Doug Carn)

12 My Shining Hour [feat. Pete McGuinness] 4:08  (Harold Arlen/Johnny Mercer)

Total Time. 63:18

Motéma Music LLC / Pias / The Orchard

VÖ digital: 3.Juli 2020       VÖ CD: 17.Juli 2020

“Charnett Moffett is a Bass Wonder Man” – Downbeat
“Herzen’s rich past imbues her work with color and character.”  – People
“Herzen’s clean guitar work [is] a confident dance partner for her sly vocal style… storytelling remains first and foremost. “  – Downbeat

‘Round The World’ is the new album from acclaimed U.S.singer-songwriter/guitarist Jana Herzen and innovative, world-renowned bassist Charnett Moffett. Released through Herzen’s Motéma label, (which debuted Gregory Porter and has 24 GRAMMY® nominations and 5 wins), ‘Round The World’ finds the duo serving up a delightful eleven track set which combines skillfully assembled originals alongside freshly imagined covers by the Beatles, Joni Mitchell, Maria Muldaur, Roberta Flack, Men At Work and more.
Herzen and bassist Charnett Moffett capture lightning in a bottle with a dreamy, sophisticated, smart and quirky mix of songs. They marry innovation with nostalgia as they seamlessly shape shift from folk to jazz to reggae to Afro-beat and beyond.  Outstanding new originals such as ‘On The Outside’, ‘Far Away’ and ‘Round The World’ sit comfortably alongside the duo’s very personal take on covers such as ‘Blackbird’ (The Beatles), ‘Both Sides Now’ (Joni Mitchell, ‘Sweetheart’ (Maria Muldaur), ‘Down Under’ (Men At Work) and the much cherished ‘Killing Me Softly’ (Roberta Flack). Throughout the album, the duo reveals themselves to be creative partners who can finish each other’s musical sentences.
At the heart of the album, which was recorded,long before the Covid-19 pandemic, are central themes of love, hope, optimism, respect and honesty. Though they never intended to release the album during a worldwide pandemic, the album’s themes feel very appropriate for this moment. Herzen and Moffett hope that the comforting vibrations of their music will provide a healing antidote to the isolation, fear and disconnection that so many are feeling.

After sixteen years helming the genre-bridging Motéma label, that has introduced ground-breaking albums by Gregory Porter, Joey Alexander, Deva Mahal, Pedrito Martinez, Jaimeo Brown, Brian Jackson, Donny McCaslin, Monty Alexander, Geri Allen,Terri Lyne Carrington & Social Science and more is now experiencing a watershed moment for her own considerable musical talents. This duo release follows close on the heels of another all-original band project, ‘Nothing But Love,’ which came out in January 2020, sparking fervent press response and rising social media engagements. She also recently began touring and recording as a guitarist in Moffett’s Bright New day band which she credits as opening new creative horizons.

Herzen has spent a lifetime in the arts. The child of activist scientists on the Stanford University Campus in California in the turbulent 1960’s. She began performing at five, sang in coffee houses as a teenager, and worked extensively in music and theatre in her early professional life. In her thirties she travelled the world and began writing and recording.  She has worked as an art agent, and as a Founder and key executive for two of New York’s more influential arts companies: the MCC Theater (now in its fourth decade), and Motéma Music (now in its 16th year). Wisdom gained along this winding way shows up in her poetry and musicality as well as her confident and magnetic performance style.
As for Moffett, he brings his own forty plus years of arts experience to the table, along with an unusual abundance of spirit and charisma. Considered one of the most virtuosic bassists in jazz, Moffett has honed his A-Team chops through four decades as a musician/composer during which he’s recorded fifteen innovative albums of his own, and over two hundred albums as a bassist to the stars including such revered jazz titles as Wynton Marsalis' ‘Black Codes for the Underground’, McCoy Tyner’s ‘Land of the Giants’, Ornette Coleman’s ‘Sound Museum’, Herbie Hancock’s ‘Future 2 Future’, and Sonny Sharrock's ‘Ask the Ages’.

When Herzen first signed Moffett to Motéma in 2008 they began forging an uncommon artistic bond that has grown organically through years of producing, touring and recording together. Serving first as his Executive Producer, Herzen released two Moffett projects on Motéma before releasing their first duo project, ‘Passion of a Lonely Heart’ in 2012. In 2013 she co-produced Moffett’s solo upright bass tour-de-force ‘The Bridge’ and in 2016 she produced Moffett’s acclaimed live recording debut, ‘Music From Our Soul’, featuring Pharaoh Sanders, Stanley Jordan, Cyrus Chestnut, Jeff ‘Tain’ Watts, Victor Lewis, and Mike Clark. The success of that project led to Moffett inviting Herzen to fill the guitar chair on his live dates and then on his quintet album ‘Bright New Day’ which came out in June 2019. Loving the sound that Moffett’s band brought to her song ‘Precious Air’ in his Bright New Day sessions, Herzen decided to engage the same team for her own band album ‘Nothing But Love’ which came out January 17th.
The release of ‘Round the World’ represents both a new direction and a full circle return for the duo. The tracks for these eleven songs were laid down in early experimental sessions that that led to their first duo recording. Of twenty-two tracks recorded back then, half came out on Herzen’s jazz focused ‘Passion of a Lonely Heart’ in 2012. The others were saved for later release and now appear on this disc. These moving duo arrangements of 1960, ‘70 & ‘80s hits that Herzen used to cover at folk clubs and coffeehouses in her teens, and for her five story-driven originals written along her path since then, reveal the deep musical camaraderie and artistic telepathy that seeded this unlikely pair’s many fruitful collaborations.

“The music doesn’t lie,” explains Moffett. “Jana’s musical creativity is diverse. She is an artist with an original sound and style who always sings and plays from her heart. Her poetic lyrics and song writing embrace the listener with the compassion of truth. I’ve found that playing in a duo capacity allows the sound of the bass to have a voice of its own. Our duo recordings and performances have all been exciting for me.
I never know which style Jana will travel into next as each song finds a new journey every time the music is created.” – Charnett Moffett

“Charnett’s ever flowing waterfall of musical ideas is always a thrill to collaborate with. There’s a language we’re developing that been gaining nuance through the years and I’m looking forward to what’s coming ‘round the bend.” – Jana Herzen
The duo will be sharing performances online to support ‘Round the World and their other recent releases and looks forward to touring and more recording in better times to come.”

Tracklisting:

1. Sweetheart (1974, Ken Burgan) 3:16

2. Both Sides Now (1968– Joni Mitchell) 4:51

3. Killing Me Softly (1973 – Charles Fox/Norman Gimbel) 4:10

4. On the Outside (Jana Herzen)  –5:20  

5. Blackbird – (1968 – Lennon/McCartney) 3:48

6. (Jana Herzen/Shakara Mutela) 6:13
-  
 – Lyrics are by Herzen, music by Congolese ex-pat Shakara Mutela, producer of Herzen’s debut album, Soups on Fire (2001), whom she met indirectly through Carlos Santana. It’s a long story.

7. ‘Round the World (Jana Herzen) 4:13

8. Bali Dream  (Jana Herzen) 5:50

9. Land Down Under (1980, Colin Hay, Ron Strykert) 4:47


10. Part Of The World Jana Herzen) 4:32

11. Rainbow Connection (1979, Paul Williams, Kenneth Ascher)  3:57 


ABOUT MOTÉMA MUSIC:
Motéma Music is an award-winning independent label founded in by Jana Herzen in San Francisco in 2003 and now based in Harlem in New York City. The label has garnered 24 GRAMMY ® nominations with five wins in the genres of jazz, Latin jazz, reggae and R&B. Motéma has launched recording careers for international stars Gregory Porter, Joey Alexander, Pedrito Martinez and Deva Mahal and supported a wide array of innovative jazz artists including Randy Weston, Monty Alexander, Geri Allen, David Murray, Donny McCaslin, Marc Guiliana, Ben Wendel, Melissa Aldana. The label has released the politically conscious projects: Playing for Change “Listen to the Music”, Jaimeo Brown’s Transcendence, Kentyah’s “Evolutionary Minded (The Music of Brian Jackson & Gil Scott Heron) and the Terri Lyne Carrington & Social Science 2019 juggernaut, Waiting Game. Please visit Motéma.com to learn more.

Plattenfirma: earMusic / Edel

Der legendäre Gitarrist Al Di Meola begrüßt das neue Jahrzehnt mit Across The Universe, seinem neuen Studio-Album zu Ehren der Beatles. Es ist der lang erwartete Nachfolger seines 2013er Albums All Your Life: A Tribute to the Beatles.

Al Di Meolas außergewöhnliche Fähigkeiten am "Griffbrett" werden nur von seiner Wertschätzung der Beatles übertroffen, die Generationen von Musikern und Musikliebhabern geprägt und inspiriert haben.

Across The Universe ist eine Retrospektive aus Di Meolas fast 50 Jahre währender Karriere, die durch seine virtuosen Arrangements der 14 Beatles-Songs zum Ausdruck gebracht wird. Das Album entführt auf eine Reise mit einem der profiliertesten Gitarristen der USA, auf der er große Hits sowie unbekanntere Stücke der genialen Fab Four aufgreift, die auch dazu beigetragen haben, den Musiker und Menschen zu prägen, der Al Di Meola heute ist.

Across The Universe ist ein weiterer Meilenstein, den Al Di Meola zu seinem Katalog von mehr als dreißig Solo-Alben und der Zusammenarbeit mit Ikonen wie Chick Corea, John McLaughlin, Stanley Clarke, Paco De Lucia und vielen weiteren hinzufügen kann. Auf ein Neues stellt er seine Faszination mit rhythmisch komplexen Synkopierungen in Kombination mit schwärmerischen Melodien und verschachtelten Harmonien zur Schau. Beatles-Fans, Gitarren- und Musikliebhaber können allesamt das Unerwartete erwarten, wenn sie sich auf die Reise in das Universum von Across The Universe begeben. Und mit Blick auf einzigartige Leben von John Lennon, stellt das Albumcover eine Hommage an den Musiker und das legendäre Cover seines 1975er Solo-Albums Rock ‘n’ Roll da.

Al Di Meola ist eine lebende Legende, gefeiert als Pionier eines einzigartigen Stils von makelloser Gitarrentechnik in Kombination mit einer raffinierten, universellen Musiksprache, die die Herzen des Publikums auf der ganzen Welt erobert. Er ist GRAMMY-Award Gewinner, drei Alben mit Goldstatus und weltweit über sechs Millionen Alben verkauft. Auch seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Paul Simon, Phil Collins, Stevie Wonder, Jimmy Page, Santana, Steve Winwood, Herbie Hancock, Frank Zappa, Luciano Pavarotti hat dazu beigetragen Al Di Meola zu einem der ganz großen Namen zu machen.
Verschiedene Genres wie Flamenco, Latin, Fusion, Jazz, Rock und Weltmusik virtuos umspannend, hat Al Di Meola wieder eine Glanzleistung vollbracht, um die Grenzen neu zu definieren und zu zeigen, was auf einem 6-Saiter möglich ist. Wie bei allen seiner hochgelobten Werke, bietet er auch auf Across The Universe einen Fundus an ausgeklügelten Instrumentierungen, mit dem er die kreativen Neuinterpretationen der Beatles-Songs in erstaunliche Höhen treibt.


„Es ist der Verdienst der Beatles, dass ich heute Gitarre spiele“, sagt Di Meola. „Sie waren für mich die treibende Kraft, um anzufangen das Gitarrenspiel zu lernen und hatten einen starken prägenden Einfluss auf mich.“

Across The Universe wird am 13. März 2020 als Digipak, 2LP Gatefold sowie digital bei earMUSIC veröffentlicht.

Track Listing
1.Here Comes The Sun
2.Golden Slumbers Medley
3.Dear Prudence
4. Norwegian Wood
5. Mother Nature’s Son
6. Strawberry Fields Forever
7. Yesterday
8. Your Mother Should Know
9. Hey Jude
10. I'll Follow The Sun
11. Julia
12. Till There Was You
13. Here, There And Everywhere
14. Octopus's Garden

Tourdaten:

24.04. Hamburg- Fabrik

25.04. Wendelstein- Eventhalle

26.04. Stuttgart- Theaterhaus

30.04. Essen- Alfred Krupp Saal

Kurzbio:

Al Di Meola gehört zu den einflussreichsten Jazz-Gitarristen aller Zeiten. Der In New Jersey geborene Al Laurence Dimeola studiert ursprünglich am Berklee College of Music in Boston und konzentriert sich stilistisch auf Fusion und Jazz. Bereits im Alter von 19 Jahren wird er in die Musikgruppe Return to Forever des legendären Chick Corea aufgenommen. Unter anderem sind auch Stanley Clarke und Lenny White Teil der Formation, die 1975 den Grammy für die Beste Jazz-Performance erhalten soll.

Mit den Gitarristen John McLaughlin und Paco de Lucía nimmt er 1981 das populäre Live-Opus Friday Night in San Francisco auf. Auch mit dem akustischen Gitarrentrio The Trio ist er unterwegs und behält über die Jahre die kreative Motivation in seinen virtuosen Darbietungen bei. Heute tourt er mit seinem Al Di Meola Quintett durch die Welt.

Anläßlich des zwanzigjährigen Todestages des unvergessenen französischen Jazzpianisten Michel Petrucciani veröffentlicht seine langjährige Plattenfirma Dreyfus Records am 25.Oktober eine Doppel-CD / Doppel-Vinyl mit insgesamt achtzehn seiner zahlreichen Kompositionen, sowie dem Exklusivtitel "Montelimar".

" In seiner Musik ist alles zu hören: die Kraft dynamischer Steigerungen, die Anstrengung und die Verausgabung, aber auch das Wissen um die Besonderheit des Zarten, die Schönheit des Zerbrechlichen. Er wusste mit rasanten Tasteneskapaden ebenso wie nachdenklichen Balladen zu überzeugen. Und er erwies sich als sinnenfroh der Welt zugewandt. "  - Bert Noglik

The album’s title “Colors”, one of Petrucciani’s compositions, is a nod to the pianist’s affinity for synaesthesia. “I put colour into every note”, he once said to Libération magazine. “So, for me the A is green, the C is red, the G is blue, the E is brown, the F is yellow, and so on.” Over time, the colours that resolutely illuminated his music became increasingly clearer. His purpose was fewer notes, more music. “Nowadays, my music revolves less around the notes themselves and more around their colours. The important thing is to play the right colour at the right moment.”
Across the course of a relatively short career, Michel Petrucciani overcame the effects of the bone disease osteogenesis imperfecta to become a major force in the jazz world. The first non-American artist to sign to Blue Note Records, with whom he recorded for seven years, Petrucciani went on to work with Francis Dreyfus and released a total of 16 studio albums. Revered as a consummate interpreter of the American Songbook, Petrucciani was also a formidable composer and it’s his varied catalogue of original music that is showcased with this 18-track compilation (15 for the double LP).

TrackList:
CD1

1. Colors
2. Looking Up (Live)
3. Rachid (Live), with Eddy Louiss
4. Hidden Joy
5. September Second (Live), with Steve Gadd & Anthony Jackson
6. Brazilian Like (Live

)
7. Home (Live), with Steve Gadd & Anthony Jackson
8. Love Letter (Live)
9. Guadeloupe

CD2

1. Cantabile (Live), with Steve Gadd & Anthony Jackson


2. Little Peace in C for U, with Stéphane Grappelli
3. Trilogy in Blois (Live)
4. Charlie Brown
5. Petite Louise
6. She Did It Again (Live)
7. Even Mice Dance
8. Romantic but not Blue (Live)
9. Montelimar



MPS/ EDEL      

Julia Kadel: Flügel
Karl-Erik Enkelmann: Kontrabass
Steffen Roth: Schlagzeug

Pressetext:
Mit ihrer individuellen Klangsprache haben sich Julia Kadel, Karl-Erik Enkelmann und Steffen Roth in den letzten Jahren über Deutschlands Grenzen hinaus als ausdrucksstarkes Jazzpianotrio etabliert. Presse und Publikum sind voll des Lobes. Ein Kritiker der FAZ konstatierte 2018: „...offenbart das Trio in Kadels hintergründig-offenen Kompositionen und weitläufigen, aber nie zerfasernden Improvisationen mehr Bezüge zu zeitgenössischer Musik als zum amerikanischen Jazz. Etwa in der Art, wie alle in der Band originäre Klangfarben kreieren, [...] gezielt Kontrapunkte und Dissonanzen setzen.“ Und im Deutschlandfunk hieß es 2017: "ein unvorhersehbares, eigenständiges Klanggewebe [...], das vor Spielfreude und rhythmischen Spannungen strotzt. Eine energiegeladene Klaviertriomusik, die auch ohne Anleihen bei profilierten Formationen [...] voll in der Gegenwart steht."

Konzerte führten die Band bereits zu internationalen Festivals (Lyon, St. Petersburg, Bergen, Jazzfest Berlin, Überjazz Hamburg), in renommierte Häuser (Elbphilharmonie, Philharmonie Essen, NDR & SWR Sendesaal, Goetheinstitut Paris, Deutsches Theater Göttingen u.v.a) und angesagte Clubs.

Julia Kadels variable Kompositionen, ihr phantasievolles Spiel und die markanten Improvisationen der Band wurden mit der Zeit immer couragierter. Auf Kaskaden haben sie nun eine neue Dimension von Detailschärfe und Intensität erreicht. Entschlossener denn je balanciert das Trio auf dem schmalen Grat zwischen „Harmonie und Atonalität“ (FAZ), „Intuition und Reflexion“ (Hamburger Abendblatt), „Poesie und Strenge“ (Jazzthing). Selbstverständlich enthält das aktuelle Werk ausschließlich Stücke aus Kadels Feder. „In der Ausformulierung sind wir wieder etwas extremer geworden“, umreisst die undogmatische Bandleaderin die Entwicklung, „wir haben uns weitere Freiheiten genommen und neue Harmonien für uns entdeckt.“ Die auf früheren Alben vorgenommene Trennung zwischen komponierten und improvisierten Titeln wurde aufgehoben. Übergänge von notierten zu freien Passagen innerhalb der Stücke sind jetzt fließend, Präzision und Imaginationskraft verzahnen sich. Unvorhersehbare Wendungen, der spielerische und klangliche Variationsreichtum aller Beteiligten und nuancierte, enorm lange Spannungsbögen motivieren zum wiederholten Hören. Es wird mit immer neuen Eindrücken belohnt.    
Die Live-Qualitäten des bereits 2011 gegründeten Trios, seine feinsinnige Interaktion und intuitive Verständigung legten für Kaskaden eine Produktion unter Livebedingungen nahe. Zumal im legendenumrankten MPS-Studio in Villingen (Schwarzwald). Dessen Geschichte reicht bis 1958 zurück, hier haben große Jazzpianisten wie Oscar Peterson, George Shearing, Monty Alexander und Bill Evans einst aufgenommen. Mit dem seinerzeit für Friedrich Gulda angeschafften Bösendorfer Grand Imperial-Flügel im Zentrum und klassischer Analog-Technik drumherum wurde Kaskaden eins zu eins auf Tonband gebannt. Neben einem besonderen Klang entstand so auch die spezielle Atmosphäre, die das Album prägt.  

„Es war unser Traum, analog aufzunehmen“, freut sich Julia Kadel. „Wir haben diesmal ganz anders gespielt als bei früheren Produktionen, mit einem 'jetzt-oder-nie'-Bewusstsein, das ziemlich nahe am Konzertgefühl war. Eine solche Energie bekommt man im Studio nur mit einem analogen Setup hin.“ Die Adrenalinschübe würden auch das Selbstbewusstsein stärken, sagt Kadel. „Analoges Aufnehmen motiviert noch mehr dazu, immer alles zu geben, als ob es die letzte Chance wäre.“ Entsprechend konzentriert ging das Trio ans Werk, binnen einem ganzen und zwei halber Tage war das komplette Album eingespielt.

Die in den vergangenen zwei Jahren entstandenen Kompositionen reflektieren musikalisch Themen und Situationen, die Julia Kadel während dieser Zeit beschäftigt haben. „Sprache ist Improvisation pur und umgekehrt“, sagt die Musikerin lächelnd. Kein Wunder, dass Kaskaden so ungeheuer direkt wirkt. Durch den Mut, noch klarere Aussagen zu treffen, wird die Musik konkreter und packender. Auch traurige Ereignisse fließen ein, rufen dunkle oder zumindest melancholisch gefärbte Passagen hervor. Andere Inspirationsquellen sind Kinofilme oder Bilder des Pariser Malers Frédéric Belaubre. „Sie lassen Zeit und Raum und Figurales hinter sich. Erstaunlich ähnliche Bilder habe ich auch beim Komponieren im Kopf. Etwa ein großes Abtauchen oder einen großen Sprung, aus dem ein langer Flug wird, der Raum für Transformationen eröffnet.“

Kaskaden enthält unter anderem das kürzeste und längste Stück, das bislang vom Trio auf eine CD gebracht wurde. Der Aufmacher, Paradoxa, begibt sich umgehend auf unterschiedliche Ebenen. „Die darin verarbeitete kleine None ist nicht gerade ein typische Einladung zu Beginn eines Stückes“, lacht Kadel und fährt ernsthafter fort, „sie trifft aber genau den richtigen Nerv, es sollte eine bestimmte Reibung geben. Auch Schmerz kann zum Licht führen.“ Verwicklungen greift Irrungen und Wirrungen des Lebens auf, aber „mit einem gewissen Humor. Es muss nicht alles entheddert werden und man kann sich selbst mit einem schmunzelnden Auge beobachten.“ Über einen langen Zeitraum hinweg durchlief dieses Stück diverse Veränderungen, am Ende entfiel sogar das ehemals als Ausgangspunkt dienende Motiv. „Das Schreiben von Musik ist eben nie linear, sondern vielschichtig und mehrdimensional. Das spiegelt sich auch im Titel der Platte wider.“ Bei Innensichten spielt die Komponistin mit drei unterschiedlichen Harmonien gleichzeitig und scheinbar unendlichen Flüssen; Anfang und Endpunkte sind absichtlich nicht klar definiert. Zu Herunterfallen, dem wohl komplexesten Titel des Albums, holt Kadel etwas weiter aus. „Was mir wirklich am Herzen liegt: Wenn Leute uns zuhören, die nicht wissen, was sie erwartet, ohne Vorurteile oder eine Erwartung, was wir sein oder machen sollen.“ Für Julia Kadel kreieren solche Momente „besondere Räume der unvoreingenommenen Begegnung und des offenen einander Zuhörens, die sehr wertvoll sind in Zeiten von Diskrimierung in alle möglichen Richtungen überall auf der Welt. Solche Räume sollte es öfter geben. Sich trotz Ungewissheit in etwas hineinfallen zu lassen setzt Vertrauen und Mut voraus.“
Tranquille wurde von einem Erlebnis in Frankreich inspiriert. Kadel liebt das Land, die Sprache und die dortige kulinarische Kultur. „Eines Tages traf ich auf eine Gruppe junger Leute, die auf die übliche 'ça va?'-Frage 'tranquille' antworteten und auch genau diesen Eindruck vermittelten. Also bewusste Entspanntheit statt Hektik ausstrahlten.“ Noch ein paar Schritte mehr in diese Richtung geht Kadels Solo-Stück Nothing To Force. Hier gibt es nichts anzustreben oder gar zu erzwingen, stattdessen leuchtet eine innere Ruhe aus der Musik. Erst vor Ort in Villingen hat Kadel diese Komposition abgeschlossen, denn sie integriert eine Besonderheit des vergleichsweise seltenen Bösendorfer Imperials: er bietet neun weitere Tasten für extreme Bässe, die Kadel nun hier pointiert einsetzt.
Die herausragende Spannweite der Band resultiert aus den verschiedenen Hintergründen ihrer Mitglieder, die zudem unterschiedliche Persönlichkeiten sind. Bassist Karl-Erik Enkelmann, trotz seines Grooves ein ruhiger Typ, beschäftigt sich intensiv mit afrikanischer Musik und produziert gelegentlich Popbands. Drummer Steffen Roth, wie Kadel ein eher extrovertierter Charakter, brachte schon früh die freie Spielhaltung in die Band. Auf Kaskaden fasziniert er immer wieder durch pointierte, extrem klangorientierte Einsätze, die sich weit von der gängigen Rolle als Takt- und Rhythmusgeber entfernen. Seine Gongs und Klangschalen hat Julia Kadel in Epilog ins Zentrum gerückt; Roths Klänge und die Töne des Klaviers verschwimmen, verwandeln sich in ein imaginäres neues Instrument. Kadel selbst, 1986 in Berlin-Kreuzberg geboren, lernte zunächst rund acht Jahre klassisches Klavier, ehe sie anfing mehr zu improvisieren und schließlich ganz zum Jazz wechselte. In jüngerer Zeit arbeitete sie abseits des Trios mit einzelnen Musiker*innen aus dem Umfeld der zeitgenössischen Musik. Erfahrungen aus diesen Kooperationen hallen in den aktuellen Stücken ebenso nach wie Echos des klassischen Impressionismus.

Mit Kaskaden präsentiert das Julia Kadel Trio ein starkes persönliches Statement. Charismatische Kompositionen, das substanzielle Zusammenspiel und viele eigenwillige Klangfarben machen die Musik unverwechselbar. Auch eine zuweilen energiegeladene Dynamik gehört dazu, die wohlweislich auf jedes muskulöse Auftrumpfen verzichtet. „Der Albumtitel vereint verschiedene Aspekte, die sich in unserer Musik finden“, sagt Kadel. „Es gibt die fließende Bewegung, eine Urkraft der Natur, von der wir uns in unserer Gesellschaft zwar in vielerlei Hinsicht entfernt haben, die aber immer noch aus uns herauskommen kann. Andererseits können Kaskaden auch Stufen sein, abgehackt und eckig, über die trotzdem unbeirrt das Wasser fließt.“ Wo auch immer die Musik des Julia Kadel Trios entlangfließt, sie findet auf Kaskaden stets zu ungewöhnlicher Tiefe und großer künstlerischer Aussagekraft. Damit bewegt sich die Band auch im internationalen Vergleich auf höchstem Niveau.

“Seit ich ‚The First Cut’ und dann ‚Tin Soldier‘ gehört habe, bin ich Fan von PP. Ihre Stimme ist immer noch so großartig, als wäre sie 18/19! Steve Cradock ist es gelungen, den Klang früheren Immediate Records-Veröffentlichungen zu bewahren – trotzdem klingt das neue Album frisch und gehört für mich zu einem absoluten Highlight ihres Kataloges!“
 – Paul Weller

Pressetext:

Fünf Jahrzehnte nachdem sie mit weltberühmten Pop-Hits wie ‚The First Cut Is The Deepest‘ (unzählige Male gecovert, u.a. von Sheryl Crow, Cat Stevens und Rod Stewart)  und Angel Of The Morning‘ auf dem Label vom Rolling Stones Manager-Andrew Oldham,  "Immediate Records" zur 60er Jahre-Ikone wurde, veröffentlicht Soul-Sängerin P.P. Arnold endlich ein Album voller neuem Material auf dem u.a. Paul Weller, Steve Cradock (Ocean Colour Scene), The Specials und Arnold's Sohn Kodzo mitwirken, der selber Sänger ist.

Das Album, das ‚The New Adventures Of...P.P. Arnold’ heißt und am 09. August bei earMUSIC erscheint, feiert Arnold's Karriere, in der sie als Mitglied von "The Ikettes" bei Ike & Tina Turner Background sang, mit Mick Jagger, The Small Faces, Rod Stewart, Eric Clapton, Barry Gibb und Primal Scream aufnahm, und als Backgroundsängerin gut gebucht war, so zum Beispiel für Billy Ocean, Peter Gabriel, The KLF, Paul Weller und kürzlich erst bei Roger Waters.

‚The New Adventures Of P.P. Arnold’ wurde von Steve Cradock produziert- seines Zeichens  auch Gitarrist für die Paul Weller Band- in seinem Kundalini Studio im amerikanischen Devon aufgenommen und produziert. Es knüpft – nach einer sage und schreibe 51-jährigen Pause - an den zwei legendären Soloalben der Sängerin bei Immediate Records an: ‚The First Lady Of Immediate‘ (1967) und ‚Kafunta‘ (1968), sowie unveröffentlichtem Material der späten 60er und 70er, das unter den Namen ‚The Turning Tide‘ (2017) veröffentlicht wurde.

„Es gibt eine riesige Menge an Alben, auf denen ich gesungen habe, aber ich selbst habe nur zwei eigene veröffentlicht – die allerdings den Test der Zeit bestanden haben“, erklärt P.P. „Es ging um Qualität, nicht um Quantität! Ich musste viele tragische Schicksalsschläge überstehen. Man würde denken, dass Plattenfirmen einen vergessen, aber Steve und [seine Frau] Sally haben das möglich gemacht. Steves Produktion haut einen richtig um.“

Die Anfänge des Albums gehen 25 Jahre, bis ins Jahr 1994, zurück. ‚The New Adventures…Of P.P. Arnold‘ hat von klassischem Orchester-Soul (‚Baby Blue’, ‚Finally Found My Way Back Home’), bis hin zu Sunshine-Pop (‚The Magic Hour’), House-Musik (‚Hold On To Your Dreams’), einem Gospel-Klagelied, das Gänsehaut auslöst und vom tragischen Verlust ihrer ihrer Tochter handelt  (‘I’ll Always Remember You’), zwei Paul Weller-Originalen (‘When I Was Part Of Your Picture’, ‘Shoot The Dove’) und einer epischen 10-Minuten-langen Interpretation von Bob Dylans Gedicht ‘The Last Thoughts On Woody Guthrie’ viele Facetten zu bieten.  Damals landeten die ersten Ideen zunächst in der Schublade, weil P.P. Arnold mit Roger Waters auf Tournee ging. Als Cradock sie allerdings während eines Umzuges vor vier Jahren plötzlich wiederfand, wollten alle Beteiligten das Album unbedingt fertig stellen.

„Es ist großartig, dass ich mit dieser Platte zurückkehre“, sagt P.P. „Selbst jetzt versuche ich immer noch meinen Weg zu finden, weil die Industrie sich jedes Jahrzehnt verändert, und manchmal bleibt man dabei persönlich ein wenig auf der Strecke. Für mich geht es dabei um Glauben, Meditation, Liebe, Beten… zu versuchen bereit zu sein und den Kampf nicht aufzugeben. Das ist meine Botschaft.“

‚The New Adventures Of…P.P. Arnold‘ erscheint am 9. August als CD, 2LP, Download und Stream bei earMUSIC.

 LLOYD COLE "GUESSWORK"   VÖ:26.JULI 2019

earMusic | EDEL

1. The Over Under
2. Night Sweats
3. Violins
4. Remains
5. The Afterlife
6. Moments and Whatnot
7. When I Came Down From The Mountain
8. The Loudness Wars

Künstlerseite:
http://www.lloydcole.com/

Alle Songs wurden von Lloyd Cole selbst geschrieben, mit Ausnahme von „Remains” und „When I Came Down From The Mountain”, die gemeinsam mit Blair Cowan entstanden.
Auf „Guesswork” arbeitet Lloyd mit drei weiteren Musikern zusammen. Hervorzuheben sind zwei ehemalige Bandmitglieder – Gitarrist Neil Clark und Keyboarder Blair Cowan – die erstmals seit dem The Commotions-Abgesang “Mainstream” (1987) wieder gemeinsam mit Cole spielen. Wer nun einen Commotions-Sound auf dem Album erwartet, irrt:  „Guesswork” ist überwiegend ein „elektronisches” Album. Lloyd, Blair Cowan und Fred Maher, ein weiterer musikalischer Wegbegleiter Lloyds, der als Drummer bereits auf seinen frühen Soloalben sowie auf dem letzten Solo-Werk „Standard” (2013) mitwirke, gestalteten den Sound des neuen Albums aus klassischen und modernen Keyboard-Sounds, sowie Modular und Drum Synthesizern, wobei auch Gitarren, gespielt von sowohl Lloyd als auch Neil Clark, ihren Raum finden.
Lloyds Gespür für Melodien, seine intelligenten Texte und seine unvergleichbare Stimme reihen sich nahtlos in die Größe seiner vorangegangenen Werke ein.

“I might just stop breathing
I might just stop keeping time
With the violins
Or I might come out swinging
And what if I sang out of key
With the violins?”
Violins

Lloyd erklärt: “Als ich 27 war, amüsierte mich das Konzept des abgewrackten älteren Typen sehr. Jetzt glaube ich allerdings, dass das hohe Alter doch Spaß mit sich bringen kann. Ich meine, was haben wir denn noch zu verlieren?”
Für das Portrait Coles auf dem Albumcover zeichnet der schottische Musiker und Absolvent der Glasgow Art School- Steven Lindsay verantwortlich:  manch älterem Semester vielleicht noch als ehemaliger Sänger der Band The Big Disch bekannt..
Im Oktober wird Lloyd Cole durch Großbritannien und Irland touren. Neil Clark wird ihn begleiten.
Tourdaten sind hier zu finden: http://www.lloydcole.com/live/

Lloyd Cole veröffentlichte bisher 14 Studioalben, darunter drei mit The Commotions [„Rattlesnakes” (84), „Easy Pieces“ (’85), „Mainstream“ (’87)], neun Soloalben [„Lloyd Cole“ (’90), „Don’t Get Weird On Me Babe“ (’91), „Bad Vibes“ (’93), „Love Story“ (’95), „Plastic Wood“ (’01), „Music In A Foreign Language“ (’03), „Anti Depressant“ (’06), „Broken Record“ (’10), „Standards“ (’13)], eines mit The Negatives [„The Negatives“ (2000)] und eines mit Hans Joachim Roedelius  [„Selected Studies Vol. 1“ (’13)].

Some albums coalesce around a title. Lloyd Cole’s new album is one such record. Guesswork mirrors the uncertainty of the world as you enter your third act. Guesswork is consistent with a record whose protagonists seem reluctant to venture confidently beyond the moment. In terms of minutes, it’s his longest, but in terms of songs, it’s shorter than any of his previous eleven solo albums (fourteen if you count those he made with The Commotions). Guesswork is also his shortest in terms of total words sung. This might come as a surprise to those who primarily remember Lloyd for the precocious literary pop dispatches of 1984’s Rattlesnakes, the debut album which earned him an unlikely place alongside Wham! and Duran Duran in the following year’s Smash Hits/Panini sticker book. However, for other onlookers who have followed his progress in the interim – taking in the muscular urban art-rock of his solo debut X (1990), the delicate digital folk of Music In A Foreign Language (2004) and a succession of electronic albums culminating in 2015’s 1D – that may be less so.

CELINE RUDOLPH- PEARLS    VÖ: 21.06.2019

Obsessions / Membran

Pearls –

schon das Wort führt Regie für Gedankenfilme. Je nach Prägung oder Erfahrung wird dieser zum Drama, zur Komödie oder der Dokumentation einer leidenschaftlichen Affäre. Die eine denkt bei Perlen an Schmuckstücke, eine andere an Tauchgänge vielleicht, ein dritter, womöglich Biologe, an die Abfallprodukte entzündeter Muscheln. Dass Céline Rudolph, laut dem französischen Radiosender TSF selbst „ein Juwel des europäischen Jazzgesangs“, eher an die poetischen und philosophischen Aspekte der „Pearls“ denkt, wird gleich im Titelstück ihres neuen, achten Albums klar. Sanft und sinnlich singt sie von den Perlen, die ihren Geist bevölkern, nennt sie Souvenirs, die sie sorgsam bewahrt – in feinsinnig geschichteten Harmonien, starken Strophen oder aufregenden Improvisationen. Der instrumentale Sound dazu ist geprägt von, ja, perlenden Wurlitzer-Klängen und dem warmen Fender Rhodes, vom aufbrausenden, energetischen Schlagzeug und erdigen Basslinien, von der akustischen Gitarre, die Céline schon seit ihrer Kindheit begleitet.  Nach Brooklyn hat es die Perlenfischerin aus Berlin dafür gezogen, zum Drummer und Produzenten Jamire Williams, in dessen musikalischer Vita sich etwa Herbie Hancock, Solange Knowles, John Mayer oder Robert Glasper finden. Die daraus resultierenden „Pearls“ ergeben ein komplexes und wunderschönes Album, irgendwo zwischen diesen musikalischen Polen, dabei immer eigen und faszinierend.

„Wenn ich Musik mache, bin ich ganz da, hier und jetzt“, sagt Céline Rudolph. „Es steckt in jedem Ton mein ganzes Leben. Also feiere ich das Dasein, und gleichzeitig wird man hören, wie das Dasein schmerzt.“ Sie lebt im Moment und erlebt ihn gleichzeitig als Musik. Wie im November 2012, als sie den New Yorker Drummer Jamire Williams in einem Berliner Club mit Gretchen Parlato erlebt. „Während sie unbewegt im Auge des Orkans steht, geht von Jamire alle Energie aus“, erinnert sich Céline Rudolph. „Er ist die geballte Kraft, ein tosender Wirbelwind! Das hat mich total elektrisiert und meinen eigenen inneren Wirbelwind in Schwingung gebracht.“ Neugierig sucht die Sängerin nach mehr Musik von Jamire und hört bald wie besessen seine Band Erimaj. Als die wenig später auf Tour ist, spricht Céline den Drummer an, spielt ihm bald ihre neuen Songs vor. Die Begeisterung beruht auf Gegenseitigkeit – Jamire will unbedingt mit ihr arbeiten. „Im Januar treffen wir uns in London in der kleinsten Backstage der Welt, im Club „Pizza Express“, und hören Demos meiner Songs, Proben- und Live-Mitschnitte. Nach zwei Stunden intensiven Hörens auf 5 m² ist die Songauswahl getroffen. Und schon einen Monat später vereinbaren wir die Studiosession im Brooklyn Recording Studio, das vor Tasteninstrumenten wie Wurlitzer, Fender Rhodes, Ace-Tone Orgel, Moog nur so überquillt.“

Mit von der Partie sind der argentinische Pianist und Keyboarder Leo Genovese aus der Esperanza Spalding Band, dazu Bassist Burniss Traviss, bekannt von Zusammenarbeiten mit Rapper Common oder Pianist Jacky Terrasson, Ellis-Marsalis-Schüler John Ellis am Saxofon und Celines langjähriger Kollegen und Kompagnon Lionel Loueke, mit dem sie auch ihr letztes Album „Obsession“ eingespielt hat, an Gitarre und Vocals. Zu ihren eigenen Songs entstehen in Brooklyn gemeinsam mit dem Singer-Songwriter Josh Mease weitere Texte. „Ich erzähle Geschichten und Bilder, Josh taucht in meine Welt ein und wir schreiben gemeinsam die Lyrics zu „Aumbaeleo“ und „Be With You“. Wichtig ist mir, dass sich die Songs nicht durch neue Lyrics klanglich verändern. Meine bis dahin textlos gesungenen Melodien hatten ja durch meine lautmalerische Gestaltung schon einen bestimmten Klang. Der sollte beibehalten werden in den neuen Lyrics. Außerdem schreibe ich in Brooklyn neue Chords zu „Pearls“, die spannungsvoller, gleißender leuchten. Die neue Umgebung inspiriert mich. Genauso bei der Ballade „Caravane“, die von asymmetrisch angeordneten Akkord-Progressionen eingerahmt ist.“
Schon während der Proben nahe dem Times Square in Manhattan ist die Begeisterung der Musiker spürbar. Komplexe Sheets werden in lebendige Musik verwandelt. „Es war verrückt, aber auf die bestmögliche Art und Weise“, meint Jamire Williams. „Ich hatte noch nie so etwas wie Célines Musik gehört, sie schreibt auf so einzigartige Art und Weise und auch ihr Vocal-Sound sucht seinesgleichen. Ihr Vibe und ihr Flow in Verbindung mit dem, was unsere Band geschaffen hat, macht diese Produktion so besonders.“ Von November bis Februar ist alles in rasender Fahrt, schon sind die Musiker drei Tage und Nächte im schon erwähnten Brooklyn Recording Studio im Stadtteil Cobble Hill. Neben den Songs spielen sie auch Jams, einfach drauflos. Eines Nachts ist der Toningenieur Andy so geistesgegenwärtig auf Aufnahme zu drücken. „Leo und ich steigen auf den Groove von Burniss und Jamire ein, wir fliegen durch verschiedene Landschaften, während Andy live Effekte in meine Stimme dreht. So entsteht „Dim Lights“. Die Stimmung im Studio ist intensiv, wir inspirieren einander gegenseitig und spielen mit großem Respekt und Hingabe.“ So entstehen, wie im Flug, elf Songs und einige improvisierte Tracks für das nun vorliegende Album. Es sind Perlen, die den Film im Kopf weiterdrehen, mal poetisch, mal dramatisch, immer leidenschaftlich und außergewöhnlich.  Dazu so überraschend, wie man es von Céline Rudolph gewohnt ist. Wer sie kennt, weiß dieses Oxymoron zu schätzen. 

Rosa Morena Russa „Trick-Trague“  VÖ: 26.04.2019

Da Casa Records/ Galileo Music Communication

Die Komponistin und Sängerin Rosa Morena Russa macht eine zeitgeistige Musik. Sie wagt einen kühnen musikalischen Neu- und Alleingang mit dem einzigartigen Blend aus Osteuropa und Brasilien, erfindet dabei einen neuen Musikstil „Bossa Russa Nova“ und schafft es tatsächlich, die „romantischen, russisch gesungenen Melodien mit Samba und Bossa-Nova-Rhythmen genial zu verbinden“ –

Das Geheimnis dieses Erfolgs ist unter anderem die verblüffende Authentizität, mit der sich die Musikerin in mehreren Kulturen und Sprachen bewegt, das Ergebnis von jahrelangen Recherchen und Landesaufenthalten.

Die gebürtige Russin, aufgewachsen in der Ukraine und Deutschland, entstammt einer klassisch-musikalisch geprägten Familie, die auch in der jüdischen Musiktradition verwurzelt war. Schon als Kind stand sie auf der Bühne und durfte Europa bereisen. Als Erwachsene ging sie nach Brasilien und lebte für einige Zeit in Rio de Janeiro, atmete Samba und Choro, machte viel Musik mit namhaften Musikern und lernte soviel sie konnte über diese faszinierende Musikkultur.

Am 26.April veröffentlicht Rosa Morena Russa ihr neues Album "trick-trague" auf ihrem eigenen Label Da Casa Records.

Releasekonzert 24.April im Cascades Hamburg

weitere Konzerte:

01.06.  Hamburg Birdland

Musikalische Reise mit Entdeckungen, Begegnungen, Abschieden und Wiedersehen

Warner Music: CD, LP, Digital-   VÖ:29.03.2019

Als Salvador Sobral im Programm des Eurovision Song Contests 2018 zunächst den Song Mano A Mano und dann seinen Siegertitel Amar Pelos Dois aus 2017 im Duett mit der brasilianischen Legende Caetano Veloso aufführte, ging ein spürbares Aufatmen durch die Musikwelt: Immerhin stand sein Auftritt beim Eurovision Song Contest 2017 in Kiew unter dem dunklen Schatten seiner Erkrankung, so dass er nach dem Sieg erst einmal seine Musikkarriere pausieren musste.
Schon Anfang 2018 kündigte Sobral jedoch an, ein neues Album in Angriff zu nehmen. Nun ist es soweit: Am 29. März erscheint das mit Spannung erwartete Album Paris, Lisboa, das Salvador Sobral so emotional wie nie zuvor zeigt.
Im Zeichen eines neuen Anfangs steht die Reise als Inspiration für das Album. Eine Reise, die nicht nur geografische Entfernungen überwindet, sondern auch die Distanz zwischen Menschen und zwischen dem Gestern und dem Heute. Zugleich ist der Titel Paris, Lisboa auch eine Hommage an den Wim Wenders-Film Paris, Texas, dessen intensive Atmosphäre einen starken Eindruck auf Sobral machte.

Paris, Lisboa enthält 12 Songs, die Salvador Sobral vorwiegend auf Portugiesisch, aber auch Spanisch, Englisch und Französisch eingesungen hat. Als Komponisten und Co-Komponisten zu seinen eigenen Songs standen ihm dabei seine Schwester Luísa Sobral, Jenna Thiam, Joel Silva, Júlio Resende, André Rosinha, Leo Aldrey zur Seite. Ergänzt wird das Repertoire durch zwei Cover-Versionen, deren Originale vom berühmten brasilianischen Songwriter Lupicínio Rodrigues beziehungsweise vom portugiesischen Duo Francisca Cortesão und Afonso Cabral stammen.

Schon 2009 eroberte Salvador Sobral als Teilnehmer der portugiesischen Version von Pop Idol die Herzen des Publikums. 2016 veröffentlichte er sein Album-Debüt Excuse Me, das sich umgehend auf Platz 1 der portugiesischen Charts spielte und insgesamt 10 Singles in den dortigen Charts platzierte. Mit Paris, Lisboa beginnt eine neue Reise, die auch für Salvador Sobral ein Neuanfang sein wird.

TRACKLIST
1. 180 181
2. Presságio
3. Cerca del mar
4. Ela disse-me assim
5. Playing with the wind
6. Prometo não prometer feat. Luisa Sobral
7. Benjamin
8. Grandes ilusiones
9. Mano a mano feat. Antonio Zambujo
10. La Souffleuse

11. Paris Tokyo II
12. Anda estragar-me os planos

facebook.com/salvadorsobralmusic

ALBUM-TOUR
23.04. Essen, Lichtburg
24.04. Frankfurt, Batschkapp


25.04. Hamburg, Elbphilharmonie, kleiner Saal-   ausverkauft
27.04. Berlin, Heimathafen Neukölln- ausverkauft
28.04. Nürnberg, Kleine Meistersingerhalle


30.04. Stuttgart, Liederhalle Mozartsaal

01.05. CH-Zürich, Kaufleuten

„COOL BRITANIA“- don’t even think about Brexit !

„Er singt hervorragend, phrasiert genau, trifft das richtige Timbre bei den langen Tönen, scattet wendig und wie die großen Jazzsänger mit viel Geschmeidigkeit.“  - AZ Mainz
„Dabei gewinnt er jedem noch so abgenudelten Klassiker eine eigene Note ab, ohne übertriebenes Revoluzzertum oder krude Verfälschung.“  - aboutjazz.de

Sein Singen ist wie ein Atmen, und er spielt Klavier, wie er singt; eine Art Fünfuhrtee mit einem Schuss Whisky. Dank Maßanzug und dandyhaften Charme erfüllt der Londoner Pianist und Sänger Anthony Strong mit Leichtigkeit die Rolle des klassischen britischen Gentlemans.

Nach zehn Jahren, vier Albumveröffentlichungen und mehr als 300 Konzerten, kennt man den smarten Briten und bescheinigt ihm umstandslos sein Talent als präzise phrasierenden Sänger, Musiker mit großem Gespür für Rhythmus und Dynamik und perfekten Entertainer.
1984 geboren, studierte Mr. Strong an der renommierten Guildhall School of Music and Drama in London. Er trat rasch in zahlreichen bekannten Londoner Clubs auf, war 2013 Gast in der Harald Schmidt Show, begleitete Adrien Brody beim Superbowl am Klavier und hinterließ als Support von B. B. King im Pariser Theater Le Grand Rex reihenweise staunende Gesichter.
Sein neues fünftes Album Me And My Radio ist Strong’s „Mixtape des 21. Jahrhunderts“ , wie er schmunzelnd zu Protokoll gibt: (s)eine persönliche Sammlung von timeless FAV classics, die für all jene zusammengestellt wurde, die seine genreübergreifende Liebe zu guter Musik teilen und neugierig auf Strong’s Interpretationen derselben sind. Ein Querschnitt der ganz persönlichen Anthony-Strong-Plattensammlung sozusagen.

Wie schrieb doch Josef Engels (RONDO, Die Welt) 2013 über Anthony Strong: „Man höre etwa nur, was Strong aus ‚Lucky Be a Lady‘ macht: Mit ein paar klugen Reharmonisierungen und jugendlichem Charme wird aus dem alten Frank-Sinatra-Vehikel eine Erwachsenen-Pop-Nummer für die Gegenwart. Cool Britannia.“ 
Und „Cool Britania“ ist ja im Brexit-Jahr 2019, bald sechs Jahre nach dieser schönen Kritik, nicht die erste Assoziation, die man zum Königreich ausrufen mag…
 
Aber zurück zu „Me And My Radio“: Da hören wir Jazz und Blues, ebenso wie Motown und Soul: Liebes-Lieblingslieder, die durch Ikonen wie Armstrong, Charlie Chaplin oder Ella Fitzgerald berühmt geworden sind.  Stevie Wonder und Johnny Cash wollte Strong auch dabei haben. Und unter all diesen Juwelen finden sich verstreut Originale, die leicht aus einer vergangenen Zeit stammen könnten. Das Repertoire auf „Me And My Radio“ ist unverhohlen „oldschool“-  aber die Arrangements und Musiker sind im Hier und Jetzt. Ein Higlight des Albums ist sicher Strong’s feinfühlige und dynamische Interpretation des Jazzastandards „I Can’t Give You Antything But Love“ von Jimmy McHugh und Dorothy Fields, der des Briten ganzes Können eindrucksvoll demonstriert.

 Tracklisting:
1. YOU TO ME ARE EVERYTHING (Gold/Denne)
2. AIN’T MISBEHAVIN’ (Razaf/Wller)
3. MY CHERIE AMOUR (Cosby/Moy/Wonder)
4. I CAN’T GIVE YOU ANYTHING BUT LOVE (Fields/McHugh)
5. SMILE (Chaplin, Parson, Phillips)
6. ANYTHING GOES (Porter)
7. LIKE YOU DO (Antonio / Strong)
8. ON A MARCHÉ SUR LA LUNE (Strong/Mathers)
9. GAMBLIN’ MAN BLUES (Strong/Mathers)
10. SIXTEEN TONS (Travis)
11. AS LONG AS SHE NEEDS ME (Bart)
12. OCEAN (Strong/Antonio)

 

JOE JACKSON "FOOL"       VÖ: 18. JANUAR 2019

earmusic/ Edel

Formate: CD Digipak, 1LP+Download und digital       

"Fool" ist das zwanzigste Studioalbum seiner Karriere und gleichzeitig für Jackson die Erfüllung eines jahrelangen Traums, der vielleicht seltsam anmutet: nach Beendigung einer erfolgreichen Tour zusammen mit seiner Band quasi noch mit Standgas direkt ins Studio zu gehen. Und genauso kam es: am 29. Juli beendete Joe Jackson die Sommer 2018 Tour im US-Bundestaat  Idaho, um dann am Tag darauf ins Studio für die Aufnahmen zu "Fool" zu gehen.

Joe Jackson: „Als es danach aussah, dass wir im späten Juli aufnehmen und um meinen Geburtstag im August herum mixen würden, wurde mir bewusst, dass das bisher nur bei meinem allerersten Album so lief. Ich brauchte eine Weile um zu verarbeiten, dass das bereits 40 Jahre her ist…
Auf dem Weg zu "Fool" sind viele fertige und halbfertige Songs auf der Strecke geblieben. Acht Titel haben diese radikale "Auslese"  überlebt – ich denke, das ist genug. Gerade weil die Renaissance der Schallplatten seit einigen Jahren wieder so präsent ist. Ich weiß nicht warum, aber für mich ist "Fool" ein Album, das zwei sich ergänzende Seiten von je ca. 20 Minuten hat…
Ich hatte kein klares Konzept im Kopf, als ich die Songs für das Album schrieb, aber manchmal bildet sich eines im Laufe der Arbeit. In diesem Falle waren es die beiden weiten Themen von Komik und Tragödie, und die Weise mit der sie in unser Leben verstrickt sind. Diese Songs handeln von Angst und Wut,  Entfremdung und Verlust, aber auch von den Dingen, die dem Leben einen Sinn geben: Freundschaft, Lachen und Musik bzw. Kunst im Allgemeinen. Ich hätte das 1979 noch nicht schreiben können. Da hatte ich noch nicht genug gelebt.“

Das Album wurde von Jackson zusammen mit dem Produzenten Pat Dillett (David Byrne, Sufjan Stevens, Glen Hansard, etc.) produziert. Mit seiner aktuellen Band spielt Jackson schon seit „Fast Forward“:
Teddy Kumpel an der Gitarre, Dough Yowell am Schlagzeug, und Graham Maby am Bass (Maby war bei der allerersten Aufnahmesession vor 40 Jahren dabei gewesen und hat seitdem immer wieder mit Jackson gearbeitet).

Vom Februar 2019 an gehen Jackson und seine Band erneut auf Welt-Tournee und werden zahlreiche Konzerte in den USA und Europa geben.

 Joe Jackson: „Die Tour wird sehr umfangreich. Wir wollen feiern, dass das in dieser Form nach 40 Jahren passiert – würden wir es anders machen, wäre es, als wenn man grantig an seinem Geburtstag im Zimmer hängt. Ich musste mir überlegen, wie man ein Konzert aus 40 Jahren Material organisiert. Ich habe mich entschieden mich auf 5 Alben zu konzentrieren, die jeweils ein Jahrzehnt definieren: „Look Sharp (1979)“, „Night And Day (1982)“, „Laughter And Lust (1991)“, „Rain (2008)“ und „Fool (2019)“. Natürlich werden auch ein paar Songs anderer Alben dabei sein und auch einige neue Cover. Ich kann es kaum erwarten. Let’s party!“ 

JOE JACKSON: FOUR DECADE TOUR – 2019

25.03.2019 CH-Zürich- Kaufleuten
28.03.2019 Berlin- Admiralspalast
29.03.2019 Hamburg- Fabrik-  ausverkauft
31.03.2019 Stuttgart- Liederhalle
01.04.2019 München - Muffathalle
03.04.2019 Köln- Gloria -  ausverkauft

Tracklisting:
1. Big Black Cloud
2. Fabulously Absolute
3. Dave
4. Strange Land
5. Friend Better
6. Fool
7. 32 Kisses
8. Alchemy

Der Vorverkauf startet am 12. Oktober.

Macy Gray "Ruby"  VÖ: 21.09.2018

Artistry Music- Mack Avenue | Vertrieb: In-Akustik

CD | Vinyl | digital

Rubine gehören zu den seltensten Naturschätzen der Welt. Die begehrteste Korundfamilie, die karminrote Farbe des Edelsteins, fällt sofort auf - als ob sie Leidenschaft aus der Erde selbst extrahiert und in mineralischer Form kristallisiert. Ähnlich nimmt Macy Gray einen seltenen Platz im Kanon der modernen Musik ein.

Ihre unverwechselbare Stimme und ihr Gespür für den Soul machten sie zu einer Ikone des 21. Jahrhunderts. Weltweit wurden mehr als 25 Millionen Alben verkauft und mit einem Grammy-Award und zwei BRIT-Awards ausgezeichnet.

Für ihr zehntes Album hat Macy Gray bewusst den Titel Ruby (Rubin) ausgewählt: Er ist königlich, rot (welche ihre Lieblingsfarbe ist), mächtig und hat Geschichte. Er ist klassisch so wie dieses Album.

Sie vereint den R&B und den rauchigen Jazz, der ihr am nächsten liegt, und machte einen Sprung nach vorne, indem sie auf prägende Inspirationen zurückblickte. Diese reicherte sie aus Elementen von bezaubernden und schillernden Klanglandschaften an. Ruby zeigt das breite Spektrum der Sängerin und präsentiert Macy Gray leidenschaftlich, poetisch und kraftvoll.

Tracklisting:

1. Buddha featuring Gary Clark, Jr. 4:11
2. Cold World 3:06
3. Over You 3:46
4. White Man 3:13
5. Tell Me 3:30
6. Sugar Daddy 3:38
7. When It Ends 4:32
8. Just Like Jenny 2:58
9. Jealousy 3:49
10. Shinanigins 2:42
11. But He Loves Me 3:41
12. Witness 4:16

Seitenwechsel:
Rolf Kühns Album „Yellow + Blue“
mit Frank Chastenier (Piano), Lisa Wulff (Double Bass) und Tupac Mantilla (Percussion, Body Percussion, Drums)

Ruhe und Aufbruch. Erfahrung und Neugierde. Body and Soul.
Rolf Kühn findet solche Gegenpole extrem anziehend. Und so improvisiert und bewegt sich der 88-Jährige mit seinem Album „Yellow + Blue“ einmal mehr durch musikalisches Neuland. „Europas größter Klarinettenspieler und Freigeist“ (Jazzthetik) spielt auf seinem neuen MPS-Album Balladen und legendäre Love Songs, in die er innig eintaucht, denen er aber auch neue, ungehörte Töne entlockt. Denn eine sentimentale Rückschau ist nicht sein Ding. In seinem neuen Quartett mit Pianist Frank Chastenier, Bassistin Lisa Wulff und Tupac Mantilla (Percussion) kontrastiert Rolf Kühn seine empfindsame Seite vielmehr mit ungebremster Experimentierlust.

„Für das Album habe ich einige meiner absoluten Lieblingsballaden ausgewählt, losgelöst von irgendwelchen Trends sind sie für mich einfach berührend und zeitlos schön“, sagt Kühn, „und besonders reizvoll fand ich, diese Auswahl mit meinen aktuellen Kompositionen zu kombinieren.“
„Both Sides Now“, ein Klassiker aus dem Songbook von Joni Mitchell, eröffnet das Album. Kühn mag den poetischen Text: „Im Leben gibt es irgendwie doch immer beide Seiten, aber am schönsten ist es, wenn sie einander sogar bereichern und fließend ineinander übergehen können, um etwas ganz Neues entstehen zu lassen.“

Der Titelsong „Yellow + Blue“, eines von fünf neuen Stücken, bringt beide Perspektiven auf den Punkt: Das Weiche, Zarte, die warme bluesige Klangfarbe Blau steht neben dem Grellem, dem impulsiv Leuchtenden. Und aus diesem Kontrast wird wiederum eine neue musikalische Farbe.

Die grenzenlose musikalische Neugier des 1929 in Köln geborenen Sohns eines Zirkusakrobaten wird von seinen an Jahren deutlich jüngeren Mitmusikern mit spürbarer Gegenliebe aufgenommen. Wie schon bei seinen letzten Einspielungen für das Label MPS/Edel („Stereo“, 2015 und „Spotlights“, 2016), mit ihren fliegend wechselnden Konstellationen aus Duo, Trio oder Quartett entfaltet der zweifache ECHO-Preisträger auch diesmal wieder „große Musik in kleinen Besetzungen“ (WAZ) – und kreiert dabei überraschende Klangfarben und Instrumentierungen. „Schon der erste Probentag war einfach purer Spaß für uns alle. Ich spüre sofort, ob im Studio die Chemie stimmt. Hier war es vom ersten Moment an ein Ideen-Austausch auf Augenhöhe, geprägt zugleich von einer ungewöhnlichen Vertrautheit“, schwärmt Kühn.

Der Klarinettist kann bei jedem der Titel, den er interpretiert, die Zeit der Entstehung noch mit eigenen Erinnerungen anfüllen. Gelebte Jazz-Geschichte.  Dabei reicht das Repertoire von den „Angel Eyes“, populär geworden durch Frank Sinatra, über die Michel-Legrand-Komposition „What Are You Doing The Rest Of Your Life?“ bis zum Song „I’m Through With Love“, den vor allem Marilyn Monroe im Billy-Wilder-Film „Manche mögen’s heiß“ unsterblich gemacht hat.

Erstmals in seiner langen Karriere hat Kühn endlich auch eine Version von „Body And Soul“ auf CD eingespielt, die Jazz-Ballade par excellence. Auch hier gilt für den Jazzklarinettisten, der sich auf seinem Instrument immer noch als Lernender sieht: Jedes Stück hat seine Unschuld, etwas Pures, dem er auf den Grund gehen möchte. „Der Text ist dabei für mich ganz wichtig. Ich habe ihn beim Spielen immer im Kopf. Und wie schaffe ich es dann, dass die Klarinette in ihrer ganzen Fülle wie eine menschliche Stimme klingt?“

Rolf Kühn, „Deutschlands coolster Jazzer“ (Die Welt),  der im Orchester von Benny Goodman noch die Swing-Ära miterlebte und sich dann in allen Spielarten des Modern Jazz weiterentwickelte, agiert heute freier und mutiger denn je. Und das neue Album „Yellow + Blue“ zeugt zugleich von einer nun schon mehr als 70 Jahre andauernden Affäre – der unstillbaren, aufregenden Liebe zu seiner ältesten Lebens-Freundin, der Klarinette.

Thomas Quasthoff is back! 

Der weltweit gefeierte Bass-Bariton erfüllt sich einen lang gehegten Traum und veröffentlicht ein Bigband-Jazzalbum voller Leichtigkeit bei  Okeh/ Sony Music
mit der NDR Bigband (Jörg Achim Keller), Frank Chastenier, Dieter Ilg, Wolfgang Haffner und Till Brönner als Gastmusiker.
Der weltweit gefeierte Bass-Bariton Thomas Quasthoff veröffentlicht sechs Jahre nach seinem Rückzug von der Bühne als Opernsänger und acht Jahre nach seiner letzten Solo-Aufnahme ein neues Album. 
"Nice 'n‘ Easy", das am 18. Mai bei OKeh/Sony Music erscheint, ist Thomas Quasthoffs erste Produktion mit Bigband.

Er erfüllt sich damit einen lang gehegten Traum, große Jazz-Klassiker mit der NDR Bigband und seinen langjährigen musikalischen Partnern Frank Chastenier (Piano), Dieter Ilg (Bass) und Wolfgang Haffner (Schlagzeug) einzuspielen. Als Gast mit dabei ist Startrompeter Till Brönner. Die musikalische Leitung hat Jörg Achim Keller, der auch die Songs für das Album, wie „Body and Soul“, „Cry Me a River“, „Stardust“ oder „Imagine“ für Quasthoffs einzigartige Stimme und Bigband arrangiert hat.
Nachdem sich Thomas Quasthoff 2012 von den klassischen Konzertpodien und Opernbühnen zurückgezogen hatte, widmete er sich – neben umfassenden pädagogischen Tätigkeiten – intensiv dem Jazzgesang. Besonders sein Bruder hat ihm diese Liebe schon früh nahe gebracht.
„Ich habe immer Jazz gesungen. Es war immer auch Teil meines musikalischen Lebens“, sagt Thomas Quasthoff. Und jetzt hat er sich einen Traum erfüllt – endlich eine Aufnahme mit einer Bigband.
Die Auswahl der Songs erfolgte rein nach dem Kriterium des Geschmacks der Musiker selbst und der Idee den bestmöglichen Rahmen für Quasthoffs einzigartige Stimme zu bieten: „Wir haben schlicht und ergreifend das ausgesucht, was uns gefällt. Frank (Chastenier) hat einige Stücke gefunden, die meiner Stimme einfach sehr gut liegen und die man auch gut musikalisch gestalten kann. Das waren die Hauptkriterien“, erklärt Thomas Quasthoff.
Da erklingen beispielsweise „Body and Soul“, „I’ve Got the World on a String“ (beide mit Till Brönner als Gast) oder „Too Close To Comfort“ in einer bisher unerreicht entspannten Tiefe. Dazu sagt Thomas Quasthoff: „Ich glaube, dass einige Stücke dabei sind, bei denen die Zuhörer aufhorchen werden und sagen: in dieser Lage haben wir das noch nie gehört! Und in dieser tiefen Lage klingt es natürlich auch extrem relaxt.“
Das Zusammenspiel des hochkarätigen Trios mit Frank Chastenier (Piano), Dieter Ilg (Kontrabass) und Wolfgang Haffner (Schlagzeug) und der renommierten NDR Bigband harmoniert auf wunderbare Weise unter der Leitung von Jörg Achim Keller.

Ein Bigband-Jazzalbum voller Leichtigkeit – Nice `n‘ Easy!

TRACKLIST:

1.     Nice 'n' Easy
2.     Body & Soul feat. Till Bronner
3.     But not for me
4.     Moonglow
5.     Cry me a river
6.     Some Enchanted Evening
7.     I remember you
8.     I've got the world on a string    feat. Till Bronner
9.     Stardust
10.    Willow Weep
11.    Too close for comfort
12.    Imagine

SONY MUSIC  

Florian Christl:    Mit dem Piano in den Bergen

Florian Christl, der junge Münchner Pianist und Komponist, ist auf dem besten Weg Ludovico Einaudi nördlich der Alpen Konkurrenz  zu machen.

Florian Christl, Pianist aus Leidenschaft und musikalischer Autodidakt, hat harmonische, melodiesatte und gefühlvolle Kompositionen für unsere Zeit geschrieben – sie sind auf seinem Debütalbum „Inspiration“ zu hören, das am 23.03.2018 bei Sony Music (Classical) erscheint.

Sein selbstproduziertes Video FLY, in dem er mit seinem Klavier vor der spektakulären Kulisse der österreichischen Alpen spielt, entwickelt sich gerade zu einem Überraschungserfolg auf youtube (Stand: Februar 2018).
Florian Christl hat nie Komposition oder Klavier studiert. Seine Musik kommt nicht aus dem Lehrsaal, sie speist sich nicht aus der Theorie. Sie spiegelt vielmehr die Leidenschaft wider, mit der er seine Musik lebt. Er setzt sich ans Klavier und schreibt Musik, wie in einen Traum für die Seele. Inspirierend, voller Liebe, Hoffnung und Sehnsucht.
In dem  Video zur ersten Single „Fly“ zeigt sich Christl Begeisterung für Musik und Natur in inspirierend schönen Bildern. Unterstützt von einem befreundeten Videoregisseur und Fotografen transportierte er sein altes Klavier in einem VW Bus an einen der schönsten Orte der Alpen: Das Hochmoor in der Nähe der Krimmler Wasserfälle im Nationalpark Hohe Tauern in Österreich.

Sein Debütalbum „Inspiration“ (VÖ: 23.3.) vereint eine Auswahl an 13 Kompositionen, die in den letzten Jahren entstanden sind. Die Hälfte der Stücke ist für Piano und Streichquintett arrangiert. 
„Musik ist für mich der Ausdruck einer Empfindung. Momente, Gefühle, Gedanken inspirieren meine Melodien. Zum Beispiel ein Spaziergang durch die Natur, ein Abend mit meinen Freunden oder dieses unbeschreibliche Gefühl in einem Traum die Arme auszubreiten und loszufliegen,“ erklärt Florian Christl.

Florian Christl arbeitete als Werkstudent bei Sony Music in München. Eine Kollegin, die eines seiner Konzerte besuchte, war derart begeistert, dass sie seine Musik für ein firmeninternes Präsentationsvideo verwendete. In der Folge wurde die Klassikabteilung von Sony Music auf ihn aufmerksam und entschloss sich zur Zusammenarbeit. Aufgewachsen ist Florian Christl in einer Kleinstadt in Bayern. Ersten Klavierunterricht erhielt er zusammen mit seiner Schwester im zarten Alter von sechs.  Seither ist das Klavier sein treuer Begleiter. Nach dem Abitur hat er Medienproduktion im heimischen Amberg studiert. Seine große Leidenschaft jedoch galt der Musik. Jede freie Minute verbrachte er am Piano. Anfang 2013 begann er seine Kompositionen zusammen mit befreundeten Musikern live aufzuführen. Die harmonischen Klangwelten aus Piano, Violinen, Bratschen, Celli und Perkussion mit ihren eingängigen Melodien berührten und bewegten das Publikum von Beginn an. Er selbst plante, organisierte und veranstaltete die Konzerte.

Ergriffen von der inspirierenden Erfahrung während des Videodrehs zu „Fly“, inmitten eines beeindruckenden Bergpanoramas Klavier zu spielen, arbeitet Florian Christl nun daran, sein Piano auf die Zugspitze zu stellen.

Das Album „Inspiration“ wurde mit einem Yamaha CFX Konzertflügel aufgenommen.

Florian Christl ist regelmäßig Sonntags im Münchner Lovelace-Hotel an seinem Klavier zu hören. Er wird ferner bei der diesjährigen Jazzahead-Messe in Bremen auftreten. Weitere Termine unter anderem in Berlin, Hamburg und Köln dann im Mai.

earMUSIC/ Edel      

erhältlich in den Formaten Vinyl/ CD/ digital

“Zum ersten Mal in meinem Leben habe ich Musik geschrieben, während ich glücklich war.”       (Al Di Meola, November 2017)

earMUSIC, das international agierende Rock-Pop-Label der Edel Germany GmbH, freut sich über die weltweite Vertragsunterzeichnung von Al Di Meola – dem brillanten, virtuosen Musiker, Komponisten und Arrangeur, der bereits mit 19 Jahren von Chick Corea entdeckt wurde und 1981 mit   „Friday Night in San Franciso“ gemeinsam mit Paco de Lucia und John McLaughlin eines der berühmtesten Live-Alben der  populären Musikgeschichte verzeichnen kann.

Al Di Meola ist ein Pionier im Vermischen von Weltmusik, Rock und Jazz. Sein Gespür für komplexe Rhythmusstrukturen, kombiniert mit melodischem Songwriting und faszinierenden Harmonien, war schon immer das Herzstück seiner Musik und über 40-jährigen Karriere.

Weltweite Anerkennung erreichte der Grammy-Preisträger durch seine Arbeit als Solo-Künstler, aber auch durch Zusammenarbeiten mit Frank Zappa, Jimmy Page, Stevie Wonder, Chick Corea, Paco De Lucia, John McLaughlin, Jean-Luc Ponty, Stanley Clarke, Luciano Pavarotti, Paul Simon, Phil Collins, Santana, Steve Winwood, Herbie Hancock und vielen weiteren. Al Di Meola hält bis heute die höchste Anzahl an Gitarrenauszeichnungen in verschiedenen Kategorien, die vom Guitar Player Magazin (USA) vergeben werden.

Mit einem Lebenslauf voller aufregender musikalischer Momente und wunderbarer Werke, findet Al Di Meola immer noch Wege, sich neuen Herausforderungen zu stellen, allerdings nunmehr mit einer entspannteren Art, Dinge zu betrachten. Während der letzten paar Jahre hat er buchstäblich neu angefangen, sowohl in seinem privaten, als auch beruflichen Leben.

 „Mit OPUS wollte ich mein Komponieren weiterentwickeln, weil ich finde, dass die Evolution dieses Teils meiner Persona mich mehr zum Komponisten/Gitarristen als Gitarristen/Komponisten macht“ – sagt Di Meola – „Trotzdem markiert dieses Album eine neue Ära meines Lebens. Zum ersten Mal in meinem Leben, habe ich Musik geschrieben, während ich glücklich war. Ich habe eine wundervolle Beziehung, ich habe eine kleine Tochter und eine wunderbare Familie, die mich jeden Tag inspiriert. Ich glaube das hört man in der Musik.“

Mit seinem neuen Programm OPUS TOUR 2018 kommt der Grammy-prämierte Gitarren-Superstar Al Di Meola mit einer neuen CD im Frühling 2018 nach Europa. „Ich bete, wenn ich spiele! Musik ist eine Religion!“ und genau diese lebt Al Di Meola – seit über 40 Jahren.

Der mittlerweile 63-jährige Italo-Amerikaner teilte sich schon früh die Bühne mit Größen wie Stevie Wonder und Stanley Clarke, vor allem dank der Unterstützung des Pianisten Chick Corea, der ihn entdeckte und in seine Formation „Return to Forever“ aufnahm. Unaufhaltsam bahnte er sich den Weg an die Spitze, bis hin zur Aufnahme als „jüngster Gitarrist“ in die historische „Gallery of Greats“ des Guitar Player Magazins. Kein anderer Gitarrist wurde mit mehr Auszeichnungen gekürt als Di Meola. Der Ausnahmekünstler aus New Jersey zählt dabei zu den einflussreichsten Jazz- und Jazzrock-Gitarristen aller Zeiten und das zu recht, denn er ist präzise, er ist lässig und damit vor allem eins: Weltklasse. Di Meolas unverkennbarer Stil ist geprägt von einer Fusion aus Rock, Jazz, Latin und World Music. Schon bei frühesten Aufnahmen bemerkte man Di Meolas außergewöhnliche Spielgeschwindigkeit, die er im Laufe seiner Karriere noch steigern konnte. Er galt lange Zeit als der „Schnellste Gitarrist der Welt“. Bemerkenswert ist hierbei, dass Di Meola stets einen sauberen Ton bewahrt und seine Schnelligkeit nicht durch Hammering erreicht, sondern perkussive Techniken zu seinem Markenzeichen machte.

 
Tracklist
1. Milonga Noctiva: Wandering in the Dark (feat. Kemuel Roig)
2. Broken Heart
3. Ava's Dream Sequence Lullaby
4. Cerreto Sannita (feat. Kemuel Roig)
5. Notorious
6. Frozen In Time
7. Escapado
8. Pomp
9. Left unsaid
10. Insieme
11. Rebels (feat. Kemuel Roig)

Al Di Meola – Erstes Musikvideo „Broken Heart“ aus dem neuen Album „Opus“